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단순하고 본능적인 세계를 만들기까지, 이루리 EP [Brave New World] 발매 기념 인터뷰

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단순하고 본능적인 세계를 만들기까지, 이루리 EP [Brave New World] 발매 기념 인터뷰

 

당시에는 진심을 다해 만들었던 결과물이, 세월이 지나 꺼내 보면 부끄럽게 느껴지는 경우가 있다. 오히려 세상을 너무 진지하게 대했던 탓에 좁은 시야로 바라봤던 건 아닐지 후회가 밀려든다. 이루리의 EP [Brave New World]는 그 답답함을 인식한 자리에서 출발한다.

 

현실과 타협하는 방식에서 벗어나, 가상 속에서 완전히 새로운 자신을 설정하는 것으로 이야기가 진행된다. 하지만 가상일 뿐, 가짜는 아니다. 기존의 태도와 익숙했던 진지함, 스스로를 규정하던 틀을 한 번에 허문 뒤, 가장 단순한 감각부터 다시 빌드업해 만든 세계다. 증명해 보이려는 압박을 내려놓고 오직 ‘재미’만을 추구하며 앞으로 나아간다. 본능적으로 움직이는 리듬과 뾰족하게 날이 선 사운드는 그의 결정을 가장 솔직하게 드러낸다.

 

이루리는 Bye Bye Badman(이하 ‘바이 바이 배드맨’)의 베이시스트이자 2018년 데뷔한 이후부터 현재까지 꾸준히 활동을 이어오고 있는 싱어송라이터다. 밴드 활동과 솔로 작업을 병행하며 각기 다른 방식으로 음악 세계를 확장해왔다. 오랜만에 솔로 앨범으로 대중 앞에 선 이루리를 만나 네 번째 EP [Brave New World]에 담긴 의미와 변화의 과정을 들어보았다.

 

 

Q. 간단하게 자기소개를 부탁드립니다.

 

저는 베이스 치는 싱어송라이터 이루리입니다.

 

 

Q. 여러 악기들 중 베이스를 선택하게 된 계기가 있을까요?

 

제가 밴드에 빠지게 된 건 중학교 2학년 때, 만화 ‘나나’를 본 이후였어요. 처음부터 악기를 다룰 생각은 없었고, 마냥 밴드를 동경하다가 본격적으로 마음을 먹은 건 고등학교 1학년 때였어요. 그때 밴드부에 보컬로 들어갔어요. 사실 밴드 포지션 중 보컬이 제 성격과 제일 맞지 않겠다는 걸 알고 있었어요. 저는 전면에 나서는 걸 선호하지 않았거든요. 그렇지만 밴드를 정말 하고 싶었어요. 때마침 베이스가 적절해 보이더라고요. 눈에 덜 띄는 듯하면서도 밴드에 로망이 있다면 다뤄보고 싶은 줄악기 포지션이잖아요. 기타도 물론 줄악기이지만 보컬과 더불어 앞쪽에 서야 하는 역할이라 저에겐 베이스가 더 어울려 보였어요. 게다가 밴드에 입문하게 된 계기를 마련해 준 만화 ‘나나’를 보면 남녀 주인공 커플이 등장하는데, 그 커플의 모티브가 된 인물이 바로 영국 밴드 Sex Pistols의 Sid와 그의 연인 Nancy였거든요. 마찬가지로 Sid가 Sex Pistols에서 베이스를 맡고 있었고요. 제가 ‘나나’의 엄청난 오타쿠라 그런 부분이 굉장히 멋지다고 생각했어요.

 

 

 

 

Q. 음악 외적으로도 스타일링이나 무대 연출 등에 ‘나나’의 영향을 받은 바가 있을까요?

 

어릴 때는 지금보다 더 큰 영향을 받았어요. 누가 봐도 알 수 있을 정도로 저 사람은 오타쿠다, 저 사람은 펑크록을 좋아할 수밖에 없다는 게 확실히 티가 나는 아웃핏이었거든요. 밴드부 공연을 하는데 “저 오타쿠 같은 애는 누구야?”라는 얘기를 듣고 적잖이 충격을 받아 그때부턴 일반인 코스프레를 하면서 지냈어요. 당시엔 오타쿠라는 말이 지금보다 훨씬 부정적인 워딩이었거든요. 그래서 꼭꼭 숨기고 지내다가 이제서야 당당하게 말하고 다녀요. 요즘은 전보다 드러내도 괜찮은 시대인 것 같아요. 수면 위로 많이 올라왔어요.

 

 

Q. 그렇다면 수면 위로 올라온 지금의 상태가 편하세요, 아니면 본인의 성향이 내성적인 측면이 있으니 차라리 숨기고 지내는 게 더 편하세요?

 

이건 제 개인적인 생각이지만, 내향적인 사람이 오히려 온라인상에선 더 외향적인 경우가 많다고 느껴요. 저 역시 오프라인에선 전혀 티를 내지 않고, 오히려 숨기는 편이었죠. 다만 제 직업이 사람들에게 보이는 성격을 띠고 있다 보니, SNS에서는 비교적 많이 드러내고 있는 편이에요.

 

 

 

 

Q. 본인이 생각하는 베이스만의 특별한 매력은 무엇일까요?

 

베이스의 매력은 2가지로 꼽을 수 있는데, 첫 번째는 앞서 언급했던 것처럼 내향인에게도 잘 맞는 악기라는 점에서 큰 매력을 가지고 있어요. 두 번째는 진입장벽이 그렇게 높지 않다는 점이에요. 물론 어떤 분야든지 높은 곳까지 레벨을 끌어올리려면 난이도가 어려워지지만, 베이스는 크게 힘들이지 않아도 금방 합주에 뛰어들 수 있는 악기라고 생각해요.

 

 

Q. 베이스가 진입장벽은 높지 않은데 하다 보면 난관에 봉착하는 악기라는 이야기가 있던데 이 말에 공감하는 편이신가요?

 

대부분 모든 악기가 그렇게 되는 것 같아요. 더 넓게는 인생의 모든 분야가 그렇죠. 어떤 경지에 다다르기 위해선 그만큼 많은 노력이 필요하죠.

 

 

Q. 베이스를 연주할 때, 추구하는 본인만의 음색이나 연주 톤이 있나요?

 

부드럽고 따뜻한 톤을 선호하는 것 같아요. 그런데 이번 앨범에선 반대로 해보려고 노력을 많이 했어요. 일부러 더 날카롭고, 드라이브 톤의 그런 베이스 사운드를 넣어 작업했거든요. 그리고 저는 만화책으로 음악에 입문했기 때문에 외적인 부분을 정말 중요하게 보거든요. 그래서 실제 제 성격이 그렇지 않더라도 일단은 연주하는 사람이 스타 같고, 멋있어 보여야 한다고 생각해요. 아마 비주얼에 관심 있는, 록 음악을 하는 사람이라면 누구나 거울을 보고 연습하지 않을까 싶어요. ‘어떻게 해야 턱선이 멋있을까’ 그런 것들이 저의 스킬입니다.

 

 

Q. 베이시스트로서의 이루리와 싱어송라이터로서의 이루리, 두 역할 사이에서 느끼는 차이점이 있을까요?

 

아무래도 송라이터로 작업할 때엔 곡 전체를 신경 써야 해요. 저는 프로듀싱까지 직접 하니까 컨셉이라던가 이 앨범으로 표현하고 싶은 이미지 등 여러 요소를 고민하며 작업하지만, 베이시스트로서 활동할 때는 그냥 정말 ‘베이스 치는 내가 즐겁고 멋있어 보이면 된다’ 이것만 신경 쓰면 돼요. 그래서 연주하는 제 모습도 훨씬 자유롭고, 편하게 나올 수 있어요. 전체를 관장하다 보면 디테일한 부분이 약해질 수도 있고, 약간은 놓치는 게 생길 수도 있으니 머리가 아파지더라고요. 그런 지점에서 차이가 있는 것 같아요.

 

 

 

 

Q. 밴드 활동과 더불어 솔로 앨범도 꾸준히 발매하셨는데, 오랜 시간 동안 쉬지 않고 작업을 이어올 수 있었던 본인만의 노하우가 있나요?

 

어떻게든 음악으로 먹고사는 사람이 되고 싶다는 열망하에 ‘할 수 있는 건 다 해보자, 하다 보면 스킬이 늘겠지’ 이런 마음에서 이것저것 열심히 해봤어요. 부딪혀봐야 느끼고, 배우는 스타일이라 하나부터 열까지 스스로 할 수 있게끔 연습해온 게 컸어요. 예를 들면, 작업을 할 때도 단순히 베이스 연주만 하고 끝이 아니라 미디도 다뤄본다던가 이런 식으로요. 제가 실용음악과를 전공했는데 그때 믹스에 관심이 생겼어요. 잘하진 못하더라도 내가 관심 있고, 재밌으니까 계속해 보자는 마음으로 시작했거든요. 그런 게 성격에 맞아서 지금은 데모부터 마스터링을 제외한 모든 영역을 직접 다룰 수 있게 되었어요. 그러다 보니 시간을 쏟는 만큼 뭔가를 만들어낼 수 있고, 경제적으로도 절약되니 다른 요소에 투자해 볼 수 있기도 하고요. 이런 방식이 마침 추세와도 맞물리는 부분이 있어 그렇게 된 것 같아요.

 

 

Q. 슬럼프나 작업이 멈추는 순간도 있었을 것 같은데, 그럴 땐 어떻게 다시 음악으로 돌아오셨나요?

 

매해 슬럼프였는데요, 그런 말이 있잖아요. 슬럼프를 극복하려면 일단 그냥 해라. 그래서 못할 것 같아도 일단은 움직였지만 지치기도 했어요. 웃긴 게 바이 바이 배드맨 활동을 쉬는 기간 동안 똑같은 음악을 하고 있는데도 밴드를 안 하는 제 자신이 너무 싫은 거예요. 음악을 멋있어 보이고 싶어서 시작한 건데 혼자 작업하는 이 모습이 멋없다고 느껴진 거죠. 그렇게 점점 지쳐가는 도중 바이 바이 배드맨 활동을 재개하면서부터 음악을 다시 시작하는 기분이 드는 거예요. 고등학교 때부터 같이 합을 맞춰온 친구들이어서 그런지 마음도 편하고, 쌓여 있던 피로가 많이 해소되면서 자유로워졌어요.

 

 

 

 

Q. 본격적으로 이번 신보에 관해 이야기해 보도록 할게요. 이루리의 네 번째 EP [Brave New World]가 1월 21일 발매되었습니다. 앨범 소개를 간략하게 부탁드릴게요.

 

단순하고 본능적인 것들을 담으려고 한 앨범입니다. 그래서 재밌고 싶었고요. 그동안 제 솔로 앨범들은 조금 진지하고, 무겁기도 하고, 진솔한 저의 모습을 담으려 했던 편이에요. 어느 날, 인터넷에서 글을 읽었는데 ‘인생이 가면무도회라는 걸 알았을 때, 나만 맨얼굴로 왔다는 사실이 부끄러웠다’ 이런 내용이었어요. 여태껏 저만 너무 진지하게 이 모든 것들을 대했던 것 같았어요. 그런데 이게 진심을 다하다 보면 더 지치는 것 같더라고요. 대화를 할 때, 가볍게 농담도 하고 그래야 환기가 되는데 계속 진지한 상태로 ‘우리 인생은 말이야. 어떻게 살아야 할까? 내 삶은 뭘까?’ 이렇게만 살았던 것 같아 숨이 막히더라고요. 오히려 창작의 틀을 자꾸 가두는 느낌이 들었어요. 그런데 밴드를 다시 시작하며 음악을 하는 게 즐겁다는 본질을 떠올리다 보니 정말 단순하게 재밌는 것에만 집중해 보고 싶어 이번 앨범을 만들게 되었어요.

 

 

Q. 작사, 작곡은 물론 연주와 믹싱, 레코딩까지 모두 직접 하셨어요. 그중 작업 과정에서 가장 공을 들인 부분이 있었나요?

 

제가 믹스를 제일 자신 없어하는 편이라 가장 공을 들이는 것 같아요. 아무래도 제게는 가장 약한 부분이다 보니 보완하려고 시간도 가장 오래 들이게 되고요. 사실 곡을 쓰고, 연주하고, 녹음하는 과정은 5분 컷이라고 느껴질 만큼 빠르게 진행되는 편인데, 믹스만큼은 며칠에 걸쳐 계속 들어보고, 다음 날 다시 들어보면서 뭐가 다른지 하나하나 체크해 보고 그렇습니다.

 

 

Q. 전반적으로 락킹한 사운드가 돋보이는 앨범입니다. 기존 앨범들에서 선보였던 나른하고 몽환적인 분위기와 대비되는 독기 서린 비트와 날카로운 사운드가 돋보이는데요, 이번 앨범 감상 포인트가 무엇일까요?

 

저는 컨셉이 있는 무언가를 굉장히 좋아해서 그런 점을 이번 앨범에 많이 담으려고 했어요. 완벽한 컨셉으로서의 제 모습을 보여드리고 싶어 준비하고 있는 라이브 클립과 퍼포먼스 비디오에도 독기 가득한 센 캐릭터를 담아볼 예정입니다. 그런 요소를 보는 것이 이번 앨범의 감상 포인트가 아닐까 싶어요.

 

 

Q. 공개될 영상들이 매우 기대가 되네요. 언제쯤 나오게 될까요?

 

차례대로 하나씩 나올 것 같은데요, 우선은 발매일에 맞춰 제가 직접 연출했다고 말하기 애매할 정도로 가벼운 홈 비디오 같은 영상이 먼저 공개될 예정이에요. 이후 2주 간격으로 2편, 그렇게 총 3편을 준비하고 있습니다.

 

 

 

 

Q. 트랙별로 이야기를 나눠보아도 좋을 것 같아요. 앞서 12월 31일, 싱글 [너는 나의 미친개가 돼]가 먼저 공개되었는데 이번 앨범 첫 번째 트랙으로 수록되었어요. 선공개와 1번 트랙으로 이 곡을 선택하신 이유가 있을까요? 

 

먼저 선공개 곡으로 정한 이유를 말씀드리면 이 곡만큼 달라진 컨셉을 가지고 등장할 것이라는 의지를 보여주고 싶었어요. 앨범을 준비하는 기간 동안 생각해 보니 이전엔 호불호가 갈리지 않도록 안전성을 추구했던 것 같아요. 그래서 무난한 팝 성향의 음악이 많았는데 이제는 호불호가 갈리면 좋겠어요. 예전엔 욕먹는 게 두렵고 싫었는데 지금은 나이도 들고, 결혼도 해서 그런지 세상이 두렵지 않고, 미움받을 용기가 생기더라고요. 그러다 보니 취향이 확 갈리는 음악을 들려드리고 싶었어요. 1번 트랙으로 선택한 이유는 이걸 견딜 수 있는 분이 다음 트랙까지 이어서 들었으면 좋겠다는 장난스러운 마음에 골랐어요.

 

 

 

 

Q. 두 번째 트랙은 타이틀인 ‘새 시대의 왕’이에요. 제목과 더불어 가사도 굉장히 가감 없고, 솔직해요. 어떤 메시지를 전달하고자 탄생한 곡일까요?

 

위와 같은 심경 변화가 있었기 때문에 관점에 따라 세상도 다르게 보인다는 생각을 많이 하면서 지냈어요. 기존에 제가 가지고 있던 세상은 정말 틀 안에만 갇혀 있었구나 싶더라고요. 관점을 달리하니 새로운 것들이 보였고, 이걸 끼워 맞춰 가기보단 아예 다 부숴버리고 싶었어요. 부수고 다시 새로 시작하고 싶은 마음. 예를 들면, 인생이 살짝 꼬였는데 아예 멀리 이민 가고 싶고 이런 마음? 그래서 전하고자 하는 메시지는 이런 거예요. ‘이제 이 세상을 다시 차곡차곡 쌓아 만들 것이고, 이 세계에선 내가 왕이야. 내 마음대로 만들어볼 거야. 내 세상은 이제부터 그런 거야.’

 

 

Q. 어떻게 보면 컨셉츄얼한 가상의 캐릭터지만 한편으론 내면에 또 다른 자아가 표출된 것 아닐까요?

 

맞아요. 한동안 ‘부캐’라는 개념이 유행했을 때, 전 그게 너무 부러운 거에요. 한편으론 활동명을 이루리로 정한 것까지 막 화가 났어요. ‘왜 나는 다 진심으로 대했을까, 심지어 활동명도 내 이름으로 짓고. 나도 어딘가에서 다른 이름을 빌려 다른 자아처럼 활동해도 됐는데’ 이런 후회가 밀려 들었어요. 제 MBTI가 INFJ인데 이번 컨셉에 몰입할 땐, 반대 성향을 가진 ENTP라고 최면을 걸었어요. 인터넷상에서 그런 말이 있더라고요. INFJ는 종이 한 장 차이로 예수 아니면 히틀러다. 이처럼 내면에서는 다 부숴버리고 싶은 욕망이 있는 것 같아요.

 

 

 

 

Q. 세 번째 트랙 ‘OCD’는 강박장애를 뜻하는 단어더라고요. 이 곡은 어떤 의미를 담고 있나요?

 

저에게도 강박장애가 있기 때문에 이 제목을 썼어요. 강박장애 때문에 되게 힘들었던 시기가 있었거든요. 제가 피해를 받지 않을 때는 인식하지 못했는데 점점 몸이 아프기 시작하더라고요. 예를 들어, 손 씻는 강박이 있다고 하면, 그 자체로는 큰 피해가 없잖아요. 적당한 선에서 끝나면 괜찮은데, 나중에는 (생각이) 겹치고 겹치면서 점점 부풀어져요. 손을 씻지 않으면 몸이 아픈 상태까지 가고요. 열이 나는 것 같고, 숨이 막히거나 손발이 저리는 느낌도 들고요. 이런 상태가 계속되다 보니 일주일 정도를 아예 앓아누운 적도 있었어요. 힘들어서 약을 복용하기 시작했고, 오랜 시간 식습관을 고치고, 운동도 병행하면서 모든 초점이 건강에 맞춰지게 됐어요. 그러다 대략 1년 전부터 약을 끊게 됐고, 병적인 증상도 자연스럽게 사라졌어요. 다 낫고 보니 그 시점에 제 관점도 많이 달라져 있더라고요. 아직 부족할 수는 있지만, 사고방식도 전보다 훨씬 열린 것 같고, 다시 보이는 것들도 생겼고요. 그래서 이 앨범에 이 곡을 수록하게 됐어요. 2번 트랙처럼 어떠한 과정을 겪고, 새로운 세상이 생긴 거니까요.

 

 

Q. 1번부터 3번 트랙까지 강렬하고 거칠게 이어지는데 트랙리스트를 구성할 때, 이런 부분도 고려하신 건지 궁금해요.

 

그런 것 같아요. 공연을 오래 해오면서 트랙리스트 역시 공연 셋리스트 짜듯 구성하는 경향이 있거든요. 초반에는 강하고 신나는 노래가 나오게끔 배치하고, 뒤로 갈수록 점점 차분해지는 흐름을 선호하다 보니 그런 방향을 염두에 두게 된 것 같아요.

 

 

Q. 마지막으로는 ‘Unknown Artist’입니다. 마지막 트랙에서 무드가 완전히 전환돼요. 이 곡도 설명을 부탁드립니다.

 

4번 트랙은 한 20대 중반쯤 데모 단계에서부터 ‘발레리나’라는 이미지를 떠올리며 가사 역시 발매된 지금의 곡과 비슷한 맥락으로 써두었던 곡이에요. 다른 가수분의 곡을 작업해 보다가 오랜만에 이 곡이 생각나 다시 꺼내 들어봤는데, 제가 직접 부르고 싶어졌어요. 제가 써놓은 가사지만 이제 와서 보니 더 제 이야기처럼 느껴졌기 때문이에요. 그래서 완전히 저만의 이야기, 저만의 메시지로 녹여내고 싶어 제가 말하는 방식처럼 접근하게 됐고, 그 결과 지금의 곡이 완성됐어요. 곡을 처음 쓴 당시엔 상상한 만큼 결과물로 구현해낼 스킬이 부족해 묻혀 있었는데, 이제는 제가 그린 대로 작업이 가능하다 보니 과정도 훨씬 재밌고, 곡도 자연스레 완성되더라고요. 나라는 가수를 만나 세상에 알려지지 못한, 죽은 제 곡들에게 자유롭고 넓은 세상을 보여주고 싶다는 메시지를 이 곡에 담고 싶었어요.

 

 

 

 

Q. 앞으로 더 실험해 보고 싶은 사운드나 도전하고픈 영역이 있나요?

 

요즘 제 마음은 도전이 아니면 아예 시작하고 싶지 않을 정도로 극단적인 편이에요. 지금은 완전히 재미있는 것에만 꽂혀 있거든요. 밴드를 다시 시작하게 된 것에도 영향을 받은 것 같아요. 예전에는 지속적으로 뭔가를 해야 한단 압박감도 있었고, 직업적으로 한 가지에 오래 몰두해 왔는데, 지금은 밴드 활동을 병행하면서 자연스럽게 에너지가 분산되니 그 과정에서 제가 갖고 있던 욕망도 많이 표출하고 있거든요. 아마 밴드에서 시도하기 어려운, 아쉬운 점들이 생기면 그걸 솔로 활동에서 보여 드리게 될 것 같아요.

 

 

Q. 음악적인 측면에서 이루리가 그리고 있는 ‘최종 목표’는 어떤 모습일까요?

 

지금의 최종 목표는 오래 하기. 엄청나게 유명해지는 걸 바라는 성향은 아닌 것 같아요. 그렇지만 음악을 오래 지속하고 싶어요. 다만 아이러니가 있죠. 오래가기 위해서는 어느 정도 유명세가 따라와야 하니까요.

 

 

 

 

Q. 이후 발매 계획이나 예정된 공연, 그리고 2026년 활동 플랜도 살짝 공유해 주실 수 있을까요?

 

이제는 솔로 작업에 있어선 온전히 ‘재미’에만 집중하고 있기 때문에 작업을 하고 싶게 만드는, 재미있는 무언가가 생긴다면 금방 새로운 작업에 들어가게 될 것 같아요. 다만 현재로서는 따로 계획해 둔 건 없습니다.

공연 역시 솔로로 계획된 건 없고, 밴드 공연만 예정되어 있어요. 제가 밴드를 좋아해서 음악을 시작한 사람이다 보니 솔로 공연보단 밴드 공연에서 훨씬 더 큰 재미를 느끼고 있고요. 그래서 당분간은 밴드 공연에 좀 더 집중하게 될 것 같아요.

 

 

Q. 마지막으로 이 인터뷰를 보고 계실 팬분들(교수님들)께 한 말씀 부탁드립니다.

 

언제나 감사합니다. 그리고 재밌게 들어주세요. 진부한 표현이지만 사랑합니다.

 

 

 

 

Interview | 구은영

사진제공 | 이루리

가볍지만 밀도 있는 레시피, Flatshop [toast recipe] 발매 기념 인터뷰

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가볍지만 밀도 있는 레시피, Flatshop [toast recipe] 발매 기념 인터뷰

 

무겁고 피로한 이야기는 이상하게도, 편안한 자리에서 더 쉽게 흘러나오곤 한다. 가볍게 농담을 주고받는 친구에게 삶의 고충을 털어놓을 수 있는 이유도 그 때문일 것이다. 힙합과 알앤비, 밴드 신을 자유롭게 넘나들던 Khundi Panda, 담예(DAMYE), Viann, Noogi가 그런 ‘친구 같은 온도’로 뭉쳤다. 그들이 함께 만든 팀, Flatshop의 음악은 유쾌함 속에 은근한 묵직함을, 장난 속에 진심을 품고 있다.

 

지난 10월, 오랜 친구와의 재회처럼 반가운 정규 1집 [toast recipe]가 세상에 나왔다. 바삭한 빵, 건배의 순간이라는 두 겹의 의미를 담은 [toast recipe]는 친근하면서도 실험적인 사운드로 가볍고 소소한 일상 곳곳에 삶의 고충을 녹여낸다. 아침의 토스트처럼 가볍고 든든하게, 저녁의 건배처럼 유쾌하고 다정하게 마음을 감싸는 Flatshop만의 비법 레시피같은 작품이다.

 

‘랩 밴드’라는 정체성처럼, 플랫샵의 음악을 단어로 정의하기엔 다소 어려운 감이 있다. 그러나 음악 속에서 전해지는 감정만큼은 단연 또렷하다. 가벼운 농담과 웃음 사이로 건네는 내적 친밀감과 편안함. 그렇게 재미있고 든든한 친구 같은 팀, Flatshop과 함께 정규 앨범이 만들어지기까지의 과정, ‘랩 밴드’라는 자신들만의 언어 등에 대한 대화를 나눴다.

 

 

Q. 안녕하세요. 간단하게 Flatshop (이하 ‘플랫샵’)의 멤버별 자기소개를 부탁드립니다.

 

Khundi Panda: 안녕하세요. 아이디어 구상 및 랩을 맡고 있는 Khundi Panda(이하 ‘쿤디판다’)입니다.

 

DAMYE: 에너지 보컬/기타 랩을 맡고 DAMYE (이하 ‘담예’)입니다.

 

Noogi: 중후한 멋으로 베이스를 치고 있는 Noogi (이하 ‘누기’)입니다. 잘 부탁드려요.

 

Viann: 플랫샵에서 프로듀싱과 매니저를 맡고 있는 Viann (비앙)입니다.

 

Khundi Panda: 매니저 말고도 멋있는 단어 많잖아.

 

Viann: 매니저 진짜 멋있는 단어야.

 

 

Q. 독특한 구성부터 눈에 띄는 팀인데, 어떻게 플랫샵이라는 팀을 이루게 됐는지 궁금합니다.

 

Viann: 당시에 서로 각자 알고 있는 상황이였는데.

 

DAMYE: 쿤디 노래 중에 ‘낙찰 전 / 용기의 합창단’이라는 곡이 있어요. [가로사옥]에 있는 노래이거든요. 그 트랙에 제가 피처링을 했고, 비앙 형이 믹스를 했고, 누기 형이 베이스를 쳤어요. 그때 비앙 형이 “넷이 이렇게 뭔갈 하면 멋있는 그림이 나오겠다” 하면서 (멤버들을 소집한거죠.) 영문도 모른 채 그 자리에 끌려나가게 됐어요. 그래도 다 좋아하는 뮤지션들이고, 한번 보고 싶기도 했어요. 그 자리에서 우리끼리 그룹을 만들거란 얘기를 들은 것 같아요.

 

Viann: 저랑 쿤디는 이미 모두를 아는 사이였고. 누기랑 담예는 실제로 알고 지내던 사이는 아니였어요.

 

Khundi Panda: 담예 형은 아마 미국에 돌아와서 거의 처음 본 뮤지션이긴 했을걸요? 저랑 비앙 형이 [재건축]을 내고 담예 형한테 한국에 가면 꼭 보고 싶다고 DM이 왔어요. 저도 좋아요, 봅시다 말했고. 그때 제 기억으로 형이 한국어를 잘 못했는데 지금은 너무 잘하죠.

 

 

 

 

Q. 보통의 밴드는 합주나 Jam을 통해 자연스럽게 곡을 만들기도 하잖아요. 그러면 보컬 두 분으로 구성된 플랫샵의 경우, 어떤 식으로 곡 작업을 하나요?

 

Viann: 잼 형식으로 작업을 해본 적이 많이 없기도 한데, 그 형식이 저한테는 우연에 기대하는게 강하다고 느껴지거든요. 물론 우연이 더 좋은 걸 만들어 줄 수 있겠지만, 그냥 제가 고민해서 세운 계획대로 원하는 걸 만들고, 이후 악기나 가사가 더해지는 방식으로 주로 작업했던 것 같아요.

 

그리고 이번 앨범을 만들면서 체계가 만들어 진 게, 보컬 팀과 프로덕션 팀으로 나눠서 곡을 만들었어요. 제가 스케치 단계의 토대를 만들면, 보컬 팀에서 가사나 주제 등 흥미로운 부분을 대략적으로 구상해요. 그러면 또 프로덕션 팀에서 베이스 연주도 얹고, 또 “코드가 좀 더 이런 식으로 바뀌면 좋겠다” 같은 의견을 공유하면서 그에 맞춰 편곡하는 거죠.

 

 

Q. 재작년 즈음부터 오프라인 활동을 많이 보여주시다, 올해는 컴백 싱글부터 정규까지 적극적인 활동을 보여주셨습니다. 정규를 내기로 결심한 시기는 대략 언제쯤이었나요?

 

Viann: EP [Khundi Panda VS DAMYE VS Viann VS Noogi]를 냈을 때부터 “아, 이거 너무 재밌다. 잘 되든 안 되든, 듣는 사람들이 좋아하는 앨범이고. 평소 각자 실험적이거나 난해한 작업도 좋아하지만, 다같이 모여서 안 하던 거 하니까 참 좋다” 생각이 들었어요. 원래는 정규가 아니라 EP를 구상하고 있었고, 담예가 군대 갔을 때도 휴가 나올 때마다 같이 모여서 작업하고 그랬었거든요. 항상 새 앨범을 염두에 두고 있던 것 같아요. 적어도 정규 앨범까지는 우리가 함께 뭔가를 제대로 해보자. 그게 늦어지더라도.

 

DAMYE: 그간에 서로 같이 공연을 해왔던 경험 덕분에 자연스럽게 정규 앨범을 만들자고 하게 된 것 같아요. 지난 번 EP는 같이 공연을 안 해 본 상태로 만든 게 느껴지는 반면에, 이번 정규 작품은 확실히 공연 경험을 하면서 느낀 플랫샵의 색깔을 잘 보여준 것 같아요. 작업하면서도 공연할 때 이렇게 하면 재밌겠다 싶은 요소들을 넣어보기도 하고.

 

 

 

 

Q. 사실 정규 전 컴백 싱글 [Bully Maguire]도 마지막 발매작으로부터 4년 만에 발매가 된 거더라고요. 이후 정규를 준비하면서 오랜만의 곡 작업을 진행했을텐데, 정규를 준비하면서 합을 맞추는데 어려움이 있다거나 적응 기간이 필요하지는 않았나요?

 

Khundi Panda: 분명히 있었고. 그런데 기분 좋은 마찰이라고 생각하거든요. 예를 들면 보통 트랙 대부분의 탑라인은 저랑 담예 형이 같이 짜거든요. 그런데 시간도 지나고, 경험이 쌓이면서 여러 가지 경우를 보는 능력이 서로 생긴 거죠. 그래서 가사를 쓸 때도 “이게 더 좋지 않나, 저게 더 좋지 않나”하면서 같이 고민하는 과정이 처음 있었던 것 같아요. 저랑 담예 형이 감성이 완전히 똑같다고 할 수는 없으니까 어떤 부분에서는 맞고, 어떤 부분은 안 맞고 그랬어요. 그런데 그게 되게 기분이 좋았던 거긴 해요. 한 명이 아니고 여럿이 머리를 맞대고 생각 하면, 무조건 새로운 경우의 수가 생기거든요. 그걸 이번에 보컬 작업하면서 많이 느꼈어요. 되게 좋았고, 긍정적으로 부딪힐 수 있었던 이유도 저희 모두 4 년 사이에 실력이 많이 늘어서라고 생각해요.

 

DAMYE: 실력도 늘고, 서로 사람으로 이해하는 부분도 쌓이니까 합을 맞추는 게 재미있었고. 어떤 트랙의 훅은 아예 머리를 맞대고 한 줄 한 줄 썼거든요. 그래서 Rhyme을 짤 때도 브레인스토밍하고, 자연스럽게 파트 분배도 명확하게 가져가고. 심지어 제가 쓴 라인을 쿤디가 부르기도 하고, 얘가 쓴 라인으로 제가 노래하기도 하고 그런 경우도 있었어요.

 

 

 

 

Q. 실제로 서로 바꿔 부른 트랙이 무엇이였어요?

 

DAMYE: ‘GUYDANCE’ 후렴 같은 경우도, 가사는 이미 각자 써놨지만 “Step One~, Step Two~”같은 요소를 넣어보면 어떨지 제가 제안했거든요. 또 후렴 마지막에서 “슬플 땐 일단 춤을 멋지게 출래~”로 제가 들어가는 부분 멜로디도 쿤디가 “뭔가 이런 식으로 하면 좋을 것 같은데~” 의견 내주기도 하고요.

 

Khundi Panda: ‘Buckshot’도 그랬던 것 같아요. “넌 굳이 피를 봐야겠어?”로 시작하는 라인도 제가 짰는데, 담예 형이 자연스럽게 후렴으로 만들어갔던 것 같아요. 제가 짠 라인을 제가 불러도 괜찮은데, 멜로디에 대한 부분에 있어서 보컬 스펙트럼이 넓은 편은 아니거든요. 제가 못 부르는 고음은 담예 형이 맡아주고, 오히려 가볍게 부르는 게 좀 더 어울리는 파트에서는 제가 맡고, 그런 식으로 나눴던 것 같습니다.

 

 

Q. 가사를 쓰고 합을 맞추는 과정이 궁금했는데, 아예 처음부터 같이 작업하는 트랙도 있군요. 그렇게 완성된 가사를 비트랑 같이 합친다고 보면 될까요?

 

Viann: 근데 그것도 이번에 앨범을 준비하면서 찾은 방법 같아요. 서로 모여서 머리 맞대고 작업하면 시간이 더 걸리는지 덜 걸리는지는 잘 모르겠지만, 결국엔 재미있는 게 나오는 것 같아요. 좀 창의적인 것들이.

 

DAMYE: 시간도 덜 걸리고, 뭔가 융화되는 맛도 생기고. 그리고 저는 특히 같이 쓴 가사를 되게 좋아해요. 쿤디가 원래 가사를 되게 잘 쓰잖아요. 거기에 제가 좋아하는 위트를 넣으면서 융화되는 재미가 생겨요. 제 것도 아니고, 얘 것도 아닌, 플랫샵만의 무언가 같아서 재미있었어요.

 

 

 

 

Q. 플랫샵만의 새로운 방식을 찾은 끝에 첫 정규 앨범이 나왔어요. 앞서 일부 트랙을 말씀주셨지만, 정규 1집 [toast recipe]에 대해 간단하게 설명 부탁드립니다.

 

Khundi Panda: [toast recipe]는 두 가지 의미로 해석을 하시면 되는데요. 하나는 토스트 만드는 방법, 그리고 다른 하나는 건배하는 방법으로요. 건배도 되고 가볍게 먹는 토스트도 되는데, 둘 중 뭐가 됐든 ‘토스트’가 주는 가볍고 기분 좋은 느낌을 강조하고 싶었어요.

 

그리고 토스트는 보통 아침에 가볍게 먹잖아요. 또 건배할 때의 토스트는 보통 밤에 가볍게 이뤄지고요. 어떤 상황에서든지 가볍게 느껴지길 원했어요. 앨범의 감성이나 내용들이 사람들이 쉽게 받아들이기 힘든 부분도 다루고 있는데, 그런 부분을 잘 짚으려면 분위기를 가볍게 만들어줘야 된다고 생각했어요.

 

 

Q. 그래서인지 기존에는 플랫샵 특유의 유쾌한 모습을 사랑이라는 관계로 표현했다면, 이번엔 좀 더 다양한 주제를 통해 드러낸다고 느껴졌어요. 이번 정규를 통해 보여주고 싶었던 모습이 있었을까요?

 

Khundi Panda: 모두가 느끼지만, 놓치기 쉬운 감정의 각도를 얘기하고 싶었던 것 같거든요. ‘GUYDANCE’가 대표적인 트랙인데, 사람들이 춤을 추고 싶어도 쉽게 출 수 없는 이유가 눈치를 보기 때문이잖아요. 가볍게 춤에 비유를 했지만, 눈치를 보느라 하고 싶은 걸 못하는 상황이 현대사회에서 자연스럽게 일어나는 일이잖아요. 그래서 시선을 좀 비틀어서 춤으로 대신 이야기를 표현했어요. 아마 다른 아티스트들도 비슷한 주제로 음악을 만들 수 있겠지만, 플랫샵만 쓸 수 있는 메타포나 재치로 표현하고자 했던 게 제일 컸어요. 가사적으로는.

 

 

 

 

Q. 사운드적인 측면으로도 보여주고 싶었거나 의도했던 지점이 있었는지 궁금합니다.

 

DAMYE: 음악적으로는 밀도 있는, 대중적이고 어려운 음악을 만들고 싶었던 것 같은데.

 

Viann: 정확히 그걸 목표로 삼았어요. 쿤디판다, Viann X HESSE 같은 음악을 즐기는 사람들도 있고, 또 저는 해외 뮤지션들의 실험적인 음악을 참 좋아하거든요. 근데 결국 운전하거나 지하철 탈 때 빨리 음악을 듣고 싶을때 그냥 익숙하고 편한 걸 먼저 듣게 되더라고요. 다이나믹 듀오의 음악이라던가. 그런데 다이나믹 듀오의 음악이 마냥 대중적이기만 한 건 또 아니잖아요. 그런 것처럼 누군가한테 편한 앨범이 됐으면 좋겠고, 또 다른 누군가에겐 정말 실험적이고 놀랍다는 두 가지 인상을 다 주고 싶었어요. 대신 모두 ‘듣기 어렵지 않아야 한다’가 제일 중요하다고 생각했어요.

 

DAMYE: 제 개인적인 생각으로는 요즘엔 아예 이지리스닝을 목표로 완전 편하게 만드는 음악이 많잖아요. 거기까지는 못 갔는데, 충분히 설득시킬 수 있는 음악으로 느껴졌어요.

 

Viann: 그러니까, 그 지점. “이 정도면 듣기 좋아” 라고 말했을 때 거짓말이 아닌 정도로 만드려고 했어요. 어떻게 보면 가장 어려울 수 있는데 여태껏 시도하다가 이번에 성공시킨 것 같아요. 멋있는 기술과 특이한 사운드이지만, 그걸 숨겨놔서 부담스럽지 않게 들을 수 있게 (만들었습니다.)

 

 

Q. 말씀하신 것처럼 개별 트랙의 사운드를 잘 살펴보면 각 트랙의 컨셉을 잘 살리는 효과음이나 세심한 사운드가 느껴지는 게 재미있는 포인트였거든요. ‘추적 1분’이라던지 ‘별풍선’에서도 그런 걸 좀 느꼈고.

 

Viann: 무언가가 연상이 되는 소리들을 좀 이용했던 것 같아요.

 

DAMYE: 형이 그런 이상한 유머를 곡에 녹여내는 능력이 대단한 사람이라. 그런 걸 또 우습지 않게 해요 항상.

 

 

 

 

Q. ‘CANDYLAND’도 듣자마자 환상의 세계로 들어가는 듯한 느낌이 들었거든요.

 

DAMYE: 비앙 형이 처음 만든 스케치를 들려줄 때도 와, 이거 진짜 이상하다라고 생각하면서 쿤디랑 같이 탑라인 짜고 그랬어요. 에버랜드 노래 가사도 좀 찾아보고. 처음에는 ‘Welcomd to candyland~”로 시작하는 부분을 제가 부르고, “Let the dreams comd true~”에 해당하는 부분을 쿤디가 불렀는데, 그것도 나름 골 때리더라고요. 그런데 비앙 형이 제대로 된 보컬이 있어야 한다고 단칼에 거절했어요. 그래서 주변 지인들 중에 Kate Kim이랑 Heeno라는 보컬 친구들이 불러줬는데, 너무 좋더라고요. 놀이동산 가는 느낌이 들면서도, 플랫샵 노래를 제대로 틀은 것 맞나라는 생각도 들고. 그런 효과도 있어서 재미있었어요.

 

Viann: 퍼레이드 음악을 들으면 진짜 동심으로 돌아가는 기분이 들거든요. 혹은 놀이공원에 간 것 같은 기분을 내려면 음악에 공주 역할과 돼지 역할이 있어야 되고. 그런데 이 두 파트를 우리 아티스트들이 하면 설득이 안될 것 같다는 생각도 들었던 것 같아요. 가이드라인은 가이드라인으로만 쓰고, 그 역할을 해줄 사람들이 해준 거죠.

 

 

Q. 13개 트랙으로 꽉꽉 채운 앨범인데, 멤버 각자가 애정하는 트랙은 어떤 것일지 궁금합니다.

 

Khundi Panda: 당연히 모든 곡을 좋아하지만 그래도 “FANTASY”랑 “OPTIMIST PRIME”. 모든 트랙에 아끼는 구간이 하나씩은 있어서 정하기 너무 어렵네요.

 

DAMYE: 저도 “OPTIMIST PRIME”이랑 “Buckshot”. 사실 다 좋아하는데 그 두 곡이 생각났어요.

 

Viann: 하나만 꼽자면 “FANTASY”를 제일 좋아하고. 원래 Interlude에 해당하는 짧은 트랙이였는데, 곡이 너무 좋아서 늘려야겠다 싶어서 늘린 거거든요. 그래도 짧아가지고. 계속 듣고 싶고. 욕심나고. 내가 더 많이 듣고 싶고, 남들보다. 그런 욕심이 생기는 노래 같아요.

 

DAMYE: “FANTASY”는 너무 좋아서 더 늘리고 싶었거든요. 근데 그러면 쿨하지 못하다는 생각이 들어서.

 

Viann: 구성도 쿨하고.

 

 

 

 

Q. 모든 분들이 좋아하는 트랙이라 “FANTASY”가 서브 타이틀 트랙이 되었던 건가요?

 

DAMYE: 그런 것도 있고. “GUYDANCE”가 워낙 신나다보니까 아예 반대되는 분위기의 곡을 고르고 싶었어요. “FANTASY”가 딱 감성적인 측면에서 저희가 가장 잘 만든 곡이고. 그래서 이 두 곡을 더블 타이틀 트랙으로 정해보면 어떻겠냐고 의견을 냈는데, 다들 비슷하게 생각한 것 같아요.

 

 

@warmherself

 

 

Q. 힙합 씬에서는 주로 크루나 콜라보 형식으로 함께하는 경우가 많지만, ‘밴드’ 형태로 무대에 오르는 건 드문 편이잖아요. 다른 힙합 아티스트나 밴드와 비교했을 때, 플랫샵만의 차이점은 무엇이라 느끼시나요?

 

Viann: 모든 게 차이가 있는 것 같아요. 일단 저희가 힙합이라고 말한다면 힙합 뮤지션들이 인디 밴드라고 생각할 가능성이 클 것 같고, 반면에 인디 밴드 분들이 저희를 보면 힙합 뮤지션으로 볼 것 같고. 힙합 뮤지션들이나 밴드 분들이랑 무대 구성도 조금씩 다른 것 같고. 그런 부분을 좀 더 자부심적인 측면으로 본다면, 플랫샵만의 어떤 포지션이 있긴 한 것 같아요. 밴드의 형태지만 힙합에서 볼 수 있는 블랙 뮤직스러운 에너지가 확실히 존재하는 것 같고.

 

DAMYE: 제 삶의 딜레마이자 정체성 같기도 한데, 저도 인디 음악하는 친구들이랑 있으면 저를 아예 래퍼로 생각하고, 반면에 래퍼 친구들이랑 있으면 보컬이라고 생각하거든요. 또 요즘은 덜 하지만 미국 애들이랑 같이 있으면 저를 한국인으로 보고, 한국 애들이랑 있으면 미국인으로 인식하고. 플랫샵도 딱 그 경계에 있어서, 그게 저희의 정체성이라서 좋으면서도 가끔은 어딘가에 끼고 싶다는 생각이 들어요. 막상 끼자고 뭔가 저희의 가진 재능과 욕심을 좀 내려놓자니 “아, 이런 부분은 좀 지켜야 하는데”가 있어서 그 정체성이 고유한 것 같아요.

 

Khundi Panda: 저도 비슷한데, 사실 래퍼로서 래퍼라는 포지션에서 음악을 잘하려면 여러가지 재능이 필요한 건 아니거든요. 그냥 비트에 랩만 잘하면 되잖아요. 근데 저는 욕심이 많아서 그런지, 래퍼가 하지 않아도 되는 부분까지 욕심이 있어서 할 줄 아는 것도 많은데, 힙합 신에서는 그런 능력이 별로 필요 없거든요. 그런데 이 능력치가 쓸모 없는 건 아니고, 어딘가에 써야 하는데 그게 딱 플랫샵에 맞는 게 아닐까 싶어요.

 

 

 

 

Q. 베이스를 연주하고 계신 누기님은 평소 양반들(Yangbans) 멤버 활동을 비롯해서 다양한 세션 활동을 진행 중이십니다. 플랫샵에서는 실물 악기를 거의 홀로 다루고 계신데, 베이스 연주자의 관점에서 플랫샵 만의 다른 점이 있다면 무엇일까요?

 

Noogi: 플랫샵에서 연주할때는 제가 베이스를 치고 있다는 생각이 안들어요. 분위기에 영향을 주는 무엇이든 될 수 있다는 인상으로 연주합니다. 그래서 더 실험적이고 더 창의적으로 제가 좋아하는 것에 더 집중해서 자유롭게 표현할 수 있게 되는 것 같습니다.

 

 

Q. 라이너노트에 적힌 것처럼 가장 실험적인 형태의 그룹인데요. 존재 그 자체만으로 임팩트 있고 흥미롭기도 한 반면, 오히려 그로 인한 고충은 없었는지도 궁금합니다.

 

Viann: 고충이 있을 것 같아요. 아직은 명확히는 못 느꼈고. 하나 느낀 게 있다면 포크라노스 유통을 하면서 음원 사이트에 장르 표기를 해야 하잖아요. 그런데 국내 음원 사이트에는 얼터너티브라는 카테고리가 없잖아요. 어쨌든 하나의 장르를 밀긴 밀어야 될 텐데, 누구한테 들려주면 팝에 가깝다고 하고 또 어떤 트랙은 당연히 힙합이라고 생각하고. 우리끼리 결정하고 밀고 나가는 부분이 약간 낯간지러웠던 것 같아요.

 

Khundi Panda: 플랫샵의 노래를 들을 때, 어떤 감흥이 가장 크게 오느냐가 메인 장르가 될 거 잖아요? 근데 다 다른 것 같아요. 그게 좀 애매하달까.

 

DAMYE: 그것도 맞는 말이고, 사실 창작자 입장에서는 노래를 만들 때 장르를 크게 생각하지는 않기도 하거든요. 지미 헨드릭스나 커트 코베인 같은 사람들도 어떤 장르를 염두에 두고 노래를 만들었을 것 같지는 않거든요. 그냥 좋아하는 걸 했을 거고, 그게 하나의 유행이 돼서 장르가 된 거라 생각해요. 저희도 그냥 좋아하는 걸 만든 것에 가깝다 보니까 구분을 할 때 어려운 감이 있어요.

 

Viann: 그래서 어제 음감회를 하기 전에 그런 생각을 했어요. 언더그라운드 케이팝이라는 이름이 어울리지 않을까? 정말 말이 안되게 안 어울리는 단어 두 갠데.

 

Khundi Panda: 약간 듣다보니 지하돌 같은데?

 

 

 

 

Q. 그리고 플랫샵은 자체 기획공연 <FRIENDSHOP>을 정기적으로 진행하고 있잖아요. 해당 공연도 소개해주시겠어요?

 

DAMYE: 비앙 형이 처음에 얘기했던 취지 중 하나가 클럽이나 큰 규모의 공연장에서 무대를 하면 밖에서 기다리는 팬분들이 있다는 거였어요. 비싸거나 아니면 성인이 아니라서 못 들어오는 이유로요. 그래서 그런 분들도 쉽게 올 수 있는 공연을 하고 싶었던 마음이 컸던 것 같아요.

 

Viann: 우선 다들 제 의견에 많이 동의해줘서 진행한 것들이 많은데. 우선 좋은 무대가 아니어도 되니까 가격을 엄청 싸게 하자 였어요. 사람들이 그냥 편하게 오고, 우리도 공연하기에 무리가 없는 데서 작은 페스티벌 느낌으로 하고 싶었어요. 도어도 친구들이 맡아주고, 공연 라인업은 베스트 프렌드 뮤지션들이 함께 하는 거라 페이도 인원수로 나눠서 가져가는 식으로 진행하고 있어요.

 

지속적으로 팬들을 만나기 위한 이벤트라 무조건 방학에만 진행하고 있어요. 7~8월에 한 번 했으면, 1~2월에 한번 하고. 지방에 있는 친구들도 보러 오고. 오랜 친구지만 자주 못 보는 OLNL 같은 친구들도 섭외해서 같이 공연하고. 기분 좋게 와서 기분 좋게 공연하고, 오랜만에 얼굴 보고 얘기하고 그런 과정이 너무 좋더라고요.

 

 

Q. 하루도 빠짐없이 꾸준히 올라오는 콘텐츠를 보는 맛이 있어요. 팬들과 소통할 수 있는 콘텐츠에도 상당히 신경쓰신다는 생각이 들었습니다. 실제로 각자가 친밀하지 않으면 자주 올리기 어려울 것 같아요.

 

Viann: 제가 올해 쯔음에 개인 계정에 숏폼으로 리믹스 콘텐츠를 매일 올렸어요. 해보니까 너무 쉽더라고요. 숏폼을 무시하지 말자. 아이디어를 모았다가 한번 만날 때 다같이 찍자. 그래서 쉽게 촬영하고 쉽게 편집해서 올리고 있어요.

 

Khundi Panda: 그렇죠. 음악 얘기랑 똑같은 건데, 콘텐츠를 찍을 때도 이 사람이 뭘 선호하고 선호하지 않는지를 많이 배우게 되거든요. 서로의 절충안을 찾아가는 과정이기도 하고 반응도 꽤 좋은 것 같아요. 제가 기존에는 진중한 이미지를 갖고 있기도 한데, 진중한 면이 분명히 있지만 병맛같은 모습도 분명 존재하거든요. 그걸 드러낼 수 있는 것 같아요.

 

 

 

 

Q. 발매 이후로도 꾸준히 올라오는 콘텐츠 덕분에 앞으로의 행보들이 더욱 기대돼요. 남은 26년도는 어떻게 계획 중이세요?

 

Viann: 이 앨범을 정말 천천히, 신중히, 오랫동안 홍보하면서 활동하고 싶어요. [toast recipe]라는 주제로 공연을 여러번 하고 싶기도 하고.

 

DAMYE: 계속해도 안들어본 사람은 있을 거니까.

 

Khundi Panda: 앨범에 활동 기간이라는 게 있잖아요. 팀마다 다르지만 아이돌 분들도 이번 앨범은 이번 음방에서 활동을 마무리할 예정이다라는 식으로 얘기하디고 하더라고요. 그 이후 회사에서 다음 앨범을 또 치밀하게 준비하고. 그런데 저희는 그렇게 빡빡하게 진행할 필요가 없잖아요. 그런데 요즘 전반적으로 어떤 문법처럼, 자본이 많이 들어간 아티스트나 케이팝 시장처럼 발매 활동을 하는 경향이 있는 것 같아요. 그래서 너무 소모되지 않는 선에서 오래 오래 유효하게 활동을 해나가면 좋지 않을까 싶어요.

 

Viann: 엄청 트렌디한 것도 아니고 그렇다고 엄청 올드한 것도 아니고, 플랫샵의 개성을 담은 작품이라 언제 들어도 괜찮을 것 같다는 자신감이 있어요. 그리고 아마 플랫샵 활동이 제 인생의 아티스트 활동에 있어서 마지막이 될 것 같거든요. 비앙 개인 앨범에 대한 욕심도 많이 없어졌고, 합작도 굳이 해야한다는 마음이 없어서. 그냥 프로듀서로 참여하거나, 플랫샵이 아니라면 제 이름으로 나올 건 없다는 생각도 들어요. 앞으로 플랫샵 노래 많이 만들고, 릴스를 많이 올리지 않을까…

 

 

 

 

Q. 앨범부터 밴드 정체성에 대해 이야기하다 보니까 어느덧 시간이 많이 흐른 것 같아요. 정말 마지막으로 각자가 생각하는 플랫샵은 어떤 존재인지 들어보면서 인터뷰 마무리하겠습니다.

 

Khundi Panda: 수상한 동네상점 같거든요. 뭘 파는지 잘 모르겠지만 그래서 궁금하고. 도대체 정체가 뭘까? 생각이 들고. 제가 속해있는 그룹인데도 저한테 플랫샵이 그렇게 느껴지거든요. 그래서 리스너들도 그렇게 느꼈으면 좋겠고. 플랫샵 차기작을 만든다고 하면 뭐가 나올지 잘 모르겠고. 뭐가 나오든 간에 되게 신기하고 재미있는 게 나올 것 같아요. 요술같은 느낌.

 

DAMYE: 밴드 소속감을 느끼게 해주는 것 같고. 저는 사실 스스로에 대한 의심이 많을 때가 많은데. 그런걸 거두어 주게 하는 사람들인 것 같아요. 갑자기 그런 생각까지 하게 되는데. 이런 사람들이랑 같이 음악을 한다니? 근데 나도 음악 잘하니까 같이 하는거야. 그런 느낌. 갈 수 있으면 항상 즐겁고.

 

Viann: 저는 제일 친한, 제일 재미있는 놀이 같이하는 친구들같다는 인상이 좀 있고. 외부적으로는 이상적인 뮤지션 그룹 팀이라는 생각이 좀 들어요. 내가 꿈꿔왔던 팀.

 

Noogi: 실험적인 연주에 제한을 느끼지 않게 해주는 든든한 동료들이라고 생각합니다. 제가 연주하는 걸 말이 되게 만들어주는 덕에 늘 자유롭게 뛰어놉니다. 사람으로도 있는 그대로 바라봐 주고 늘 감사한 사람들이에요.

 

 

 

 

Interview | 박현영

사진제공 | Flatshop

이국적인 그루브에 채도를 더해가는 여정, Marrakech EP [Colors] 발매 기념 인터뷰

Posted on by poclanos

 

이국적인 그루브에 채도를 더해가는 여정, Marrakech EP [Colors] 발매 기념 인터뷰

 

낯설지만 오묘하고, 차갑지만 세련된. Marrakech가 빚어낸 사운드는 인센스 향처럼 뭉근하고도 고혹적인 매력이 돋보인다. 그들의 음악은 하나의 장소이자 풍경이고, 동시에 또 다른 세계로의 여행과도 같다. 때로는 황량한 사막 한가운데로, 때로는 야자수 가득한 휴양지로 우리를 안내한다.

 

다른 길을 걸어오던 두 사람이 만나, 음악이라는 공통 언어로 연결되었다. 각자의 성격과 삶을 대하는 방식은 다를지언정, 추구하는 음악적 취향과 방향성은 마치 쌍둥이를 보는 듯 닮아 있다. 두 명의 멤버가 하나의 가닥으로 작품을 만들어 가는데 즐거움을 느끼는 이유는 바로 이 때문이 아닐까 싶다.

 

최근 발매된 [Colors]는 한층 더 성장한 Marrakech의 색감이 담긴 두 번째 EP이다. 2020년 처음으로 선보였던 EP [Shape]에서 그들의 모양을 그려 냈다면, 이번 앨범은 트랙마다 채색을 입히는 과정을 보여준다. Marrakech의 멤버 영욱과 성하를 만나 밴드 결성 에피소드부터 앨범 작업기까지 다채로운 이야기를 나눠보았다.

 

 

Q. 간단하게 ‘Marrakech’ 자기소개를 부탁드립니다.

 

저희는 밴드 Marrakech로 활동하고 있는 김영욱, 조성하입니다.

 

 

Q. 밴드 결성 계기가 궁금합니다. 두 분은 어떻게 만나 함께 활동하게 되셨나요?

 

성하 : 전공이 실용음악이라 대학교 입학 후, 학교생활을 하던 중 교양 수업에서 영욱이를 처음 만났어요. 과가 달라서 원래는 마주칠 기회가 거의 없었는데, 우연히 같은 수업에 배정되고, 심지어 옆자리이다 보니 자연스럽게 대화를 나누게 됐죠. 취향도 성향도 잘 맞는다고 느껴져 팀 결성을 제안했는데 흔쾌히 동의했고, 그렇게 Marrakech가 되었습니다.

 

영욱 : 그 수업이 ‘법과 지식 재산권’이었는데, 옆자리다 보니 서로 필기한 내용을 보여주거나 쉬는 시간에 이야기를 나누면서 금세 가까워졌던 기억이 나요.

 

 

Q. 밴드명 또한 독특한데 모로코의 도시 지명이 아닌 향수 이름에서 영감을 받았다는 글을 보았어요. 어떤 특징이 느껴지는 향인가요?

 

성하 : 약간 중성적인데 우디한 느낌이 강하고 독특해요. 성년의 날 선물로 받았는데 처음엔 저에게도 익숙하지 않은 향이라 한동안 사용하지 않았어요. 그러다 가지고 있으니 써보기 시작하면서, 그 이후론 꾸준히 이 향수만 썼어요.

 

영욱 : 살짝 스파이시한 느낌도 들고, 겨울에 어울리는 향이에요. 직접 가보진 않았지만 현지의 분위기가 물씬 느껴지는 이국적인 향입니다. 지금은 많아졌는데 당시에는 이런 향이 흔치 않았거든요. 특유의 독특함이 매력적으로 느껴졌고, 어감도 좋아 팀명으로 정하게 되었어요.

 

 

Q. 음악을 들어보면 굉장히 이국적인데, 이런 그루브와 사운드는 어디에서 영감을 받아 탄생하게 되는 것인가요?

 

영욱 : 억지로 이국적인 무드를 풍기기 위해 애쓰진 않아요. 성하와 제가 처음 만났을 때, 통한다고 느꼈던 지점이 바로 음악 취향이 일치하는 부분이었거든요. 둘 다 외국 음악을 많이 듣고, 동경했던 것 같아요. 그렇기 때문에 사운드가 이국적으로 느껴지는 게 아닐까 싶습니다.

 

 

Q. 동기 부여를 위해 자주 듣는 장르나 아티스트의 앨범이 있나요? 평소에는 어떤 곡을 즐겨 듣는 편이신가요?

 

성하 : 공통적으로 프랑스 음악을 자주 듣습니다. 장르 또한 다양하게 듣는 편이에요. 샹송, 디스코, 하우스 등등 구분하지 않고 들으려고 노력해요. 최대한 편식하지 않으려고 합니다.

 

영욱 : 아티스트를 꼽자면 Daft Punk를 가장 많이 이야기하게 돼요. Daft Punk는 팀 결성 초창기 때부터 저희끼리도 자주 언급했어요. 그리고 The Blaze라는 밴드의 음악에서도 영향을 많이 받았습니다.

 

 

Q. 데뷔 이후, 약 5년 정도는 소속사 없이 인디펜던트로 활동하셨다고 들었어요. 그러다 매직스트로베리사운드와 함께하게 된 계기가 무엇이었나요?

 

영욱 : 활동을 이어가면서 ‘함께할 조력자가 필요하다’는 생각을 갖게 되었어요. 때마침 매직스트로베리사운드에서 먼저 연락을 주셨고, 여러 차례 미팅을 거치면서 서로 맞닿아 있는 부분이 있다고 느껴 들어오게 되었죠.

 

 

Q. 인디펜던트로 활동할 때와 소속사에 합류한 이후, 차이가 있었을까요?

 

영욱 : 예전엔 모든 걸 직접 했지만 지금은 회사에서 저희가 작업에 집중할 수 있도록 도와주고 계셔서 늘 감사하게 생각하고 있습니다.

 

성하 : 저희가 미처 챙기지 못한 부분을 먼저 살펴주시고, 신경 써 주신다는 점이 확실히 체감됩니다.

 

 

Q. 본격적으로 새로운 앨범에 관한 이야기를 해볼게요. 9월 16일, EP [Colors]가 발매되었어요. 간략한 소개를 부탁드려도 될까요?

 

성하 : 첫 EP [Shape]에서 음악적 모양을 그려냈다면 이번 [Colors]에선 그 안에 담긴 색을 표현해 보고 싶었어요. 저희가 추구하는 목표 중 하나가 바로 리스너들이 음악을 듣고 스스로 상상하게끔 여지를 남겨두는 거예요. 예를 들면, 모양, 질감, 색깔. 이런 추상적인 것들을 어떻게 그려낼지 전적으로 맡기고 싶어요. 어떻게 보면 모순적일 수 있는데 앨범명을 [Colors]라고 정했지만 사실은 색깔이 정해지지 않은 거죠. 저희가 마음대로 뿌려놓은 사운드에서 듣는 사람들이 직접 색감을 입혀봤으면 좋겠어요. 그래서 앨범명을 [Colors]라고 정하게 되었어요.

 

 

Q. 그러면 작업을 마친 이후, 제목을 짓는 편이신가요?

 

영욱 : 네, 저희는 그런 편이에요. [Shape] 작업할 당시, 수록되지 못한 곡들은 나중에 어떤 식으로 풀어볼지 이야기가 나왔거든요. 추상적인 개념들이 더해져 윤곽이 잡히면 이걸 아우를 수 있는 제목으로 나타나는 편이에요.

 

 

Q. 첫 EP [Shape]을 작업할 때와 이번 [Colors]를 준비하면서 달라진 점이 있나요?

 

영욱 : 이전에는 모두 싱글 단위로 발매했기 때문에 [Shape]이 첫 번째 ‘앨범’이었어요. [Shape]을 발매한 이후, 다양한 공연과 작업을 하면서 쌓은 데이터를 [Colors]에 녹이려고 노력했어요.

 

성하 : 성숙함이 더 들어간 것 같아요. 저희가 느끼기엔 기존보다 한층 더 원숙해진 모습이 담겨 있다고 생각해요.

 

 

Q. 이번 앨범을 작업하면서 가장 중점적으로 고려하셨던 부분은 무엇일까요?

 

영욱 : 다채로움? 5개의 트랙을 통해 Marrakech라는 정체성은 보여주되, 비슷하게 들리지 않도록 하는데 초점을 맞췄어요. 루즈하게 들리지 않길 바라는 마음에서 다양성에 초점을 두고 작업했습니다.

 

성하 : 맞아요. 각 트랙이 비슷한 톤으로 들리지 않도록 최대한 다채롭게 담으려 노력했습니다.

 

 

Q. 작곡/작사 또한 공동 작업하고 계신 것으로 알고 있는데, 어떤 과정을 거쳐 진행되는 편인가요?

 

성하 : 대부분 즉흥적으로 이뤄지는데 그럼에도 불구하고 가장 정확하고, 명확한 키워드는 진심으로 ‘좋다’고 느껴야 한다는 점이에요. 저희가 작업하면서 즐거워하고, 결과물이 맘에 들어야 한다. 이 점이 가장 중요한 포인트에요. 그래서 괜찮은 것 같다든지 어느 정도 호의가 들어 있다면 그건 거짓말이라고 생각해요. 서로 솔직하게 의견을 말하고, 그런 부분에 있어서 상처받지 않아요. 한 마디를 만들더라도 진심을 다해 좋다고 느껴지면 거기서부터 즉흥 연주가 시작되고 끝까지 마무리하게 되더라고요.

 

영욱 : 그동안 작업하면서 느낀 것은 애매하게 좋은 건, 결국 오래 못 가더라고요. 반대로 즉각적으로 ‘어? 좋은데!’ 싶은 건 묻어 놓고, 나중에 들어봐도 좋더라고요. 작업할 땐, 확실한 게 무조건 맞다고 봅니다.

 

 

Q. 그 과정 속에서 다양한 의견을 하나의 갈래로 조율해 나아가는 두 분만의 방법이 있는지도 여쭤보고 싶어요.

 

영욱 : 사실 크게 조율할 일이 많지 않아요. 간극이 크지 않거든요. 서로의 말에 경청하고, 서로가 어떤 이야기를 하고 싶은지 이해도가 높아서 길게 설명하지 않아도 잘 통합니다. 해를 거듭할수록 손발이 더 잘 맞다고 느껴져요.

 

성하 : 처음에는 설명할 시간이 좀 필요했지만 지금은 싱크가 맞아요. 여담으로 하나, 둘, 셋하고 동시에 말하기 게임을 한다고 가정하면 음악적인 부분에서 봤을 땐, 동시에 같은 대답을 할 수 있을 거예요. 각자의 성격과 삶을 살아가는 방식이 다를 순 있어도 음악에 있어선 늘 같은 곳을 바라보고 있어요.

 

 

Q. 함께 활동을 이어오며 ‘우리는 이런 밴드다’라고 정의할 수 있는 순간이나 전환점이 있었을까요?

 

영욱 : [Saint]를 만들었을 때예요. ‘우리는 이런 밴드다’라고 거창하게 말하긴 그렇지만 ‘이게 우리다, 이게 우리가 해야 하는 음악적 방향성이다’라는 확신이 들었고, 길이 보였어요.

 

 

Q. 공연을 준비함에 있어선 어떤 점을 가장 중요하게 생각하실까요?

 

성하 : 편곡에 공을 들입니다. 실제 음원처럼 구현하는 것도 물론 중요하지만 그건 기본 베이스에요. 아예 발매한 원곡과 다르게 연주하는 것도 실상 보러 오신 분들의 만족도가 크지 않을 수 있어요. 때문에 원초적인 건 살리되 현장감을 중요시하여 편곡에 신경을 가장 많이 쓰고 있어요.

저도 영욱이도 경험이 많지 않아서 실험 중인 단계에요. 아직은 시행착오를 거치고 있어 셋리스트를 구성하는 데 있어선 민감하지 않습니다. 오히려 둘 다 열려있어요. 저한테 전적으로 맡긴다고 하지만 그래도 영욱이 컨펌은 꼭 받아요.

 

 

Q. 음악적 측면에서 Marrakech의 최종 종착지는 어떤 모습일까요?

 

영욱 : 이 질문에 대한 저희의 정형화된 답이 있어요. 저희는 항상 처음 시작할 때부터 넘버원보다 온리원으로 누군가에게 기억됐으면 좋겠다는 얘기를 항상 했거든요. ‘이런 류의 음악을 하는 팀이 국내에선 Marrakech 밖에 없는 것 같다’, 내지는 ‘이게 Marrakech 스타일이다’ 이런 이야기를 듣는 팀이 되었으면 좋겠어요.

 

성하 : 장르로 국한되기보다는 Marrakech라는 스타일로 기억되고 싶어요. 원래는 평생 사람들 기억에 남을만한 음악을 하자고 이야기했는데 그래도 빌보드 1위… 한 번 해보고 싶네요.

 

 

Q. 이후 발매 계획이나 예정된 공연을 말씀 주실 수 있나요? 남은 2025년 플랜이 있을까요?

 

영욱 : 9월 20일 <MEETING ROOM> 공연 이후로도 더 예정돼 있습니다. 기회가 된다면 올해 가기 전에 단독 공연을 꼭 하고 싶습니다.

 

 

Q. 마지막으로 인터뷰를 보고 계실, Marrakech의 팬분들에게 한 말씀해 주세요.

 

영욱 : 앨범이 너무 늦게 나와서 죄송하고, 기다려주셔서 감사합니다. 이번에 열심히 5곡 준비했으니까 맘에 드셨으면 좋겠어요. 공연에도 많이 찾아오시고, 새로 나온 앨범도 많이 들어주세요.

 

성하 : 저도 마찬가지로 기다려주셔서 감사드리고, 이번에 나온 앨범 편하게 들어주셨으면 좋겠습니다. 앞으로 저희가 선보일 활동에도 많은 관심 가져주세요. 더 좋은 모습 많이 보여드리겠습니다.

 

 

 

 

Interview | 구은영

사진제공 | MAGIC STRAWBERRY SOUND

물 흐르듯 이어지는 자연스러움, 박첨지 첫 EP [무수무수] 발매 기념 인터뷰

Posted on by poclanos

 

물 흐르듯 이어지는 자연스러움, 박첨지 첫 EP [무수무수] 발매 기념 인터뷰

 

예부터 물아일체(物我一體), 유유자적(悠悠自適)이라는 말이 있듯, 세상과 일정한 거리를 두고 자연과 더불어 살아가는 자세는 오랜 시간 이상적인 삶의 형태로 여겨져 왔다. 이러한 태도는 오늘날에도 유효하다. 빠르게 흘러가는 일상 속에서 잠시 짬을 내어 자연을 찾고, 스스로를 돌보며 여유를 만끽하려는 움직임은 어찌 보면 지극히 자연스러운 일이다.

 

박첨지는 자연과 함께한 일상과 풍경을 음악으로 풀어내며 그 고요하고 꾸밈없는 흐름을 EP [무수무수]에 담았다. 산책하듯 연주하고, 해질녘 풍경처럼 이어지는 사운드는 유려하게 흘러간다. 악기의 흐름에 몸을 맡기면 나도 모르게 무수골을 거닐고 있다는 착각이 들 만큼 청각의 시각화가 또렷하게 느껴진다.

 

밴드 ‘오마르와 동방전력’과 ‘멋진인생’에서의 활동을 병행하는 것은 물론 최근 발매된 사뮈, 이설아 앨범에서 기타 연주로도 참여했다. 박첨지 개인으로도 꾸준히 싱글을 발매하며 입지를 넓혀가고 있다. 그런 이유로 첫 미니앨범 발매가 더욱 의미 있게 다가온다. 이처럼 자신만의 방식으로 푸르른 여름을 살아가고 있는 기타리스트 박첨지를 만나 전래동화 같은 앨범 [무수무수]의 작업기에 대한 이야기를 나눴다.

 

 

Q. 간단하게 ‘박첨지’의 자기소개를 부탁드립니다.

 

안녕하세요, 박첨지로 활동 중인 박상권입니다. 기타를 연주하면서 곡을 쓰고, 여러 밴드에서 연주를 하고 있습니다. 밴드 ‘멋진 인생’ 그리고 ‘오마르와 동방전력’에서 활약하고 있습니다.

 

 

Q. 이름을 박첨지라고 지은 이유가 있을까요?

 

별명이었어요. ‘김반장과 윈디시티’에서 활동할 때, 멤버들이 시대에 구애받지 않는 비주얼을 가지고 있다고 해서 첨지라는 별명으로 불리다가 그게 익숙해지고 저도 좋아하던 별명이라 활동명도 첨지로 정했어요.

 

 

Q. 기타를 어떻게 처음 접하게 됐는지 히스토리가 궁금합니다.

 

어렸을 때, 유치원이었나 초등학교에 다닐 때쯤이었던 것 같은데 집에 아버지가 쓰시던 통기타가 있었어요. 기타가 있으니 자연스레 장난감처럼 갖고 놀았던 기억이 있어요. 그렇게 평범하게 지내다가 중학생 때, 밴드부 선배들 공연을 보는데 반짝이는 파란색 일렉기타가 눈에 들어오더라고요. 그때 ‘아, 나도 저걸 사야겠다’라고 결심했어요. 열심히 검색해서 사고 싶은 기타를 찾아보았고, 당시 모아둔 용돈을 털어서 무작정 일렉기타를 구매했어요. 그리고 부모님께 졸라서 학원을 다니게 되면서 기타를 처음 배우게 되었고, 대학교에 입학하고, 지금까지 연주를 하게 되었어요.

 

 

Q. 얼마 전, 6월 4일 EP 앨범이 발매되었어요. 첫 EP 발매를 축하드립니다. 싱글을 준비할 때와 차이점이 있었을까요?

 

곡을 만드는 과정에서 차이는 크게 없었어요. 하지만 수록되는 트랙 수의 차이가 있다 보니 EP 앨범을 제작하면서는 곡들 간의 호흡을 이어가고, 이야기를 만들고 싶었어요. 낮과 밤, 하루의 흐름을 담고 싶었고, 노래에 담긴 몸짓을 어떻게 표현할 것인지에 대해 신경을 많이 썼는데 이런 부분에서 싱글 작업할 때와 차이점을 느꼈던 것 같아요.

 

 

 

 

Q. 본격적으로 이번 EP [무수무수]에 대한 이야기를 나눠보겠습니다. [무수무수]에 대해 간략하게 소개 부탁드립니다.

 

제가 지내고 있는 무수골에 살면서 느꼈던 기분과 기운을 바탕으로 만든 앨범입니다. 무수골은 산과 계곡이 가까운 곳인데요, 그래서 그런지 머리가 막힐 때, 잠깐 산책만 나가도 놀러 온 기분이 들어요. 저한테는 여름방학 같은 장소인데, 그런 기분이 느껴지게끔 앨범을 만들어 보았습니다.

 

 

Q. 앨범명이 매우 독특합니다. [무수무수] 어떤 뜻인지 설명해 주실 수 있나요?

 

무수골 지명에서 따왔어요. 없을 무(無)에 근심 수(愁). 발음적으로 귀여워서 두 번 반복했는데 프랑스어 같기도 하고, 나른하게 들려서 [무수무수]라고 지었어요.

 

 

 

 

Q. 동네에 대한 애정이 남다르신 것 같아요. 도봉구가 고향인가요? 아니면 도봉구에 특별히 애정이 생긴 계기가 있었나요?

 

고향이 도봉구 방학동이에요. 무수골 옆 동네인데 거기서 나고 자랐어요. 부모님도 계속 방학동에 머물다가 지금은 의정부에 거주하고 계세요. 도봉구 토박이입니다. 예전에는 광흥창 근처에 살았는데 이사 갈 시점이 됐을 때, 여기저기 둘러보다가 짝꿍도 저도 마음에 들어 해서 여기 정착하게 되었어요. 무수골은 어릴 때부터 자주 가서 수영하며 뛰어놀던 곳이에요. 어쩌다 보니 우연히 이곳으로 다시 돌아오게 됐네요.

 

 

Q. 본인도 모르는 마음 한 켠에는 계속 고향으로 돌아가고 싶다는 마음이 자리 잡고 있었던 것 아닐까요?

 

그런 것 같아요. 유년기에 좋았던 기억이 남아 있었나 봐요.

 

 

Q. 사실 어릴 때, 살던 곳이라고 해도 이전과는 많은 것들이 달라졌을 텐데 무수골은 그 시절 모습을 간직하고 있었나봐요.

 

조금씩 바뀐 부분도 있지만 길이나 하천 같은 것들은 그대로 남아 있으니까요.

 

 

Q. 이웃 분들은 어떤 편이에요?

 

저희 동네는 어르신분들이 많은 편인데 최근에 텃밭에서 직접 가꾼 상추도 받고, 명절 때는 곶감을 먹어보라고 주기도 하세요. 다들 정이 많으십니다.

 

 

 

 

Q. 연주곡이어서 그런지 곡을 들으면 자연스레 음악에 걸맞는 풍경과 이미지가 연상됩니다. 어떤 측면을 중점적으로 고려하며 사운드 메이킹을 했는지 궁금합니다.

 

곡을 만들 때, 직접 경험했던 풍경이나 느낌을 기억해 뒀다가 녹여내는 경우가 굉장히 많아요. 여행이나 산책을 다녀와서 영감을 받았던 것들을 바탕으로 집에서 홀로 연주를 해보는데 그때 제 기억과 마음에 드는 멜로디가 딱 겹쳐지는 구간이 있어요. 거기서부터 살을 붙여 나가는 방식으로 작업하는 것을 좋아합니다. 친구들과 함께 합주를 할 때에도 ‘나는 이 구간에서 새가 날아가는 상상을 하고 있어’, ‘이런 느낌으로 연주를 해보자’ 이렇게 소통하는 편이에요.

 

 

Q. 합주할 때, 친구분들이 첨지님의 설명을 듣고 바로 캐치해서 원활하게 진행되는 편인가 봐요.

 

맞아요. 그리고 각자가 해석하고 상상하는 느낌이 다를 수 있으니 오히려 그런 부분이 녹여들면 더 매력적이고 재미있게 느껴지는 것 같아요.

 

 

Q. 주로 어디에서 영감을 얻는 편이신가요? 음악 작업에 모티브가 되는 것들이 무엇인가요?

 

앞서 말씀드렸던 여행, 산책에서도 영감을 자주 받고요, 움직이는 걸 좋아하는 편이에요. 그래서 목적지 없이 무작정 걷는 것도 좋아하는데 그때 우연히 본 풍경이나 장면을 보고 발걸음이 멈춰지는 순간들이 있거든요. 그런 것들이 모티브가 되는 것 같아요. 자연스레 ‘지금 이런 음악이 깔리면 좋겠다’, ‘여기에 어울리는 음악을 연주하고 싶다’라는 생각이 들더라고요.

 

 

 

 

 

Q. 첨지님의 인스타그램 피드를 보면 자연과 어우러진 사진들이 많은데 자연이 첨지님한테 어떤 영향을 끼치나요?

 

저한테는 환기인 것 같아요. 평소에 ‘자연스럽다’라는 말을 자주 쓰잖아요. 자연스럽다는 말의 어원처럼 계절의 변화나 잎사귀들이 만드는 아트웍. 이런 것들이 참 멋있어요. 말 그대로 자연스러워서, 인위적으로 만들 수 없는 영역이기에 거기서 오는 영감이 확실하게 있다고 생각해요.

 

 

 

 

Q. 평소에는 어떤 장르의 음악을 좋아하시나요?

 

다양한 장르의 곡들을 좋아하는 편입니다만, 주로 연주곡을 들으면서 흥얼거리다가 자연스럽게 작업으로 이어지게 될 때도 있어요. 아무래도 기타리스트이다 보니 신중현 선생님이나 Khruangbin도 좋아하고, 예전에는 Grant Green도 즐겨 들었어요. 기타 곡이 아닌 피아니스트나 오르가니스트의 곡도 즐겨 듣는 편이고요. 레게 오르가니스트 중에 Jackie Mittoo 음악을 많이 들었고, 아프로비트나 브라질 음악도 굉장히 좋아해서 Fela Kuti, João Donato 등의 노래도 즐겨 들었습니다. 천진난만함이 돋보이고 몸을 움직이게 만드는 곡들을 좋아합니다.

 

 

Q. 앨범 소개 글을 보면 트랙마다 짤막한 코멘트가 돋보입니다. 곡마다 간단하게 설명 가능할까요?

 

1번 트랙 ‘무수무수’는 아침 산책 같은 곡으로 만들어 보았어요. 소개 글에도 나와 있듯이 기분 좋은 하루의 시작을 알리는 곡이에요. 가끔 그런 날 있잖아요. 외출하는데 날씨가 정말 좋고, 최고의 하루가 될 것 같은 예감이 드는 날. 그런 날 산책하는 기분을 표현해 봤어요. 비트에도 사람이 걷는 무드가 담겨 있고, 멜로디가 얹어질 때, 걸음과 함께 흥얼거리는 느낌을 나타내고 싶었어요.

 

2번 트랙 ‘버드왓칭’ 같은 경우에도 산책을 하다가 이어지는 느낌으로 만들고 싶었어요. 제가 사는 동네에 새가 되게 많거든요. 오리도 있고, 산비둘기, 직박구리, 왜가리 등등… 이 친구들이 각자 다른 목소리를 가지고 있고, 몸집도 다르더라고요. 그리고 어떤 친구들은 둘씩 짝지어 있는가 하면, 멋지게 혼자 앉아 있는 친구도 있고, 떼로 몰려다니는 친구도 있고… 그런 새들의 움직임을 표현해 보고자 곡 중반부 기타 솔로에선 즉흥으로 연주했어요. 중간에 딜레이 페달을 활용해서 새가 떼로 날아가는 모습도 그려보았고요. 후반부에선 분위기가 바뀌는데 다음 트랙인 ‘빠이 썬 하이 문’으로 넘어가는 느낌을 주고 싶었어요. 실제로 백로 한 마리가 홀로 석양 속으로 날아가는 모습을 보고 이 장면을 곡에 담고 싶었어요.

 

3번 트랙 ‘빠이 썬 하이 문’은 말 그대로 해가 지고 달이 뜨는 시간대를 표현하고 싶었어요. 빠이 썬 파트, 하이 문 파트가 구분되어 있는데, 빠이 썬 파트는 장단처럼 만들고 싶었어요. 해가 질 무렵이 저한테는 유연하고 매끄러운 시간대라고 느껴졌거든요. 빛도 실시간으로 바뀌면서 연결되잖아요. 끊기는 느낌보다는 연결성을 주고 싶었어요. 산 속으로 해가 들어가는 모습을 신디사이저 사운드가 계속 반복되는 것으로 나타내 보았어요. 하이 문 파트에서는 해가 지고 달이 뜨는 그 시점에 분위기가 확 전환되는 이미지를 떠올렸어요. 새로운 에너지가 깨어나는 시점에 해가 들어가고 달빛이 뻗어 나가면서 다 같이 잔치에서 춤을 추는 모습이 생각났거든요. 베이스나 드럼 같은 묵직한 사운드가 판을 깔아주고, 춤을 추는 장면은 기타와 퍼커션으로, 마지막엔 신디사이저 사운드가 빛을 뿌려주는 역할을 하게끔 표현했어요.

 

4번 트랙 ‘무수무수 (Dub mixed by Jun Bak)’는 시점이 집으로 돌아가는 때에요. 레게 덥 장르의 곡인데 신나게 놀다가 집 가는 길인데 분명 왔던 길이 갑자기 낯설고 새롭게 느껴지는 걸 나타내고 싶었어요.

 

 

 

 

 

Q. 트랙 구성을 보면 1번에 ‘무수무수’가 있고, 4번 트랙에 ‘무수무수 리믹스 버전’이 또 한 번 들어가 있는데 이렇게 삽입한 의도가 있을까요?

 

앨범 소개 글처럼 왔던 길이지만 전혀 낯설고 새롭게 느껴지는 기분을 앨범에도 녹여내고 싶었어요. 제가 레게 덥 장르를 굉장히 좋아하는데 아티스트로 말하면 King Tubby, Lee Perry, Mad Professor 같은 곡이거든요. 전부터 ‘내가 언젠가는 덥믹스(Dub mix)를 하리라’ 생각하고 있었는데 우연히 공연하면서 반야 사운즈 크루의 엔지니어 ‘박준’이라는 친구를 알게 되었어요. 이 친구도 레게 덥 장르를 굉장히 좋아하고 실제로도 그쪽에서 활동하고 있어서 부탁을 했습니다. 아주 흔쾌히 수락을 해줘서 촉촉하고 멋진 트랙이 완성되었어요.

 

 

Q. 유일하게 3번 트랙 ‘빠이 썬 하이 문’만 가사가 있어요. 특별한 이유가 있을까요?

 

사실 가사를 붙일 생각은 없었어요. 원래는 건반의 멜로디였거든요. 합주하면서 즉흥으로 “빠이 썬~ 하이 문~” 이런 느낌이라고 설명했는데 연주자 친구들이 이대로 가자는 의견을 냈어요. 저는 바로 수용했고, 녹음할 때 아예 다 같이 떼창을 하자는 제안도 이어졌어요. 하지만 녹음 때 여러 명이 함께 불러보니 묘하게 안 맞는 느낌이 있어서 결국 저 혼자 부르게 되었습니다…

 

 

 

Q. 이번 앨범을 들을 때, 특별히 집중할 만한 포인트가 있다면 소개해 주세요.

 

이 앨범은 메트로놈 없이 원테이크로 녹음했어요. 합주 때, 연습한 대로 서로의 호흡을 듣고, 최대한 몸짓에 신경 쓰면서 작업을 했습니다. 테이크 3번을 안 넘기고 마무리가 되었는데 연주자들 간의 손발이 잘 맞았기 때문에 가능했던 것 같아요. 사운드 엔지니어링, 라이브 믹싱을 잘해주셨고 각 악기들의 그루브, 움직임이 느껴지게 녹음해 주셔서 이런 부분에 초점을 두고 감상해 주셨으면 좋겠습니다.

 

 

Q. 이전에 발매한 싱글 앨범들은 대체로 실사를 활용한 아트웍이였는데 이번엔 한국 민화 같은 그림체의 일러스트 자켓이에요. 앨범 커버에 관한 비하인드 스토리나 설명해 주실만한 요소가 있을까요?

 

곡 느낌이 시간대별로 다르다고 생각했어서 이걸 앨범 커버로도 담고 싶었어요. 채널 1969에서 만난 ‘깜쯔’라는 친구가 있어요. 직접 색종이를 잘라 붙이는 작업으로 아트웍을 만드는 디자이너인데 여름방학 느낌도 나고 음악에도 잘 묻을 것 같아서 부탁을 했습니다. 데모, 곡 설명, 사진 등을 보내주고 전적으로 맡겼는데 워낙 감각이 좋은 친구라 만족스럽게 작업해 주었습니다.

 

 

 

 

Q. 밴드 ‘오마르와 동방전력’, ‘멋진인생’에서도 활약하고 계시는데 밴드로 활동할 때와 박첨지 개인으로 활동할 때, 각각 이점이 다를 것 같아요.

 

밴드로 활동할 때는 함께 곡을 쓰고, 합주를 하고, 의견을 나누고, 이런 과정에서 쌓이는 시간과 에너지가 있잖아요. 그렇게 신뢰와 관계도 끈끈해지다가 라이브를 할 때 폭발하는 느낌이 들거든요. 저한텐 그게 샤워하는 느낌이랑 비슷해요. 그렇지만 아무래도 그만큼 할애해야 하는 것들도 있죠. 반면에 개인적으로 작업할 때는 (아직 활동한 기간이 길진 않지만) 시간적 제약이 덜하다는 장점이 있어요. 생각나는 대로 녹음해 보고, 작업해 보고, 자유롭게 할 수 있다는 장점이 있죠. 그러다가 합주를 할 때, 새로운 느낌이 들기도 하고요. 거기서 오는 신선함과 자유로움이 있어요.

 

 

 

 

 

Q. 이번에 ‘오마르와 동방전력’은 <인천 펜타포트 락페스티벌> 2일차 라인업에, ‘멋진인생’은 펜타 슈퍼루키 본선에 진출하게 되었어요. 올해 펜타포트와의 인연이 깊어 보이는데 준비는 잘 되어가시나요?

 

‘멋진인생’은 아쉽게도 본선에서 떨어졌지만 이후에 잡혀 있는 공연 일정이 많으니까 자주 뵐 수 있을 것 같아요. ‘오마르와 동방전력’은 무대를 위해 열심히 준비하며 웜업하고 있습니다. 몸을 가만히 둘 수 없도록 흥겨운 공연이 될 예정이니 기대 많이 해주세요. 그리고 공교롭게도 ‘strangefruit’이라는 공연장에서 20주년을 맞이해 ‘멋진인생’, ‘오마르와 동방전력’ 2팀 모두 출연하니까요, 후회 없이 신나는 공연이 될 테니 놀러 오세요.

 

 

Q. 앞으로의 행보가 매우 기대됩니다. 이후 계획이 어떻게 될까요?

 

라이브를 해볼까 합니다! 연주자들을 불러서 녹음을 했으니 공연장에 맞는 편곡을 가지고 공연을 해보고 싶어요. 곡도 더 많이 만들어서 정규 발매 작전도 세우고 싶네요. 최근에 강릉 단오제에 다녀왔거든요. 단오제에 가서 굿도 보고 거기서 얻은 에너지를 바탕으로 작업도 해보고 싶어요. 그뿐만 아니라 여러 곳을 다니며 재료를 많이 얻고 싶습니다.

 

 

Q. 마지막으로 인터뷰를 보고 계실 분들에게 하고 싶은 이야기를 들어보며 마무리해 보겠습니다.

 

포크라노스 독자 여러분 안녕하세요. 처음 뵙겠습니다. 박첨지(박상권)이라고 합니다. 좋은 채널에서 인터뷰할 수 있어 영광이고 감사하게 생각합니다. 이번 EP [무수무수] 재밌게 만들어 보았습니다. 무더운 여름 편안하게 쉬면서 들어주시길 바랍니다. 우리는 언젠가 만납니다. 그때까지 무수하시고 건강하세요.

 

 

 

 

Interview | 구은영

사진제공 | 박첨지

정교하고 세련된 사운드에 담긴 친근한 여유, 프로듀서 합작 그룹 ryojinnjane 인터뷰

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정교하고 세련된 사운드에 담긴 친근한 여유, ryojinnjane 인터뷰

 

오랜 친분을 이어오던 두 사람이 어느 날 함께 음악을 듣다가 자연스럽게 팀을 결성하게 됐다는 이야기는, 누구나 한 번쯤 경험해봤을 법한 느슨하고도 소박한 시작처럼 들린다. 하지만 아이유, NCT, (여자)아이들, BOYNEXTDOOR 등 굴지의 K-POP 아티스트들과의 협업으로 굳건한 입지를 다진 두 프로듀서의 합작 그룹이라는 또다른 이야기는, ryojinnjane이라는 이름에 특별한 무게와 강렬한 아우라를 더할 지 모르겠다.

 

음악 역시 그 기대를 저버리지 않는다. 화려한 이력과 엄청난 작업량 속에서도 ryojinnjane은 결성 1년이 채 되지 않아 벌써 세 개의 작업물을 세상에 내놓았다. 놀라운 속도와 정교한 사운드 메이킹, 그리고 세련된 감각이 인상적인 ryojinnjane이지만, 막상 실제로 만나본 두 사람은 예상과 달리 꾸밈없고 소탈하며, 어딘가 낭만적인 기질까지도 품고 있는 듯하다.

 

ryojinnjane이 처음 만났던 순간부터 세 번째 EP [Sooproganda]에 이르기까지, 이번 인터뷰에서는 그간의 에피소드를 두 사람 특유의 유쾌한 티키타카와 함께 풀어냈다. 카리스마와 장인 정신 너머에 자리한, 진솔하고 여유로운 그들의 모습을 지금부터 함께 들여다보자.

 

 

Q. 안녕하세요. 간단하게 팀과 멤버별 소개 부탁드립니다.

 

ryo: ryojinnjane (이하 ‘료진제인’)의 ryo (이하 ‘료’)입니다. 기타 연주와 작곡을 맡고 있습니다. 편곡도 주로 제가 맡아서 진행하고 있어요.

 

jeanjinn jane: 료진제인의 jeanjinn jane (이하 ‘장진제인’)입니다. 저는 보컬이랑 작사, 작곡 맡고 있습니다.

 

 

Q. 두 분은 개인 작품도 꾸준히 발매 중이시지만, 사실 프로듀서의 이력 또한 범상치 않습니다. 프로듀서로서의 료, 장진제인도 소개해 주세요.

 

ryo: 지금은 KOZ 엔터테인먼트에서 프로듀서로 활동하고 있어요. 인터뷰 시점 기준으로 가장 최근에는 아이돌 BOYNEXTDOOR의 [No Genre] 작품에서 기타 연주 및 작·편곡을 맡았어요. 최근 싱글 [오늘만 I LOVE YOU]에 참여했구요, i-dle (아이들) 최근 작품 [We are]에도 기타로 참여했구요. 가끔 작사 활동도 하고 있어요. 연주로는 현재 한로로 씨의 밴드 마스터로 활동하고 있어요. 회사에서 주는 업무도 하고, 외부 프로젝트도 하면서 진행하고 있습니다.

 

jeanjinn jane: 음 저는 NCT 마크의 솔로 작업을 해왔구요, 가장 최근에는 BTS의 진님 곡에 작게나마 참여했어요. 아이유 님과 엑소의 카이 님, 백현 님 작품에도 참여했습니다. 처음부터 케이팝 아이돌 분들의 곡을 만들기 위해 (음악을) 시작한 건 아니었는데, 어쩌다 보니 좋은 기회로 종종 작업에 참여하고 있어요.

 

 

 

 

Q. 프로듀서로 맹활약 중인 두 아티스트가 팀을 결성했다는 사실이 흥미롭습니다. 두 분이 어떻게 처음 뵙게 됐나요?

 

jeanjinn jane: 처음에 언제 봤더라. 한 7~8년 전 쯔음? 연남동 근처에서 음악하면서 만나게 된 친한 친구들이 있어요. 1년에 한두 번씩은 꼭 대규모로 모여서 술을 마시는 날이 있었거든요. 거기서 광빈이(료)를 아마 처음 봤을 거예요.

 

 

Q. ryojinnjane (이하 ‘료진제인’) 팀을 결성하게 된 결정적 계기는 뭐였나요?

 

ryo: 이사 간 진서형(장진제인) 작업실에 처음 놀러 갔을 때, 앨범을 준비 중이라고 하면서 음악을 하나 들려줬었어요. 그 노래를 들으면서 대화를 이어 나가다 보니까, ‘이럴 거면 그냥 같이 하자’라는 결론이 나오더라고요.

 

jeanjinn jane: 작업실을 작년 여름 되기 직전에 옮겼어요, 예전 포크라노스, 매직스트로베리 사무실이랑 되게 가까운 위치에 있어요. 그래서 매직스트로베리의 몇 직원 분들이 테라스에 있는 제 작업실을 알고 계시더라고요. 친구가 한번 매직스트로베리 사무실에 방문한 적 있는데, 한 직원 분이 ‘저기 테라스에 늘 누워계신 분은 도대체 무슨 일을 하실까?’ 궁금해하셨다고 전해줬어요. (웃음)

 

무튼 작년 5월쯤에 이사한 지 얼마 안 돼서 광빈이가 놀러 왔어요. 그전까지는 같이 작업해 본 적은 한 번도 없었어요. 같이 술만 마셨지. 처음으로 들려준 곡을 듣고 이놈 이런 놈이였구나하고 멜로디와 가사를 만들었어요. 그게 작년에 발매된 [father nature]의 “언덕”이라는 노래였어요.

 

 

(료진제인과 친구들)

 

 

Q. 곧바로 료진제인의 데뷔작 [father nature]가 나왔군요. 그렇게 결성된 료진제인은 보통 어떤 스타일로 작업하시는지도 궁금합니다.

 

ryo: 일단 진서 형이 많이 안 바빠요. 제가 진짜 바쁘구요. (웃음) 제가 바쁜 와중에도 노래를 만들어서 진서 형한테 들려주죠. 그러면 진서 형이 곡을 듣고, ‘2~3달 이후쯤에 앨범으로 내자’고 말해요. 그럼 저는 더 빨리 발매하자고 재촉하는 거죠. 보통 그런 식으로 진행해 왔어요.

 

jeanjinn jane: 원래는 작업실을 작업실 용도로만 사용하고 있었는데, 지금은 집 겸 작업실이에요. 광빈이가 요즘엔 거의 매일 오는 것 같아요. 와서 새벽까지 있다 가고.

 

광빈이는 거의 알람이에요, 광빈이가 직접 현관문 열고 비밀번호를 입력해서 막 들어와요. 그다음 커튼을 쳐요. 그렇게 깨어날 때가 꽤 많아요, 중요한 건 저는 알람을 안 맞췄다는 거예요. 그냥 와서 ‘작업해, 작업해’.

 

 

Q. 1년 사이에 벌써 EP 세 건이 발매됐어요. 두 분의 빠른 작업 속도가 곧 서로 합이 잘 맞는다고도 해석되는 것 같아요.

 

jeanjinn jane: 사실 그렇죠. 저는 조금 느려도 된다고 느끼긴 하지만. (웃음) 오늘 인터뷰하러 오는 길에도 다음 앨범에 대해 얘기를 했어요. 광빈이가 또 채찍으로 계속 때리면서 왔어요. ‘형 빨리해, 뭐해. 노래 낼거라매’, ‘알았어 알았어, 할게’ 이러면서 왔어요.

 

ryo: 료진제인으로는 한 작품을 완성하는 데에 1~2달 정도 걸리는 것 같아요. 원래 진서 형이 올해 7~8월에 발매하자고 얘기했는데, 그렇게 따지면 이미 작업을 끝내서 보내야 했거든요. 근데 준비가 안 됐으니 말이 안 되잖아요. 어이가 없는 거죠. (웃음)

 

 

 

 

Q. 올해도 [hidden plant]를 발매한 지 3개월여 만에 새로운 EP로 돌아오셨어요. 지난 5월에 발매된 EP [Sooproganda]을 간단히 설명 부탁드립니다.

 

jeanjinn jane: 숲으로 가고 싶어서 만든 앨범이에요. 숲으로간다.

 

ryo: 일단 둘 다 자연을 되게 좋아해요. 물론 다른 분들도 자연을 좋아해도 어쩔 수 없으니 여기 서울에 사는 것도 있겠지만. 풀내음을 좋아하고, 여름에는 어디 바닷가로 떠나고 싶잖아요. 이번 앨범은 숲으로 가고 싶어서 만든 거예요. 트랙을 1월쯤부터 만들기 시작했을 텐데, 그때가 겨울이었다 보니 봄을 기대하는 마음으로 썼어요.

 

jeanjinn jane: 봄에 듣기를 바라는 마음으로. 겨울이라 춥지만, 봄이 다가오는 감각을 떠올리면서 작업했던 것 같아요.

 

 

Q. 두 분이 그러면 송 캠프 같은 개념으로 (자연으로) 여행도 떠나고 그러시나요?

 

jeanjinn jane: 제주도도 가고, 지난번에는 횡성에 있는 큰 호수에 다녀왔었어요. 그때 작업했던 곡이 이번 앨범의 마지막 트랙 “기러기”예요. 호수에 있는 두 마리 새를 보면서 작업한 곡이에요.

 

ryo: 그때도 추웠네요, 생각해 보니까. 그래서 장작도 때우고.

 

jeanjinn jane: “주근깨”도 추울 때 만든 게 다시 생각해도 신기해. 그 노래 진짜 더운데.

 

ryo: 그래, 할 수 있어 그렇게. 굳이 직접 가서 느끼지 않아도. (웃음)

 

 

 

 

Q. 료진제인의 음악을 귀 기울여 듣다 보면 사운드나 구성에서 재치 있는 요소들이 많잖아요. 지난 EP “꼬리”와 “꼬리의 꼬리” 같은 식으로요. 이번 EP의 인트로 “Sooproganda”도 중간에 잠시 끊기는 부분이 재미있었습니다.

 

ryo: 일단 ‘꼬리’라는 곡은 원래 진서 형이 emoji라는 작곡가 누나와 자기 이름으로 발매하려고 만들어뒀던 곡이었어요. 근데 제가 그걸 듣고 너무 좋아서 ‘내가 리믹스처럼 작업해 볼래’라고 말해서 보컬만 가져가고 바꾼 곡이에요. 그게 “꼬리의 꼬리”구요.

 

보통 보컬이 존재하는 곡으로 작업하는 경우에는 어느 정도 톤으로 잡아놓는 게 있다 보니 떠오르는 아이디가 있을 때도 있고, 없을 때도 있거든요. 근데 ‘꼬리’는 듣자마자 딱 떠오르는 게 있어서 바로 작업했어요.

 

jeanjinn jane: “꼬리”는 전달받고 전달되어지는 사랑에 대한 내용인데, “꼬리의 꼬리”로 꼬리에 꼬리를 물고 이어지게 되었어요. 꼬리의 꼬리의 꼬리의 꼬리의…

 

 

 

 

ryo: 말씀 주신 ‘Sooproganda’는 애초부터 브레이크를 넣으려고 의도하긴 했어요. 다만 그 정도로 급격한 브레이크는 아니었어요. 믹싱하면서 발전시켰어요.

 

jeanjinn jane: 저희 앨범 마무리 단계에 항상 큰 도움을 주는 iryo라는 아티스트가 있어요, 함께 믹싱 단계에서 그 구간을 들어보니까, 극단적일수록 더욱 좋겠더라고요. 롤러코스터를 타다가 퉁 떨어지듯이 짜릿하게.. 정작 곡을 만들 때는 끊긴다는 느낌은 없었어요.

 

ryo: 끊기긴 끊기는 것 같아. 원래는 잔향이 조금 남아 있었는데, 그냥 끊어도 재미있더라고요. 곡이 처음 시작될 때 풀이 움직이거나 새가 우는, 자연의 소리가 나와요. 악기들과 목소리가 나오면서 어느 순간부터 그것들은 잘 안 들리거든요. 근데 급격하게 끊길 때에 다시 인지하게 되는 거죠.

 

jeanjinn jane: 숲으로 걸어 들어가고 있는 와중에 곡이 진행되고. 진행되다가 멈추는 구간에서 ‘ 맞아, 나 지금 숲 속을 걷고있었지’ 라는 사실을 깨닫는 거죠. 다른 생각에 빠져 있다가 잠깐 숨을 들이쉴 때 같은 느낌이 있었어요.

 

 

 

 

Q. 이런 디테일을 추가하는 과정은 보통 작업의 어느 단계에서부터 비롯되나요?

 

ryo: 글쎄요. 사운드 디자인을 할 때, 처음 노래를 만들 때부터 아예 그려놓고 시작하는 것 같아요. 어떤 그림 그리는 사람들은 어떻게 그릴지 머릿속에 다 정해놓고 그린다고 하잖아요. 저도 똑같은 것 같아요. 그림을 그린다고 생각하면 비유가 쉬울 것 같아요. 앨범이나 트랙을 구상할 때도 마찬가지예요.

 

구성을 신경 쓰기는 하지만, 아직까지는 료진제인으로 하나의 앨범을 짜임새 있게 만든 적은 없거든요. 그래서 발매가 좀 늦어질 거라면, 료진제인 안에서 1년짜리 장기 프로젝트처럼 앨범을 만드려는 계획은 갖고 있어요.

 

jeanjinn jane: 중간에 싱글을 내더라도, 정규를 준비해 보려구요.

 

ryo: 사실 비트 만드는 건 반년도 안 걸려요.

 

jeanjinn jane: 자기만 먼저 만들어놓고, 다시 빨리해. 빨리해.

 

 

 

 

Q. 구체적인 트랙에 관해서도 여쭤볼게요. 3번 트랙 ‘룻’에 한로로, JUNNY (이하 ‘주니’) 님이 참여해 주셨어요. 두 아티스트를 섭외하면서 가장 기대했던 포인트가 있다면 무엇일까요?

 

ryo: 일단 로로씨는 깨끗하고 무해한 느낌이 드는 목소리잖아요.

 

jeanjinn jane: 녹음을 할 때도, 믹스을 할 때도 로로 목소리가 정말 순수하고 맑더라구요. 주니와 저는 ‘우리는 너무 더러워’, ‘우리는 세월에게 맞았어’ 하고 한탄했었어요. 물론 주니는 팝스타에요.

 

ryo: 주니가 먼저 2절 파트의 피처링을 맡아줬어요. 정식으로 부탁한 건 아니고, 진서형 작업실에서 같이 수다 떨다가 그냥 들려줬는데 주니가 ‘내가 해볼게’ 하고 그 날 후루룩 가사까지 같이 다 해버렸어요.

 

jeanjinn jane: 로로 씨의 경우도, 광빈이가 공연과 작업을 로로씨와 늘 같이 하니까 자연스럽게 생각났던 것 같아요.

 

ryo: 늘 여자 보컬을 찾고 싶었는데, 주변에 별로 없더라고요.

 

jean jinnjane: 그리고 벌스도 원래 제가 하고 싶었거든요. 그래서 내가 하겠다고 말하는데, 광빈이가 하지 말래요, 자꾸.

 

ryo: 하면 안 되니까. (웃음)

 

jean jinnjane: 로로씨 벌스를 듣고 나서는 제 입을 다물었어요.

 

 

Q. ‘룻 (Rut)’이 무슨 뜻인가요?

 

jean jinnjane: 뿌리(root)라는 뜻도 있고, 갈림길이라는 의미의 route 도 섞고 싶었어요. 그런데 글자도 귀여워서 ‘룻’이라 정했어요.
ryo: 대놓고 route나 root라고 하기는 싫었어요. 그래서 발음기호처럼 사용했어요. 장난스럽고 귀엽더라고요, 글자 자체가.

 

 

 

 

Q. [father nature]의 수록곡 “참 stay high”도 영문명은 “calm stay high”으로 지은 게 귀여웠어요.

 

jean jinnjane: 참새.. 참세이.. 참스테이.. 작업실의 테라스에 종종 와서 노래를 해주는 참새.. 썬베드에 누워있는데 어디서 참새 소리가 들리더라고요. 근데 노래를 너무 잘하는 거예요, 아름답게.

 

ryo: 사실은 그냥 짹짹거리는 거죠. (웃음)

 

jean jinnjane: 근데 너무 잘 짹짹거려요. 그래서 참새 소리 말고는 아무것도 안 들렸으면 좋겠다는 생각으로 쓴 곡이에요. (웃음)

 

 

Q. 그래서 앨범 소개글에 참새 부족에 관한 이야기가 나오는군요.

 

ryo: 맞아요.

 

jean jinnjane: 저희끼리 떠들다가 이야기로 발전시켰었어요.

 

 

 

 

Q. 다시 이번 앨범으로 돌아와 볼게요. [Sooproganda]는 [hidden plant]와는 사뭇 다른 역동적인 생명력이 느껴집니다. 이번 EP에서 사운드 메이킹을 할 때 특별히 고려했던 지점이 있을까요?

 

jean jinnjane: [hidden plant]는 겨울에 만들어진 앨범이고, 곡들이 생동감 넘치진 않아요, 현재보단 기억에 가깝고, 감정을 좀 더 담았다고 봐야겠죠. 제가 계절에 약한 편이라 계절을 많이 타는 것 같아요, [Sooproganda]에서는 각각의 계절 중에서 봄이 가지고 있는 역할을 담아내고 싶었어요 , 추위를 물러가게 하고, 생기를 주는 봄의 보이지 않는 힘을 기대하면서 만들었어요.

 

ryo: 비슷하고요. 형이 말한 것처럼 제가 머릿속에 갖고 있는 영상이나 이미지가 실제로 생동할 수 있는 사운드가 되어야 한다고 생각했어요. 사운드 안에 그 모습이 보여야 하는 거죠.

 

 

Q. 이미지/영상 하니까 떠오른 건데, 혹시 이번 앨범의 아트워크는 어떤 분이 제작해 주신 건가요?

 

ryo: 저희 친구 중에 이아일 이라는 형이 있어요. 그 형은 늘 돌아다니면서 친구들 모습이나 풍경을 늘 카메라로 담아주거든요. 그 형 사진이 너무 좋아서 이번 작품은 프로필 이미지도, 앨범 커버도 그 형이 찍은 사진들만 사용했어요.

 

jean jinnjane: 이아일은 카메라를 두 대를 들고 다녀요. 그래서 프로필 이미지는 필름으로, 앨범 커버는 다른 카메라로 찍어줬어요. 이전 앨범들에는 NANAHANKI 라는 아티스트와도 협업해 왔습니다.

 

ryo: 원래 이번 앨범의 아트워크는 둘이 렌즈를 멍하고 보고 있는 셀카로 하려 했거든요. 결국 나무 사진으로 바뀌긴 했는데, 이번 앨범 커버를 확대해 보시면, 그 나무에 저희 얼굴이 희미하게 있어요. 저희가 나무의 일부가 되었습니다.

 

jean jinnjane: 기존의 저희 얼빡 사진을 앨범 커버로 쓰기엔 저희도 약간 저희가 의심스러워서 숨겨놨어요. (웃음)

 

 

(문제의 사진)

 

 

Q. 료진제인 디스코그래피에서 빠지지 않고 등장하는 소재가 바로 ‘자연’입니다. 확실히 두 분은 도시보다는 자연을 선호하는 사람들에 가까울까요?

 

ryo: 음, 모르겠네요. 갑자기 자연 속에 저를 맨몸으로 떨어뜨려 놓는다면 아무것도 할 수 없을 것 같아서 자연파라고 말하기가 어렵긴 해요. 사실 좋아하는 거지, 살아본 적도 없어요.

 

jean jinnjane: 조웅 님의 “외롭고 시끄럽고 그리워”라는 노래처럼 시골에서 살게 되면 도시가 그립고, 도시에서 살게 되면 자연이 그리운 것 같아요. 자연 속에 살지 않다 보니까 자연을 더 좋아하는 것 같아요.

 

ryo: 여행 갈 때는 사람 없는 곳으로 가는 것 같아요. 나무만 있고, 풀만 있는 곳. 자연만 있는 곳.

 

 

 

 

Q. 지금까지 료진제인이라는 이름으로 1년 사이에 약 16곡 정도가 발매됐잖아요. 사실 이력만 들었을 때는 두 분이 엄청 바쁘실 것 같아요. 개인 작업물이나 작품 활동도 그렇고요. 그런데 료진제인이라는 이름으로 벌써 세 장의 EP가 나왔어요. 작업 속도가 진짜 빠른 것 같아요.

 

ryo: 저도 진짜 빠르다고 생각해요.

 

jeanjinn jane: 조금 느려도 되는데. (웃음)

 

 

Q. 두 분이 생각할 때 가장 마음에 드는 트랙이 뭔지도 궁금해요.

 

jean jinnjane: 저는 “언덕”이요. 맨 처음으로 같이 만든 곡이기도 하고, 가끔 다시 들어도 기분이 좋더라구요.

 

ryo: “꼬리의 꼬리”요. 가사가 정말 좋아요.

 

 

 

 

Q. 그리고 료진제인의 디스코그래피가 계절의 순환을 담아내고 있다고도 느꼈습니다.

 

ryo: 말씀주신 것처럼 첫 번째 EP는 여름, 두 번째 EP는 겨울, 그리고 세 번째 EP는 봄의 분위기를 내고자 했어요.

 

jean jinnjane: 작년 9월에 발매된 첫 EP도 조금 더 일찍 발매됐으면 좋았을 텐데, 가사 쓰다보니 작업 속도를 맞추기가 어렵더라고요. 원래는 한 8월쯤 생각했는데 늦어졌어요.

 

ryo: 7월에 내자고 했었지. 지금이랑 똑같아. (웃음) 이번에 7월이라고 말하면, 한 9월쯤에 나오겠지.

 

 

Q 더불어 료진제인이 작품을 통해 그려낼 앞으로의 풍경들도 궁금합니다. 넌지시 힌트를 남겨주실 수 있을까요?

 

jean jinnjane: 다가오는 가을에 발매하고 싶은 싱글이 있어서 대략 만들어 두었어요. 아직 완성되진 않았지만, 가을에 들려드리고 싶어요.

 

ryo: S/S 시즌, F/W 시즌처럼 묶여있는 작품들이라고 보면 될 것 같아요. 사운드나 무드가 계절이나 자연을 떠올리게 한다면, 가사는 사랑과 삶에 대한 이야기가 주를 이루고, 다른 다양한 주제를 다루고 있어요. 앞으로도 하고 싶은 이야기가 나온다면 자연스럽게 풀어내지 않을까 싶어요.

 

jean jinnjane: 당장에 확실하게 손에 잡히진 않는데, 자연스럽게 써질 것 같아요. 느릿하면 또 광빈이한테 혼나야죠. (울음)

 

 

 

 

Q. 두 분의 케미스트리가 좋아 보이는데, 혹시 서로가 생각하는 각자의 장점은 어떻게 될까요?

 

jean jinnjane: 광빈이는 명확하죠.

 

ryo: 뭔데? (웃음)

 

jean jinnjane: 빠르고 강하다. 신체적, 그리고 정신적으로 강하다는 생각이 들어요. 근데 또 은근 섬세해요, 처음엔 호랑이라고 생각했는데, 고양이인 것 같아요. 매운 것도 잘 못 먹고.

 

ryo: 왜 먹는지를 모르겠어.

 

jean jinnjane: 그리고 저희 친구들과 최근에 남이섬에서 열리는 에어하우스에 다녀왔어요. 남이섬 앞에 번지점프가 있는데 광빈이만 번지점프를 안 했어요.

 

ryo: 가위바위보를 이겼는데 제가 왜 하냐고요. 이해가 잘 안 돼요. (웃음)

 

 

Q. 료 님이 생각하시는 장진제인 님의 장점은요?

 

ryo: 잘 이해해 주고 잘 웃어넘겨 줘요. 말마따나 제가 맨날 찾아가서 아침마다 깨우고 커튼 열고 그러거든요. 아침 11시쯤, 안 그러면 거의 2시, 3시까지 자거든요.

 

jean jinnjane: 지난번에는 술을 너무 마셔가지고.

 

ryo: 무튼 그러면 결국 하루가 일찍 끝나는데, 해가 뜨는 것도 못 보고 아쉽잖아요. 일찍 일어나면 노래도 만들고 얼마나 좋아. 작업실에 가면 좋든 나쁘든 꼭 노래가 나오거든요.

 

jean jinnjane: 장점 얘기하는 시간.

 

ryo: 그럼에도 불구하고 좋은 동료죠.

 

 

Q. 마지막으로 리스너나 대중을 대상으로 하고 싶은 말씀이 있다면 들어보면서 인터뷰 마무리하겠습니다.

 

jean jinnjane: 료진제인.. 들어주셔서 감사합니다. 더 많이 들어주시면 더 감사하겠습니다.

 

ryo: 들어주셔서 감사하죠. 그 말밖에 할 수가 없어요. 좋다고 해주시는 것만으로도 힘이 됩니다.

 

 

Interview | 박현영

사진제공 | ryojinnjane

반짝이는 소리가 생생한 이미지가 될 때, 아티스트 archie 인터뷰

Posted on by poclanos

 

반짝이는 소리가 생생한 이미지가 되는 순간, 아티스트 archie 인터뷰

 

누구나 각자의 방식으로 창작의 문을 연다. 그 계기는 다를지라도, 공통된 출발선은 창작을 향한 깊은 애정에 있다. 이번 인터뷰의 주인공 archie는 그 ‘애정’이라는 출발선 위에서 나름대로의 흥미로운 이미지를 구현하는 인물 중 하나다. 단순히 음악을 좋아하는 사람에 머물지 않고 집요하게 파고드는 리스너이자 날카로운 감각으로 소리를 만들어내는 아티스트이기 때문이다. 서사무엘, 죠지, 담예, 최엘비 등 실력을 입증한 아티스트들과의 작업 이력에서도 알 수 있듯, 그는 유연하고도 깊은 리스닝 스펙트럼을 기반으로 각자만의 개성을 보여줄 수 있는 방식의 협업을 선보여왔다.

 

동시에 그는 전자음악 레이블 ohhu를 통해 작년 초 첫 정규 앨범 [here, this is happening (Soundtrack)]을 발매하며 주목을 받았다. 해당 작품은 Visla Magazine, Mixmag 등 국내 음악 매체에 소개될 뿐만 아니라, 평론 웹진 온음에서 2024년 ‘올해의 루키’ 후보로 노미네이트되는 데에 기여한다. 아티스트로서의 점차 입지를 다지는 와중에 archie가 약 1년 만에 앰비언트 기반의 작품 [world in delay]을 발매한다. 음악을 듣는 순간 시각적인 이미지가 뚜렷하게 떠오르길 바란다는 의도가 전반에 묻어나는 이번 작품을 듣다 보면, 트랙 하나하나가 만들어내는 공기와 분위기에 이끌리는 듯하다.

 

비록 아직 발표한 앨범의 수는 많지는 않다. 하지만 음악을 향한 애정에서 출발해 프로듀서이자 아티스트, 그리고 이제는 라이브 퍼포머로서의 목표를 지닌 채 더욱 많은 이들과 접점을 만들어나가는 그의 행보는, 그가 만들어내는 작품 만큼이나 입체적이다. archie를 만나 신작을 중심으로, 장르와 음악에 관한 다양한 대화를 나눴다.

 

 

Q. 안녕하세요. 먼저 간단하게 자기소개 부탁드립니다.

 

안녕하세요. 다양한 장르를 재료로 음악을 만들고 있는 프로듀서이자 아티스트 아치라고 합니다.

 

 

Q. 아치라고 읽는 게 맞는 거죠? 처음에 아키냐, 아치냐로 포크라노스 내부에서도 의견이 분분했거든요.

 

맞아요. 원래는 본명에서 말장난으로 계정을 만들 때 활용한 타이틀이었어요. 저를 포함한 모든 사람들이 발음을 어떻게 해야하는지 몰라서 archie로 단순화 했어요. 영어 이름이지만 일본 이름 같기도 해서 archie 로 결정했습니다.

 

 

 

 

Q. 올해 초 반가운 EP 소식으로 돌아오셨어요. 발매 이후로는 어떻게 지내시나요?

 

사실 창작자의 입장에서는 발매라는 게 이미 만들어놓은 곡을 공개하는 거잖아요. 그래서 최근에는 또 다른 작업을 위한 공부를 했어요. 원래도 앰비언트 장르를 좋아했는데, 직접 앰비언트 작품을 만들어보니까 흥미가 더 생기더라고요.

 

최근에는 모듈러*같은 장비를 활용해서 다양한 시도를 하고 있고, 또 라이브 형태로 앰비언트 음악을 구현할 방법이나 장르에 대한 깊은 지식에 대해 배우고 있어요.

 

*모듈러: 신디사이저 기능을 DIY로 하나하나 만들어서 패칭함으로써 자신만의 사운드를 만들 수 있는 장비.

 

 

Q. 안 그래도 이전에 진행한 RSS RADIO 인터뷰를 봤어요. 어릴 적부터 장르를 불문한 다양한 음악을 들으셨는데, 음악하기 전의 archie는 어떤 사람이었나요.

 

어릴 때부터 무언가를 만들고, 또 작업물로 칭찬을 받는 걸 좋아했어요. 부모님이 화가셨고, 어머님께서는 아직도 그림을 그리고 계셔서 그런 부분에 대한 영향도 컸던 것 같아요. 다만 그림을 직업으로 삼지는 말라고 말씀 주셔서 문과를 전공하긴 했어요. (웃음)

 

디깅은 어릴 때부터 항상 했어요. 중·고등학생 때 밴드 음악, R&B/Soul을 많이 들었고, 새로운 아티스트를 찾는 걸 좋아했어요. 디스코그래피를 다 들어보고, 미공개 곡도 찾아 듣고 자연스럽게 많이 들었어요.

 

 

Q. 이 얘기를 듣고 굉장히 어려운 질문이 하고 싶어졌어요. 인생 앨범 두 가지만 꼽으라고 한다면요.

 

진짜 어렵네요. 너무너무 어려운데요. (웃음) 일단은 My Bloody Valentine의 [Loveless]라는 앨범이요. 마이 블러디 발렌타인의 라이브를 2018년도 펜타포트에서 라이브로 처음 봤어요. 스테이지로 들어가니까 이어플러그를 주고, 앰프는 막 4~5개씩 있더라구요. (웃음) 이어폰으로 들을 때는 크게 와닿지 않았는데, 무대로 공연을 본 이후로 슈게이징에 엄청나게 빠져있었어요. 어떤 슈게이징 사운드를 들어도 넘을 수 없는 느낌이 있는 작품이라 1등 같습니다.

 

앰비언트 앨범도 짚고 싶은데, 이번 작업에도 많은 영향을 준 독일 아티스트 Ulla의 [Foam]입니다. 독일 쪽 앰비언트 음악은 형체가 불분명하고 멜로디가 덜한 게 제가 생각하는 특징인데, 이분의 음악은 형체가 있으면서도 일본의 앰비언트 스타일과는 다른 느낌이 있어요. 듣기에 귀가 살짝 아플 수 있는 소리도 섞여 있지만, 은근히 틀어놓기에 편하더라고요. 앨범 커버도 예쁘고.

 

그리고 또 한 가지가 생각났어요. Hiroshi Sato의 [Awakening]이라는 80년대 작품이에요. 원래 시티팝을 그렇게 즐겨듣는 편은 아닌데, 예쁜 사운드가 잘 섞여 있어요. 특별함이 느껴져서 아껴 듣는 작품입니다.

 

 

 

 

Q. 음악을 본격적으로 시작하게 된 배경도 궁금합니다.

 

직업으로 삼진 않았지만, 예전부터 동네 친구들이랑 밴드를 결성하고, 홍대에서 가끔 공연도 했어요. 그러다 입대하면서 케이팝 산업군에서 일하는 분을 만나게 됐어요. 혼자 심심할 때 만들어놨던 음악을 인스타그램에 짧은 영상으로 종종 올렸는데, 그걸 보고 그분이 ‘가르쳐줄 테니까 함께 하지 않겠냐’ 제안해 주셨어요. 마침 직업에 대해 고민하던 시기라 휴학하고 기본적인 부분을 배워가며 바로 작업했어요.

 

그런데 저한테 맞는 세계 같진 않더라고요. 그래서 혼자 곡을 작업하고, 작업물들을 당시에 활동 중이던 Crush, 서사무엘, 죠지 같은 분들께 보내고 그랬어요.

 

 

Q. 안 그래도 데모곡을 보낼 때 한 곡을 여러 아티스트에게 보낸 게 아니라, 아티스트의 색깔에 맞을 법한 맞춤형 데모곡들을 보냈다고 들었어요.

 

자기한테 걸맞지 않은 곡을 보내면 듣자마자 기분이 상할 거라 생각했어요. 예를 들어 알앤비하시는 분에게 누가봐도 트랩 같은 곡을 보내면 이상하잖아요. 어차피 안 될 것 같고, 설령 제 곡을 쓰게 된다고 하더라도 아티스트에게 좋은 영향을 주지 않겠더라구요.

 

 

 

 

Q. 섬세한 감각 덕분인지 최엘비, 서사무엘, 담예, 죠지 등 여러 멋진 아티스트 분들과 함께 작업하셨어요. 정확히 어떤 앨범으로 처음 참여하였는지, 어떻게 연이 닿았는지도 궁금합니다.

 

아마 서사무엘 형 (Samuel Seo) EP [D I A L]의 ‘개나리’ 트랙일 텐데요. 서사무엘 형한테 데모곡을 보내드렸는데 완전 새벽 시간대에 답장이 왔었어요. 곡이 너무 좋다고, 그래서 보냈던 곡을 실제로 발매하게 됐어요. 아침에 눈 뜨자마자 싱숭생숭했어요. (웃음)

 

비슷한 시기에 죠지 형하고도 연락이 닿았어요. 어떤 분과 먼저 작업했는지 잘 기억은 안 나는데, 그 시점부터 곡을 쌓다가 재작년에 1집 [FRR]으로 10곡 중의 7곡에 참여하게 됐어요. 그런 일들을 시작으로 곡 작업도 하고, 앨범 단위 작업도 같이 진행하게 되고 그랬죠.

 

 

 

 

 

Q. 프로듀서로 멋진 이력을 쌓아가던 와중에 나의 작품을 만들겠다는 굳은 결심은 어떻게 시작되었나요?

 

협업을 하면 제가 만들 수 있는 이상을 보여줄 수 있는 경험도 할 수 있고, 정말 배우는 게 많아요. 하지만 포기할 수밖에 없는 부분도 생겨요. 프로듀싱으로 참여한 곡은 준비 기간이 조금 긴 편이다 보니 발매가 늦어질 수밖에 없거든요. 그래서 정작 발매할 때 곡에 대한 감흥은 거의 없어요. 만드는 시기와 발매하는 시기에는 음악적 스타일이나 가치관이 달라질 수밖에 없어요. 제 기준으로는 예전의 작업물이니까, 경험이 축적된 시점에서는 아쉽게 느껴지더라고요. 그 갭 차이 때문에 지칠 때도 있고, 그런 점이 아쉬워서 표현하고 싶은 걸 표현하자는 마음에 첫 정규를 제작했어요. 마침 ohhu의 oddeen에게 먼저 연락이 왔고, 너무 좋은 기회가 될 것 같아 제대로 발매하게 됐어요.

 

 

Q. 첫 정규 발매 후 vislamag, record_mag, mixmag 등 여러 매체에서 샤라웃을 받았어요. 매거진 온음에서는 올해의 루키로 등극 되기도 했구요. 사람들의 반응은 좀 실감하셨나요?

 

감사하게도 ohhu 쪽에서 홍보를 많이 해주신 것 같아요. 그렇게 인지도 있는 사람이 아닌데, 많이 언급됐어요. 제 앨범을 만들 때는 오히려 욕심이 없다시피 만들거든요. 그런데 [here, this is happening (Soundtrack)]을 이번 앨범과 비교하면, 아무래도 첫 작품이라 많은 사람들이 유입됐으면 좋겠다는 생각을 어느 정도 한 것 같아요. 물론 스트레스받는 부분도 있었지만, 정작 이번 앨범은 그때보다 생각을 덜어내서 전체적으로는 빠르게 제작됐습니다.

 

 

 

 

Q. 비교적 빠르게 제작되었다는 EP [world in delay]에 관해서도 이야기해 볼게요. 먼저 간단한 소개 부탁드립니다.

 

[world in delay]는 소리가 1차원적으로 그려지도록 만든 작품이에요. 어느 사람이 낯선 세계에 불시작해서 잠시 체류를 하면서 짧은 여정을 갖는데, 알고 보니 사실 내 마음속에 있던 상상을 인지하는 것으로 마무리되는 앨범입니다. 각 트랙을 통해 여정을 자세하게 보여주고, 최대한 시각적으로 연결되도록 작업했어요. 착륙 했는데 (‘the landing’) 그 공간에 안개가 껴있고 (‘by fog’), 바람이 불어오고 그림자가 방향을 알려주고. 강을 건너니 새벽이 되고, 빛이 들어오면서 천사를 만나고. 마지막은 핸드폰을 보고 있다가 깨어나는 구성인데, 각 트랙이 마음을 비유하는 내용이기도 해요.

 

 

Q. 안 그래도 앨범 소개글을 보면서 감정 상태에 귀 기울여가며 만든 작품 같았어요. 제작 당시에는 어떤 감정 상태였는지도 궁금합니다.

 

첫 정규를 내고 또 협업을 많이 했어요. 아직 나오지 않은 것도 많구요. 그런데 마찬가지로 발매를 기다리는 과정에서 재미있는 걸 하고 싶어지더라고요.

 

당시 많이 했던 생각이 ‘모든 사람이 같은 공간에 있어도 전부 다른 삶을, 다른 세상을 사는 것 같다’였어요. 똑같은 걸 봐도 모두 다르게 생각하고. 평소 자주 붙어있는 사람끼리도 온전히 동일한 관점을 갖기 어렵잖아요. 그런 지점이 외로우면서도 재밌더라고요. 그래서 ‘world in delay’라는 타이틀로 작품을 내게 됐어요. 같은 공간에서 대화하더라도 전달되는 공기나 시간에 차이가 발생하는데, 그런 지연되는 부분들을 그려봤어요.

 

 

Q. 2번 트랙 “by fog”은 다린 님이 피처링으로 참여해주셨어요. 어쩌다 함께 작업하게 된 거예요?

 

다린님이랑은 원래 인스타그램 맞팔로우가 되어 있던 사이인데, 당시에 나중에 같이 작업을 하자고 말씀을 주셨었어요. 언젠가 피처링을 부탁드리고 싶은 마음이 있었죠. “by fog”에서 3번 트랙까지 안개가 껴있다가 바람이 불어오면서 걷히는 표현을 사운드 뿐만 아니라 가사로도 구체적으로 표현하고 싶었어요 막상 제가 노래하지는 못하겠고. (웃음) 그러던 찰나에 다린 님이랑 했던 이야기가 떠올라서 연락을 드렸어요. 흔쾌히 응해주셔서 처음 만나 뵙고 작업하게 됐죠.

 

 

 

 

Q. 전혀 예상하지 못한 참신한 조합이었어요. 조심스럽지만 archie님의 음악적인 방향이나 혹은 프로듀싱해왔던 분들과 사뭇 다른 스타일처럼 느껴지기도 해요. 이에 관해서 염려되는 지점은 없었나요?

 

어느 정도 포크 요소가 들어있는 곡이라 딱히 걱정하진 않았어요. 곡을 제작할 때는 목소리가 얹어진 게 상상될 정도로 확신을 갖고 있었어요. 다린 님 커리어에 지장만 없다면 무방하겠다 싶었어요. 처음 만나서 앨범 데모를 순서대로 쭉 들려드리고, 담고 싶은 내용에 대해 3시간 동안 대화했어요. 그런데 다린 님이 앨범 전체적 스토리까지 전부 이해한 상태에서 가사를 적어주셨더라고요. 두 번째의 순서에 위치한 트랙이 해야 할 일을 명확하게 만들어 주셨죠.

 

 

Q. archie, 다린 님의 협업이 참신하게 다가왔어요. 앞으로도 경계를 확장해서 협업하고 싶은 마음이 있으신지도 궁금하고요.

 

저는 대중적인 음악도 좋아해요. 물론 대중적이라는 말의 기준이 각자마다 다르지만, 보다 많은 사람들에게 쉽게 다가갈 수 있는 음악도 많이 만들고 싶어요. 또 최근에는 전자음악이나 앰비언트 작업하시는 분들과도 협업하고 싶어요. 특정하게 떠오르는 인물이 명확한 건 아닌데, 다양하게 협업하고 싶은 마음은 있습니다.

 

 

 

 

Q. 이번 앨범에서 특별히 아끼는 트랙이 있다면요?

 

우선 2번 트랙 “by fog” 너무 좋아하고요. 그리고 4번 트랙 “shadow helps”도 기분 좋게 들어요. 그림자가 도와준다는 뜻으로 만든 곡입니다. 빛은 사람들이 조작할 수 있는 요소잖아요. 플래시로 빛을 비추면서 어떤 방향을 가리키는 지표로 쓸 수 있고, 싸인으로 활용하면서 사람을 속이기도 하잖아요. 그런데 그림자는 빛이 있는 방향에 따라서 수동적으로 생기니까 오히려 정직한 존재죠. 그림자가 원래 갖고 있는 부정적 이미지를 뒤집고 싶었어요. 방향을 볼 때 빛을 보는 방법도 있지만, 그림자의 방향을 찾는 것도 방법이 될 수 있겠다 싶었어요. 어두운 게 아니라 도움이 되는 존재일 수도 있다는 식으로.

 

 

Q. 음악 외에도 영상, 이미지 등 시각 디자인에 관심이 많으신 것 같아요. 실제로 음악을 제작할 때 영향을 많이 미치기도 할까요?

 

이번 앨범 같은 경우에는 추상적으로 소재 정도만 떠올렸다면, 평소 작업을 할 때는 이미지를 많이 참고해요. 사진집 보는 걸 좋아해서 사진을 보다 멜로디를 떠올릴 때도 있고요. 이미지적인 부분에서 어울리는 소리를 만들어내는 게 작업 방식 중 하나같아요.

 

 

 

 

Q. 정규 앨범보다 앰비언트 사운드에 더욱 집중한 작업물 같아요. 사운드 메이킹을 할 때 고려했던 지점이 궁금합니다.

 

1집을 제작할 때는 감정에 어울리는 소리를 담는 데에 집중했다면, 2집은 음악을 들으면 시각적으로 바로 떠올릴 수 있는 배경이나 이미지를 상상할 수 있게끔 만드는 데에 집중했어요. 5번 트랙 “fluss”를 들으면, 저는 그냥 물 같거든요. 각자가 상상하는 물의 모습은 다르더라도, 물 그 자체를 떠올릴 것 같았어요. 1번 트랙 “the landing” 같은 경우도 빠르게 추락하다가 갑자기 새로운 세계가 확 펼쳐지는 연출을 많이 신경 썼어요.

 

 

Q. 물론 많은 작업물을 발매하진 않았지만, 지금까지 archie의 음악은 실제로 앰비언트 스타일에 가깝습니다. 다양한 장르를 접해오셨을텐데, 어떻게 보면 음악씬에서 친숙하지 않을 법한 장르를 택한 이유가 있을지 궁금합니다.

 

평소 여러 음악을 듣는 편이에요. 특히 최근에는 포크 음악이랑 클래식을 많이 들었어요. 그럼에도 이런 질문을 받은 까닭은, 사운드를 만들 때 앰비언트랑 일렉트로닉 요소를 항상 사용했기 때문인 것 같아요. 특정 시그니처 사운드를 만들고 싶은 건 아니고, 매번 제 느낌이 날 법한 소리를 만드는 걸 즐겨왔어요. 어디서 들어본 친숙한 사운드가 아니라, 이 곡에서만 들을 수 있는 사운드요. 그러다보니 자연스럽게 앰비언트를 택하게 된 것 같아요.

 

또 올타임 레전드라고 생각되는 아티스트들이 앰비언트나 일렉트로닉 음악을 많이 하는 것 같기도 해요. 류이치 사카모토나 호소노 하루미를 정말 좋아하는데, 그분들도 매번 여러 장르를 시도하시지만, 한 번씩은 앰비언트를 거치시는 것 같더라고요. 그런 취향적인 부분도 한몫하지 않았나 싶습니다.

 

 

 

 

Q. archie만의 느낌이 날 법한 소리라면 어떻게 묘사할 수 있을까요?

 

대부분 청량하다표현을 많이 해주시더라고요. 영롱하다고도 해주시는데, 근데 그건 잘 모르겠어요. (웃음) 약간 투명한 느낌을 좋아하는 것 같아요. 음악적인 부분이긴 하지만, 컴프레서*를 많이 사용하지는 않아요. 소리가 많이 모이지 않더라도 그냥 퍼지도록 내버려두는 편이에요. 투명하다는 말이 가까운 것 같아요.

*컴프레서: 음악의 다이내믹 레인지를 줄이기 위해 사용하는 음향 기기

 

 

 

 

Q. 물론 위와 같이 질문드렸지만, 이런 사운드에 친숙하지 않은 사람도 충분히 즐거울 작품입니다. 이번 앨범을 들으면서 특별히 집중해 볼만한 포인트를 소개 부탁드립니다.

 

음악적인 부분보다는, 이어폰이나 헤드셋을 활용해서 음악을 들을 수 있는 스테레오 환경에서 들어주시면 좋겠어요. 앰비언트 기반의 음악이니까 음향 환경을 제대로 갖추진 못하더라도, 양쪽의 사운드가 다르게 나오는 스피커로 들어주셨으면 좋겠다는 바람은 있습니다.

 

 

Q. 다방면에서 한계 없는 스펙트럼을 보여주고 계십니다. 앞으로도 도전해보고 싶은 분야나 작업물이 있을까요?

 

올해는 공연에 대한 생각도 있어요. 그래서 최근 ‘라이브를 위한 음악’에 대해 배우고 있어요. 혜화에 쿤스트카비넷이라는 공간의 운영자이자 앰비언트 음악가인 모하니 님의 음악을 정말 좋아해요. 모듈러같은 장비를 활용해서 라이브 퍼포먼스를 하는 게 너무 멋지더라고요. 살라만다 (salamanda)의 공연도 정말 멋있고, 작년 12월에 Ulla의 라이브를 보러간 적도 있어요. 앰비언트도 라이브로 구현할 때 충분히 그 매력이 드러나는 장르구나 싶었어요. 라이브와 곡 작업은 또 다른 개념이니까 연구가 많이 필요하겠더라고요.

 

 

Q. 예전에 장명선 X 피슈 님의 공연을 보러 간 적이 있는데, 라이브로 볼 수 있으니까 신비롭고 재미있더라고요.

 

라이브를 진행할 때 좋은 점이 랜덤하게 벌어지는 상황들인 것 같아요. BPM을 꼭 맞추지 않아도 되는 장르다보니, 곡의 러닝타임이 더 길어지거나 짧아질 수 있고. 연주자의 의도나 현장 분위기에 맞게 그때그때와 다르게 연주할 수 있는 요소가 재미있어요. 의도와 다르게 악기가 튀더라도 실수의 미학도 생길 수 있고요. (웃음)

 

 

 

 

Q. 앰비언트 사운드에 관한 대화를 많이 하긴 했지만, 그밖에도 시도하고픈 사운드가 있을까요?

 

지금까지 프로듀싱했던 곡들에도 조금 묻어나긴 할텐데, 70~80년대 브라질 음악 장르 중 하나인 MPB도 좋아해요. 화성적으로 화려하면서도 한국의 정서랑 닮은 부분이 있어요. 실제로 옛날 한국 발라드 음악이 브라질 영향에 되게 많은 영향을 받은 것 같다고 생각했어요. 그런 요소로 짜여진 작품을 만들어보고 싶어요.

 

 

Q. 인터뷰를 하면서 느낀거지만, 다양하게 음악을 디깅하는 부분들이 창작 활동과 경계를 확장하는 데에 많은 영향을 미치는 것 같아요.

 

저는 확실히 무조건 많이 듣는 쪽에 가까워요. 그런데 최근엔 좋은 걸 여러 번 듣는 것도 의도적으로 노력해요. 요즘은 빠른 속도로 음악을 만들고 들을 수 있다 보니까 정작 한 작품에 집중하는 경우가 줄어들더라고요. 계속 새로운 걸 찾다 보면, 찾긴 찾는데 자주 듣진 않게 되고. 플레이리스트에 모아놓으면서도 정작 완성되면 그 플레이리스트를 안 듣고 그러거든요.

 

 

Q. 대화하면서 공감되는 지점들이 많았어요. 다양한 이야기를 나눴는데, 마지막으로 인터뷰를 보고 계실 분들에게 하고 싶은 이야기를 들어보면서 마무리해 보겠습니다.

 

이번 앨범 [world in delay]가 대중적인 측면에서 볼 때는 조금 딥한 부분도 있겠지만. 다른 앰비언트나 일렉트로닉 음악들을 접해보시면 그렇게 딥한 음악은 아니라고 생각될 만큼 신비로운 사운드를 내는 작품들이 많아요. 앰비언트를 요가할 때 듣는 음악 장르라 생각하는 분도 계신데, 사실 드론이라는 장르에 가까워요. 일본의 앰비언트 사운드는 되게 멜로디컬하고 아기자기한 분위기도 많구요. 우리나라의 엠비언트 음악도 어느정도 큰 특징들이 만들어지는 날이 오면 좋을 것 같아요. 그렇게 되면 이 씬이 조금씩이라도 커지지 않을까, 그런 생각이 드네요.

 

 

 

 

Interview | 박현영

사진제공 | archie

그야말로 돌연변이 같은 등장, 채널 AoB (밴드 붐은 온다) 인터뷰

Posted on by poclanos

 

그야말로 돌연변이 같은 등장, 인스타그램 채널 AoB (밴드 붐은 온다) 인터뷰

 

좋은 음악들은 갈수록 많아지고, 음악을 접할 수 있는 방식은 더욱 간단해지고 있다. 역설적으로 아티스트들의 어깨는 조금씩 더욱 무거워지기도 한다. 단순히 좋은 음악을 발매하는 데에 그치지 않고, 음악을 소개하는 방식까지 고민하는 것이 당연해진 시대다. 그러한 와중에 ‘인스타그램 매거진’이 돌연 등장했다. 스낵 콘텐츠 형식으로 가볍고 손쉽게 정보를 전달할 수 있으면서도, 각 채널의 성격과 톤앤매너에 따라 각자만의 재치 있는 방식으로 각종 문화를 소개할 수 있는 채널이 생긴 셈이다. 효율적이면서도 효과적으로 큐레이션된 음악을 홍보하고 또 소비할 수 있는 매체임에 틀림없다.

 

음악 분야에서 대표적인 인스타그램 매거진을 꼽아보라고 한다면 채널 ‘밴드붐은온다(@ageofband)’가 가장 먼저 떠오른다. 23년에 만들어진 해당 채널은 밴드 음악을 소재로 재치 있는 밈(meme)을 사용하거나 큐레이션하며, 더욱 거대한 규모의 콘텐츠를 제작하거나 굿즈 등을 판매하고 있다. 더 나아가 지난 1월에는 ‘돌연변이’라는 컨셉으로 첫 번째 컴필레이션을 발매하기까지 이르렀다.

 

팬들 사이에서 장난스럽게 쓰이던 문구 ‘밴드 붐은 온다’가 정말로 최근의 흥미로운 담론이 되어버린 요즘. 밴드 음악을 소개하는 채널을 넘어서 하나의 음악 커뮤니티를 형성되었다고 볼 수 있을 법한 해당 채널은 어떠한 관점으로 밴드 음악을 바라보고 있을까. 채널 ‘밴드 붐은 온다’의 운영자를 만나 컴필레이션을 제작하게 된 배경부터 인스타그램 매거진의 운영 방향성, 그리고 밴드 음악에 관한 여러 이야기를 나눴다.

 

 

Q. 간단하게 자기소개 부탁드립니다.

 

인스타그램에서 국내외 밴드 소식을 흥미로운 포맷으로 전달하는 AoB 밴드 붐은 온다 채널(@ageofband) (이하 ‘밴붐온’)의 운영자 김이준입니다.

 

 

Q. 밴붐온 채널이 놀라운 점이 매번 새로운 밈을 바로 콘텐츠화한다는 건데요. 정말 쉽지 않은 일인데, 혹시 비결이 있으신가요?

 

독립적인 채널이다 보니 별 다른 저항 없이 올릴 수 있어서 신속한 편인 것 같아요. 아무래도 회사가 있는 계정에 올라가는 콘텐츠들은 워싱도 필요하고, 여러 가지 절차가 필요하잖아요. 아티스트의 존엄성을 해치지 않는 수준에서, ‘귀엽네’하고 넘어갈 수 있는 정도로 선을 잘 지키는 게 비결이 아닌가 싶습니다. (웃음)

 

 

 

 

Q. 인터뷰를 시작하기에 앞서 밴붐온 채널을 운영하게 된 본격적인 계기가 궁금합니다.

 

채널을 운영하기 전에, 그러니까 2023년 5월, 11월에 친구 두 명과 함께 두 차례 대학동아리 락 페스티벌을 DIY로 만들었어요. 팀 이름은 ‘Noisy Neighborhood’였구요.  각 대학에서 잘하는 밴드 동아리들을 찾고 DM으로 섭외해서, ‘생기 스튜디오’랑 ‘복합문화공간 에무’ 두 곳에서 페스티벌을 만들었어요. 그런데 계속 지속하기가 어렵더라구요. 테라스와 무대가 같이 있는 공연장을 서울에서 찾기가 어렵기도 하고, 사업적 노하우도 전무하다 보니 돈을 벌기도 쉽지 않았어요. 그때 즈음 팀원들이 대학을 졸업할 시기였어서 페스티벌 기획은 중단하고 다른 길을 찾고 있었어요. 결국 친구 두 명은 각자의 길을 걷게 되었고, 그 일을 계기로 이 쪽 일에 본격적으로 관심이 생겨서 여러 가지 궁리들을 하게 됐죠. 인터뷰 기회를 빌려 함께 페스티벌을 만들었던 제 친구 강동천, 곡여민에게 진심으로 고맙다는 말을 꼭 전하고 싶습니다. 쑥스러워서 직접은 못 말하거든요. (웃음)

 

그러다 문득 아이디어가 떠올랐어요. 그저 밈(meme)을 올리는 채널을 만드는 거죠. 채널명을 거창하게 짓지 않은 이유도 지금의 모습이 될 거라 전혀 예상 못해서였어요. ‘밴드 붐은 온다’라는 말은 그 당시에도 쓰고 있었던 말이었고. 이미 ‘밴드 붐은 온다’라는 유튜브 플레이리스트 채널이 유명하기도 했구요.  ‘힙합플레이야’, ‘호두아카이브’처럼 밈을 정말 잘 활용하는 힙합 채널도 있었어요. 그래서 밴드를 주제로 가벼운 콘텐츠를 올리면서 자기만족용으로 재미있는 콘텐츠를 올리게 됐어요. 그렇게 23년 12월 1일에 밴붐온 채널이 시작된 거죠.

 

 

Q. 어느 시점부터 채널이 잘 되고 있다고 인기를 실감하셨나요?

 

제가 집 밖을 잘 안 나가요. (웃음)  사실 맨날 일 하기도 바쁘구요, 공연장에서도 그냥 지인들이랑 조용히 공연만 보고 오고, 그래서 사람들이 밴붐온 채널을 보는 걸 본 적도 없어요. 아직 잘 실감이 안 나요. 이따금씩 매체들에서 다뤄주시면 ‘신기하다’, ‘감사하다’ 정도인 것 같아요.

 

 

Q. 채널을 들어갈 때마다 팔로워가 쑥쑥 늘고 있더라고요.

 

질문에 답변하기가 부끄럽네요. (웃음)

 

 

Q. 어느덧 7.8만 명의 팔로워를 보유하고 계신 덕분인지, 유튜브나 커뮤니티 사이트 등 다른 채널들도 만들어졌어요. 최근에는 블로그도 개설하셨잖아요.

 

각 채널마다 만들어진 목적이 있긴 해요. 가장 먼저 만들어진 건 커뮤니티예요. 원래 오픈 채팅으로 만들려 했는데 아무래도 팔로워들이 연령대가 어린 편이다 보니 관리가 안될 것 같아서 포기했어요.  디시인사이드라는 플랫폼 자체가 진입 장벽이 높긴 하지만, 찾아보니 갤러리 만드는 게 정말 간편하더라고요? 채널을 보는 사람들도 정보를 생산하면 더욱 재미있겠다는 취지로 간단하게 개설해봤어요. 일종의 실험이였죠. 만들어놓고 사실상 방치했는데, 얼마 가지 않아 자생력을 잃더라고요. 이후에는 유튜브 채널을 개설했어요. 분량 제한이 없으니, 확장성이 높잖아요. 공연 영상이나 길이가 긴 플레이리스트를 올릴 수도 있고, 여러모로 만들어두면 좋을 것 같았어요.

 

그리고  채널을 유심히 보면  예전보다 톤이 점점 차분해지고 주관이 점점 덜 개입되고 있어요.  채널이 커질수록 조심해야 한다는 생각도 들고, 너무 캐주얼하기만 하면 채널에 의미 있는 협업을 풀어내기 어렵더라고요. 그런 과정에서 캐주얼한 콘텐츠는 아예 블로그에서 풀어보면 어떨까 싶었어요. 그래서 블로그는 최근에 밴붐온 채널에 들어오신 에디터 분께서 밴붐온 ‘외전’ 느낌으로 콘텐츠를 제작해주고 계십니다.

 

 

 

 

Q. 밴붐온 채널에서 포크라노스의 음악이 많이 소개되는걸 봤어요. 음악을 디깅하는 방법으로 포크라노스 홈페이지를 언급하기도 했구요. 되게 반가웠어요. 최근에도 좋게 들은 음악이 있으신가요?

 

penguin apt 정규 앨범  좋았어요. 이 밴드는 밴드캠프에서 찾아듣곤 했는데 포크라노스에서 보니 더 반갑더라고요. 행간소음의 정규 앨범도 좋았고, BABO의 [b]도 너무 좋게 들었어요.

요즘은 싱글 위주로 나오니까 아무래도 EP나 정규를 좀 더 응원하게 되더라고요.

 

 

Q. 채널이 계속 성장하고 있는데, 물 들어올 때 노를 젓는 느낌입니다. 최근에는 컴필레이션 앨범 [AoB 컴필레이션 앨범 Vol.1 : 돌연변이]까지 제작했어요. 앨범을 제작하기까지의 배경도 궁금합니다.

 

어느 날 을지로에서 지인과 맥주를 마시다가 컴필레이션 앨범 얘기가 나왔어요. 혹시 2012년에 발매된  [Seoul Seoul Seoul]이라는 컴필레이션을 아시나요? 서울에서 음악활동을 영위하는 뮤지션들의 이야기를 담은 컴필레이션인데, 라인업이 되게 멋있어요.

 

 

Q. 모임 별의 트랙이 수록된 검은색 커버의 앨범인가요?

 

네 맞아요. 암전된 대한민국 지도에 불이 켜져 있는 컴필레이션인데요. 너무 좋아해서 CD도 갖고 있거든요. 말고도 제비다방 컴필레이션, 포크라노스 컴필레이션 등이 있기도 하고. 아무래도 앨범의 방식으로 소개해야 가장 시끌시끌하게(?) 알릴 수 있겠더라고요. 솔직히 말하면, 뭔가 ‘컴필레이션’이라는 단어가 멋져 보였어요. (웃음) 공식적인 프로젝트를 해보고 싶은 찰나에, 지인이 “컴필레이션을 내보면 어때?”라고 말해준 거죠.

 

처음에는 ‘컴필레이션’이 되게 거창한 단어처럼 느껴져서 채널에서 발매할 수 있을 거라고 생각도 못 했는데, 그 말을 듣고 보니 용기를 내 봐야겠다 싶더라고요. 텔레포트 컴필을 제작하셨던 승준 님께도 여쭤보면서 도움받았던 것 같아요.

 

 

 

 

 

Q. 평소 컴필레이션 앨범에 관심이 많으셔서 그런지, 밴붐온 컴필레이션 앨범의 컨셉도 꽤나 독특했어요. 앨범의 전체적인 컨셉을 설명해 주실 수 있나요?

 

제목이 모든 걸 설명하는 앨범이긴 해요. 포크라노스 홈페이지만 들어가도 알 수 있지만, 세상에 정말 많은 음악이 나오고 있고, 밴드도 많잖아요. 그중에서도 유독 눈에? 귀에? 띄는 분들이 계셨어요. 평소 디깅하면서도 관심 있게 보고, 뭔가 같이 해보고 싶은 아티스트 분들이 계셨죠. 되게 독창적인 음악을 하고, 본인의 컨셉이 확실한 분들이요. 그래서 그런 분들을 ‘돌연변이 도감’으로 모아 사람들에게 소개해보면 좋을 것 같아 제작하게 되었어요.

 

Q. 밴붐온 측에서 먼저 기획하고, 이후에 섭외에 들어간거죠? 실제로 처음 발매를 해보니 어떠셨어요?

 

완전히 섭외로 이루어졌어요. 연락을 드려서 이런 프로젝트를 준비 중인데, 참여해 주실 수 있는지 제안드렸어요. 아무래도 유통이라는 것에 대한 이해도가 없다 보니 진행하는 과정에서 변경된 부분도 있었고요. ‘기발매’ 컴필레이션을 제작하는 과정이 생각보다 쉽지 않더라고요. (웃음) 에디터분이 컴필레이션을 제작하던 중에 합류하게 되었는데, 이미 업계 경력이 있으셨던 분이라 나름 원활하게 진행될 수 있었어요.

 

 

 

 

Q. 말씀 주신 것처럼 라인업은 독창적인 프로덕션을 진행하는 분들로 꾸려졌다고 할 수 있겠네요.

 

말 그대로 ‘돌연변이’ 같은 분들을 섭외했어요. 각자마다 기준이 다르겠지만, 그 판단 기준에는 기획자의  주관이 들어갈 수밖에 없잖아요. 다행히 발매 후에는 여러 매체에서 많이 도와주셔서 많이 알릴 수 있었어요. 당연히 모든 몫이 아티스트 분들한테 전부 돌아갔으면 좋겠고요.

 

 

Q. 1번 트랙 ‘돌연변이’를 제외하고는 이미 발매된 음원들인데요. 기발매곡들은 어떤 기준으로 큐레이션했는지 궁금합니다.

 

에디터 분과 함께 조정 과정을 많이 거쳤는데, 가장 대표적인 예시가 5번 트랙 “에로틱웜즈익스히비션 – pickle me..”랑 7번 트랙 “고고학 – 파도”까지로 연결되는 흐름이에요. 모든 트랙이 최대한 부드럽게 이어질 수 있게 배치했어요. 그러면서도 참여하신 분들의 디스코그래피 중 ‘대표곡’ 느낌의 곡들을 위주로  셀렉했던 것 같아요. 아무래도 대표곡은 가장 리스너들에게 좋은 첫인상을 주는 곡들일테니까. 수록된 곡들로 하여금 아티스트의 다른 곡들에 관심이 생기게 기획한 부분도 있었습니다.

 

 

Q. 1번 트랙 “김승주 – 돌연변이”는 이번 컴필레이션을 위해 제작된 곡이잖아요.

 

사실 비하인드 스토리가 있긴 해요. 예전에 짜두었던 순서가 있었는데, 여러 사정으로 진행 흐름이 조금 바뀌기도 했어요. 원래는 인트로 없이 “도시폭격”를 수록하려고 했는데. 그런데 승주 님 측에서 도시 폭격에 어울리는 인트로를 제작할 수 있다고 의견을 주시더라고요. 그리고 기적적으로 일이 진행이 잘 돼서, 새로 발매된 인트로 트랙까지 컴필레이션 앨범에 수록됐어요.

 

 

 

 

Q. 컴필레이션을 듣는 분들이 어떤 포인트를 중점적으로 듣는다면 좋을 것 같으세요?

 

우선 처음부터 끝까지 다 들어보셨으면 좋겠어요. 기발매 트랙들이다 보니 유기적인 구조를 완벽하게 짜기가 어렵고, 또 리스너 입장에서 50분에 달하는 앨범을 끝까지 듣기가 쉽지 않은 일이잖아요. 그럼에도 노래들을 새롭게 발견한다는 느낌으로 모든 트랙을 끝까지 들어주셨으면 좋겠어요.

 

그리고 그  음악이 마음에 든다면, 아티스트 분들의 다른 곡들도 꼭 들어보셨으면 좋겠어요. 이번 컴필레이션은 플레이리스트라기보다는 큐레이션에 가깝기도 해요. 제가 의도한  건 함께한 밴드들의 다른 곡을 들어보는 거거든요.

 

 

Q. 컴필레이션 제목에 Vol.1 표시가 붙었어요. 앞으로의 컴필레이션도 기대해 봐도 좋을까요?

 

넵. 계속할 것 같아요. 정확한 시기는 아직 잘 모르겠지만, 매년 한 번씩은 꼭 하고 싶어요. 이번 컴필레이션이 총 12곡이거든요. 10곡이 넘어가는 규모이다 보니 제작이 어려웠어요. 그래서 다음부터는 아예 새로운 트랙으로 3~5곡짜리 EP 분량으로 제작하면 어떨까 싶기도 해요.

 

 

 

 

Q. 채널 운영에 대한 전반적인 이야기도 나누고 싶어요. 이제는 인스타그램 매거진이 아티스트들한테 주요한 마케팅 수단이 됐잖아요. 매체 자체가 주목받는 만큼 운영에의 고충도 있을까 싶어요.

 

많죠. 채널의 규모가 커질수록, 더욱 많은 사람들이 좋아하는 대중적인 콘텐츠를 다뤄야겠다는 생각이 들어요. 그렇게 채널 이탈률을 방지하면서 다양한 밴드들을 조명하고 싶어요. 갈수록 채널에서 다루는 아티스트의 범위가 좁혀진다고 부정적인 반응도  있어요. 실제로는 채널을 유심히 보면 그렇지 않거든요. 나름 밸런스를 잘 맞추고 있다는 생각이 드는데, 그럼에도 비난을 받으면 마음이 아프죠. ‘도대체 얼마나 좁혀지길 원하나’ 싶기도 하고요.

 

그리고 요즘은 인스타그램 매거진이 정말 많은데, 매거진마다 각자의 역할이 있다고 생각해요. 특정 장르나 분야를 타이트하게 다루는 채널도 많아졌어요. 채널에서 그런 매거진들을 소개하면 오히려 좋지 않을까 싶기도 해요. 채널의 규모와 개성에 맞게 콘텐츠를 뾰족하게 다루고, 매거진마다 각자의 색깔을 만들어가면서 각자의 콘텐츠에 충실해지는 게 좋지 않을까 싶어요.

 

 

Q. 실제로 음악계에 어떤 소식이 생기면 여러 채널이 우르르 모든 소식을 동일하게 올리는 것 같다는 느낌을 받기도 했어요. 인스타그램에 들어가면 전부 동일한 정보가 소개되는 거죠.

 

맞아요. 실제로 요즘 많이 고민하고 있는 지점이기도 해요. 그래서 그런 뉴스도 다루되 좀 더 정성이 담긴  콘텐츠를 만들고 싶어요.

 

‘인스타 매거진’이라는 형태가 제작 접근성이 좋다 보니 잘못되거나 가벼운 정보를 전달할 수 있는 위험성도 있는 것 같아요. 그런 측면에서는 인스턴트한 정보만 담기지 않도록 더욱더 자료 조사를 확실히 하고 주의를 기울여야 한다고 생각해요.

 

 

 

 

 

Q. 채널을 운영하면서 팬들의 반응을 가장 직접적으로 확인할 수 있을 것 같다고도 생각했어요. 현재의 밴드 씬에 있어서 여러 밴드 팀이 참고할 만한 가장 중요한 포인트는 무엇이라고 생각하세요?

 

공식 계정이 첫인상이라고 생각해요. 물론 음악만 만들기도 정말 바쁘시지만, 요즘엔 SNS 계정 역시 챙겨야 하는 시대라고 생각해요. 공식 계정이 생각보다 더 중요하거든요. 처음 보는 밴드를 인스타그램에 검색했을 때, 팔로우하고 싶게 만들어야 해요. 그래서 명확한 음악적 컨셉을 갖고 센스 있는 방식으로 풀어내는 게 중요한 것 같아요. 보는 사람 입장에서는 그런 부분도 다 신경 쓰거든요. ‘되게 감각적이다’라는 인상을 받을 수 있게요.

 

사실 공연 포스터나 여러 정보를 올려야하니 톤앤매너가 흐려지기 쉽겠지만, 그래도 어느 정도 신경 써야 한다고 생각해요. 온라인 자체 콘텐츠도 만들고. 본인들이 채널에 매거진 형식으로 올릴 수도 있는 거고. 커버나 릴스를 찍는 것에 대해서는 열려 있는 밴드도 있고, 내 창작물이 아닌 걸 내 채널에 올리는 것에 부정적인 밴드도 있겠지만, 저는 그렇게 해서라도 불특정 다수에게 한 명이라도 홍보하는 게 의미가 없지 않다고 생각해요.

 

 

Q. 좋은 음악이 세상에 너무 많죠.

 

지금 잘 되고 있는, 혹은 성장세를 보이고 있는 밴드들은 하나같이 음악뿐만 아니라 다들 비주얼적 센스들이 정말 좋으신 것 같아요.

밴드 자체도 기믹이 필요하다고 생각해요. 컴필레이션에 소개된 김승주 님도 소년만화 컨셉을 제대로 활용하고 계시고, 유령서점도 본인들만의 귀엽고 컬트적인 기믹이 있거든요. Leaveourtears나 고고학도 마찬가지고, 본인들만의 컬러가 확실해야 될 것 같아요. 사운드와 비주얼적 부분들이 일관된 플로우를 가지고 있다면  분명 그 컨셉에 매력을 느끼는 고정 팬들이 점점 늘거라 생각합니다.

 

 

Q. 최근에는 아시아 페스티벌에 대한 콘텐츠도 다루고, 협업도 다양하게 하고 계세요. 판을 깔아주는 역할을 잘하고 있는 관점에서 봤을 때 포크라노스는 지금 어떻게 흘러가고 있다고 생각하시나요. (웃음)한국 인디 씬에 관심 있는 외국 사람에게는 포크라노스 홈페이지를 둘러보는 게 가장 좋은 디깅 방법이 아닐까 싶어요. RYM이나 밴드 캠프 역시 많이들 사용하는 추세지만, 포크라노스는 원체 브랜딩이 정말 잘 되어 있는 유통사잖아요. (웃음)

 

 

 

 

Q. 앞으로의 ‘밴드붐은온다’라는 채널 혹은 하나의 커뮤니티는 어떻게 나아갈까요? 궁극적인 운영의 방향성이 궁금합니다.

 

사람들이 채널에 꽤 많이 모여계시잖아요. 올해는 정말 라이브 음악을 소개하고 싶습니다. 이 말은 즉 공연 및 오프라인 이벤트를 의미하는 거고, 시간이 허락하는 한, 공연을 정말 만들고 싶어요. 저 역시도 오프라인 활동을 더욱 많이 경험하고 싶구요.

 

채널의 유형을 단정 짓지 않는다는 부분이 밴붐온 채널의 강점인 것 같거든요. 그래서 사실 목표를 정확하게 짚기 어려워요. 앞으로 어떻게 흘러갈지도 예측이 힘들기도 하고, 정해놓으면 뭔가 생각이 막히는 느낌이에요. 밴드를 재미있는 방식으로 소개하고픈 마음은 여전하고, 공연이나 팝업, 오프라인 행사의 형태로 팬들이 직접 체험할 수 있는 이벤트를 진행하고 싶어요. 더 큰 매체들에 출연해서 알리고 싶은 마음도 있고요.

 

 

Q. 컴필레이션 앨범을 만들었으니, 다음 차례는 공연인가 보군요.

 

직접적으로 라이브를 본다는 감각이 중요한 것 같아요. 최근에 공연을 볼 일이 있었는데 밴드 라이브를 처음 경험하는 친구와 함께 공연장을 다녀왔어요. 그런데 그 친구가 공연을 보고 오더니, 이후로부터 그 기획공연에 출연한 아티스트들의 곡들을 찾아 듣는 거예요. 공연이 너무 좋았다고.

 

인디 밴드들은 각자의 색깔이 정말 확실하잖아요. 평소 밴드 사운드에 생소하셨던 분들에게는 라이브 밴드 사운드가 주는 파괴력이 강렬하게 와닿는 것 같아요. 그래서 가장 유효한 포인트가 오프라인 경험이라고 느껴졌달까요.

 

 

 

 

Q. 밴드의 매력을 느낄 수 있는 가장 큰 방법의 하나가 공연이라는 말씀이신 거죠?

 

네, 라이브를 보는 것. 이런 오프라인·공연의 문화가 생소한 분들은 가격 측면에서 부담이 될 수도 있고, 관심은 있지만 주변에 갈 사람이 없을 경우에는 혼자 보러 간다는 개념 자체가 무섭게 느껴질 수 있잖아요. 이런 진입 장벽을 최대한 낮춘 공연을 만들고 싶어요.

 

 

Q. 결국 오프라인 행사까지 고민할 수 있는 이유는 온라인상에서 재미있는 콘텐츠를 많이 생산한 덕분인 것 같아요.

 

그런가요? 채널이 확장되면서 저 역시도 많은 부분을 고민하고 있는데요,. 조금은 덜 자극적으로 콘텐츠를 제작해야 할 것 같다는 생각은 들어요. (웃음)

 

 

Q. 어느덧 인터뷰가 끝나가는데요. 밴붐온 채널을 보는 분들께 하고 싶은 말씀을 들어보면서 인터뷰 마무리해 보겠습니다.

 

밴붐온 채널이 단순히 운영하는 사람의 기회가 아니라 우리 모두의 기회라고도 생각해요. 그래서 채널 자체를 하나의 사회 현상처럼 받아들여 주셨으면 좋겠어요. 그리고 그 사회 현상을 응원해 주시고 무엇보다 예쁘게 봐주셨으면 좋겠어요. 조금 유쾌하게 채널을 받아들여 주셨으면 좋겠습니다. (채널 뒤에 사람이 있습니다…)

 

앞으로도 채널이 지속될 수 있도록 응원해 주시면 좋겠고, 앞으로도 재미있는 것들을 열심히 만들어보려고 합니다. 지금도 좋게 봐주시는 부분에 대해 너무 감사드리고, 다 같이 멋진 밴드들을 응원하고 이 여정에 함께해 주시면 좋겠어요. 마지막으로 이렇게 좋은 인터뷰 기회를 주신 포크라노스에게도 감사합니다.

 

 

 

사진제공 | AoB (밴드 붐은 온다) (@ageofband)

Interview | 박현영

 

매일 조금씩 변하는 자신을 발견해 내는 세심함, 강지원 첫 EP [Weather] 발매 기념 인터뷰

Posted on by poclanos

 

 

매일 조금씩 변하는 자신을 발견해 내는 세심함, 강지원 첫 EP [Weather] 발매 기념 인터뷰

 

좀처럼 날씨를 예상하기 어려운 요즘이다. 언제는 갑작스럽게 폭설이 내리면서 추워지더니, 글을 쓰는 지금의 공기는 가을처럼 선선하기만 하다. 기온이 다시 영하권으로 떨어진다는 소식을 들으며 이제서야 겨울이 다가왔음을 실감한다. 뒤죽박죽 정신없는 현재의 날씨를 예상이라도 한 듯, 싱어송라이터 강지원 (Kangziwon) (이하 ‘강지원’)이 [Weather]라는 이름으로 ‘똑같은 날씨의 하루는 없다’라는 메시지를 담은 미니 앨범으로 돌아왔다.

 

일상 속의 미묘한 감정 변화를 섬세하게 감지해낸 [Weather]는 강지원이 자신의 이름으로 처음 선보이는 EP이기도 하다. 데뷔 이전부터 서울예술대학교 작곡 부문을 수석으로 입학하며 주목을 받았을 뿐만 아니라 이후로도 여러 굵직한 활동을 보여왔던 강지원. 그는 아이유의 여섯 번째 미니 앨범 [The Winning]의 스트링 편곡을 비롯한 각종 프로듀싱 작업과 놀이도감 밴드셋의 건반 연주로 참여 뿐만 아니라, 강지원 개인으로 꾸준히 싱글을 발매하며 멋진 커리어를 쌓아가고 있다. 그렇기에 첫 미니앨범이라는 소식이 유독 반갑게 들린다.

 

탄탄대로처럼 느껴지는 멋진 커리어일지라도, 아티스트 개인에게는 모든 순간이 언제나 화창하지만은 않을 것이다.  프로듀서, 연주자, 그리고 싱어송라이터라는 역할에서 각각 주어지는 각각의 업무들이 폭풍처럼 밀려오기도 하고, 계속해서 커져가는 기대감에 부담감이라는 구름이 잔뜩 드리우는 날도 존재할 것이다. 예측할 수 없는 환경 속에서 강지원은 한걸음 떨어져서 자신을 바라보기를 택한다. 그는 자신의 취향과 감정을 세심하게 들여다보고 진정으로 원하는 것에 귀 기울였다고 말하며, 편안하고 자연스러운 앨범의 분위기 속에서 한층 더 성장한 모습을 보여준다. 요즘처럼 추워지기 직전, 선선한 어느 가을날에 강지원을 만나 음악을 시작하게 된 계기부터 첫 미니앨범 [Weather]를 발매하기까지의 다양한 순간들에 관한 이야기를 나눴다.

 

 

 

 

Q. 안녕하세요. 간단하게 자기 소개 부탁드립니다.

 

안녕하세요. 저는 싱어송라이터이자 프로듀서로 활동하고 있는 강지원입니다. 만나서 반갑습니다.

 

 

Q. 최근에 첫 단독공연을 진행하셨잖아요. 잘 마무리하셨나요?

 

버스킹이나 게스트, 아니면 세션으로 무대를 서보다가 제 이름으로 직접 공연하는 게 처음이다 보니 신경이 많이 쓰이더라고요. 90분이라는 긴 시간 동안 혼자 노래를 불러야 해서 많이 어려웠어요. 배움의 자세로 임했어요. (웃음)

 

먼데이 프로젝트에서 매 기획공연마다 이벤트를 준비해주시거든요. 팬들이 공연을 다 본 이후에 편지를 적어주시면, 그걸 엮어서 전달해 주세요. 그 편지들이 엄청 느껴졌어요. 공연장에서 저를 보러 와주신 분들의 눈빛을 받는 것도 마찬가지고요. 사실 공연이 끝난 이후에 약간의 공허한 감정을 느꼈는데, 편지가 다시 마음을 채워주더라고요. 되게 좋았어요.

 

 

 

 

Q. 말씀주신 것처럼 세션 활동 뿐만 아니라 저작자로도 참여하는 등 다양한 활동을 해오고 계시잖아요. 음악을 본격적으로 시작하게 된 건 언제쯤이에요? 

 

음악은 어렸을 때부터 정말 좋아했어요. 음악을 들으면서 지금 듣고 있는 음악의 실제 연주자가 되는 상상도 하고 그랬어요. 중학생 때는 록 기타리스트가 꿈이기도 했고요. (웃음)

 

제가 어렸을 때는 오디션 프로그램이 성행할 때였거든요. 슈퍼스타K, 케이팝스타 같은 방송을 보다 보면 기타 한 대 들고나와서 노래하시는 분들이 되게 많이 나왔어요. 그런데 정말 멋있더라고요. 그래서 부모님을 졸라서 통기타를 처음으로 샀었어요.

 

 

Q. 예술고등학교에 입학한 걸로 알고 있는데, 중학생 때부터 예술 분야에 계셨던 거예요?

 

중학교는 살던 집 근처 학교를 나왔고, 원래는 음악과 상관없이 공부를 열심히 하던 학생이었어요. 취미로 기타를 치면서 코드를 배우고, 기타 코드를 다른 악기에 적용해서 피아노 반주를 치고 그랬어요. 초등학교 때 클래식을 조금 배워둔 게 있다 보니, 기타를 배울 때보다 더 빠른 속도로 건반 실력이 늘더라고요. 그런 식으로 독학을 하다가, 어느 날 친구가 같이 다니는 교회의 찬양팀 연주를 해보자는 제안을 줬어요. 음악이라는 게 정말 재미있는 놀이에 가까웠고, 그래서 언제든지 자유롭게 음악을 배울 수 있는 고등학교를 가고 싶다는 생각이 들었어요.

 

작곡 전공으로 들어갔거든요. 악기를 연주하는 것도 좋고, 곡을 직접 만드는 것도 좋았지만 부모님 허락을 받으려고 제일 멋있어보이는 작곡 전공을 골랐어요. 작곡 자체에 엄청난 큰 뜻이 있었다기보다는 음악하는 게 좋아서 부모님을 꼬시기 위해 선택했던 스노우볼이 이렇게 굴러갔네요. (웃음)

 

 

Q. 이렇게 열심히 활동하시는 걸 보면, 부모님을 잘 설득했다고 봐도 되겠네요.

 

예술고등학교를 가는 것도 많이 반대하셨어요. 공부를 열심히 하던 아이였어서, 부모님은 외국어 고등학교를 가길 바랐거든요. 저는 막상 가면 숨을 못 쉴 것 같더라고요. ‘우선 예술고등학교 시험을 보고, 붙으면 그때 가서 결정하자’고 이야기했는데, 수석으로 붙어서 가게 됐어요. 아무래도 부모님께 어떤 음악을 할지에 대해 상세하게 설명드리는 것보다 장학금을 타게 됐다고 말씀드리는 게 훨씬 효과적이잖아요. 다행스럽게 부모님을 잘 설득할 수 있었어요.

 

 

유치원 시절의 모습
고등학생 시절의 모습

 

 

Q. 예고도 수석으로 입학하셨군요? 서울예술대학교 실용음악과 작곡 전공도 학부 수석으로 입학하셨잖아요.

 

음악 고등학교에서는 별도의 교과목이 따로 없어서 예술 대학교에 진학하는 것 말고는 선택지가 많이 없어요. 당연히 예대를 가야겠다고 생각했지만, 입학한 선배들을 보면 정말 커 보이잖아요. “어떻게 예대를 붙었지?”, “내가 할 수 있을까?”라고 생각했어요. 불안하기도 하고, 모두가 하던 걱정을 했었죠.

 

수석으로 입학했다는 사실은 합격 이후에 알게 됐어요. 학교에서 직접적으로 고지해 주진 않고, 등록금으로 추정되는 금액이 통장으로 들어오더라고요. 되게 묘했어요. 물론 뿌듯한 감정도 있었지만 어디까지가 운이고, 어디까지가 실력인지 혼란스럽기도 했어요. 그래도 스스로 대견하기도 하고, 부모님이 자랑스러워해주셔서 좋았습니다. 딸이 음악을 하도록 허락해 주신 것에 대한 보람을 좀 느끼게 해드린 것 같아요.

 

 

Q. 입학 후 다른 친구들의 반응은 어땠나요? 확실히 수석이라는 걸 인식하고 있었을 것 같아요.

 

안 그래도 조금 부담감이 있었어요. 막상 학교에 오니까 잘하는 친구들이 너무 많은 거예요. 제가 수석이라는 사실을 모두가 아니까 기대하는 것 같더라고요. 막 엄청 미친 사람처럼 연주하거나, 천부적인 재능을 갖고 있다기보단 그냥 그냥 꾸준히 하다가 이룬 거라 생각하거든요. 그런데 엄청난 걸 기대하는 느낌을 받아서 부담이 됐어요.

 

그래서 20살~21살 즈음에는 편하게 곡을 못썼어요. 모두를 만족시켜야 한다는 강박에 사로잡혀있었어요. 21살부터 코로나 때문에 비대면으로 졸업을 하고, 일주일에 한 번 정도만 학교에 갔었어요. 학교생활에만 매몰되지 않고 바깥 활동을 하면서 오히려 마음이 좀 편해졌던 것 같아요.

 

 

 

 

 

 

Q. 대학 입학 전부터도 작곡을 계속 해왔잖아요. 본격적인 음악 작업을 그때부터 시작한 건가요?

 

처음에는 돈을 제대로 벌기 위해서 했다기보다는, 학교 과제나 공모전으로 시작했어요. 그런데 지금 생각해 보니 그때 해왔던 숙제들이 전부 프로듀싱의 단계였더라고요. 악보로만 존재하던 곡들을 밴드로 만들고, 녹음하는 과정 자체가 재미있어서 가슴 뛰었던 기억이 있어요.

 

편곡은 한 스무 살 즈음부터 했고, 그것도 스트링 편곡이나 피아노 연주를 통해 공동 편곡을 하는 식으로 진행했어요. ‘프로듀서로 혼자 일해볼 수 있겠다’고 마음먹은 건 23살 즈음인 것 같아요. 그전까지는 항상 서포터의 입장에 가까웠고, 그때부터 프로듀서로 진행할 수 있는 능력이 생긴 것 같아요.

 

 

Q. 아이유 6번째 미니앨범 [The Winning]에 함께한 이야기도 빼놓고 말할 수 없잖아요. 확실히 대중에게 많은 사랑을 받은 아티스트의 작업물에 참여하는데, 무게감이 조금 달랐나요?

네, 너무 달랐어요. 일단 저희 세대는 모두 아이유 님을 보면서 자라잖아요. 당시에 그분의 디스코그래피를 차근차근 밟아가면서 꿈을 키웠는데, 앨범에 참여했다는 사실이 너무 의미 있었죠. ‘나 정말 꿈을 이루고 있을지도?’라고 생각하게 만든 작업이였어요. 일을 제안해 주고 맡겨준 제휘 오빠한테 다시 생각해도 너무 고맙죠.

 

 

Q. 유라, 아이유를 비롯한 여러 편곡 작업을 진행하면서 개인 작업물을 만들 때 영향을 받기도 했나요?

 

저는 영향을 정말 많이 받는 편이에요. 감사하게도 지금까지 시도해본 적 없는 분야들에 관해서도 작업 의뢰받는 경우가 많았어요. 예를 들어 누군가 신디사이저 세션을 해달라고 하면, 잘 모르더라도 배워가면서 습득해가며 임했어요.

 

당시엔 잘 몰랐지만, ‘지원이는 할 수 있어’라고 믿어주시니까 제안해 주셨던 거잖아요. 여차저차 의뢰도 받고 진행하는 과정에서 습득하고 쌓인 것들이 꽤 많아요. 같이 작업했던 분들의 영향을 받고 흡수를 하고 있는 것 같아요.

 

 

 

 

 

 

Q. 지원님의 데뷔 싱글 [Your room without you] 이후  발매된 [only u]에서는 Sam Kim 피처링이 눈에 띄어요. 두 분은 어떻게 같이 작업하게 된 거예요?

 

Sam은 다른 친구들이랑 사석에서 놀러 다니다가 음악 취향이 비슷해서 친해졌어요. 대화를 하다 보니까 서로 겹치는 좋아하는 노래가 많아서 ‘언젠가 같이 작업하자’고 가볍게 얘기를 나눴었어요. 워낙 멋있는 가수라서 처음에는 그냥 하는 말이겠거니 했어요. 원래 [only u]가 후렴구만 존재하던 30초짜리 데모였는데, 무슨 자신감이 든 건지 무턱대고 같이 작업하고 싶다고 카카오톡으로 러브콜을 보냈어요. 근데 너무 흔쾌히 오케이해 주셔서 진짜 행복했죠.

 

녹음을 받을 때도 정말 좋았어요. 원래부터 Sam Kim 덕후여서 혼자 콘서트를 보러가서 막 울면서 봤었거든요. DM으로 막 ‘너무 고마워요’ 이런 것도 보내고, 19살 때. (웃음) 어쨌든 엄청난 성덕인데, 서로 인스타그램 맞팔로우를 하면 채팅창을 다 볼 수 있잖아요. 그러다가 과거에 떨었던 주접을 들켜버린 거예요. (웃음) 그때 굉장히 웃기면서도 진짜 부끄러웠어요. 어쨌거나 정말 고맙고 감사한 분이죠.

 

 

 

 

Q. 그러면 본격적으로 지원 님의 첫 미니앨범을 이야기해 보려고 해요. [Weather]에 대해서 간단하게 설명 부탁드립니다.

 

제 첫 번째 미니앨범 [Weather]는 ‘똑같은 날씨의 하루는 없다’라는 캐치프레이즈로 소개하고 있는 작품이고요. 매일매일 좋아하는 것과 싫어하는 것, 하고 싶은 것이 달라지는 어지러운 마음을 있는 그대로 담았어요. 총 4곡으로 이루어져 있고, 마지막 발매 이후로 전부 새롭게 만든 곡들이라 최근의 취향이 많이 녹아있어요.

 

이번 작업에서는 특별히 누군가에게 사랑받는 음악을 만들려 애쓰지 말자고 계속 되새기면서 작업했어요. 작업 도중에 나만의 것을 만들려고 고뇌하는 시간들은 괴롭기도 했지만, 그만큼 스스로 자유로워진 계기도 되는 것 같아요. 지금까지 가져왔던 강박을 내려놓으려고 많이 노력했어요.

 

 

Q. 어떤 종류의 강박이었나요?

 

제가 작가로서 일을 많이 하는 편이다 보니까, 무조건 정갈하게 만들어야 한다는 강박이 좀 있어요. 그런데 예전부터 제가 좋아해왔던 곡들은 정갈해서 좋아한 건 아니었거든요. 러프함에서 오는 자연스러움과 멋이 있잖아요. 정갈하게 다듬어가는 과정이 자연스러운 느낌을 희석시킬 때가 있더라고요. 그래서 처음에 작업했던 데모의 느낌을 최대한 살리고, 사운드적으로 깔끔한 것들을 최대한 지양했어요.

 

지금까지 작업하면서 만들어 둔 습관이 있잖아요. 평소처럼 작업하면 빠르게 끝낼 수 있을 텐데, 계속 새로운 시도를 하려고 노력했어요. 듣기에는 편안할 수 있지만 오히려 작업하는 시간은 더 오래 걸렸어요.

 

 

 

 

Q. 함께 A&R로 참여해주시는 ‘장세훈’ 님에 대해서도 언급하고 싶은데요. sehooninseoul 채널을 운영하면서 RM 프로젝트에 참여하셨던 분이잖아요. RSS RADIO 인터뷰 sehooninseoul 특집 편에서 잠깐 봤는데, 서로 자연스럽게 작업하게 됐다고 들었어요. 지원 님의 시각으로도 작업하게 된 이야기를 들어보고 싶어요.

 

2021년 쯔음에 사운드클라우드에 데모랑 커버를 많이 올렸었어요. 세훈님도 그 당시에 DJ로 활동하고 계셔서 맞팔을 하게 됐었죠. DM으로 연락을 나누다가 커피나 한잔하자고 이야기했더니, 알고봤더니 동네친구였어요. 음반을 곧 발매하고 싶다고 얘기를 하니까, 프리랜서 A&R로도 일하고 계셔서 의기투합하게 됐죠.

 

생각해보면 첫 발매부터 굉장히 수월했어요. 세훈 님의 역할이 엄청 컸었죠. 일도 정말 잘하시고 음악도 엄청 많이 듣고.

 

 

Q. 함께 작업할 때 특히 어떤 부분이 큰 도움이 되나요?

 

두 가지 정도가 있는데요. 데모에 대한 피드백을 직설적으로 해줄 수 있는 사람이 있다는 것. 다 좋다고 이야기해주는 사람만 있으면 발전하기가 어렵잖아요. 그런 피드백을 주는 사람이 있다는 것과 연락을 대신 해줄 수 있다는 것. 소통을 대신 해줄 수 있어서 예쁜 언어로 소통해주는 걸 도와주는 것 같아요.

 

 

 

 

 

Q. 매일매일의 특별함을 언급하는 앨범이라 그런지, 이번 앨범의 비주얼 컨셉도 사뭇 달라요. 헤어는 파격적인 오렌지 컬러로 탈색했고요. 비주얼적으로 시도하고자 했던 컨셉이 있을까요?

 

이번 앨범의 비주얼 디렉터로, SUMIN 님과 자주 작업을 하시는 Soyo 님이 함께 해주셨어요. 그 분이 ‘갑자기 오렌지 색으로 탈색해보면 어때?’라고 제안을 주셨어요. 앨범의 캐치 프레이즈처럼 예전의 저를 탈피하자는 맥락에서 어느날 갑자기 탈색도 할 수 있지 않겠냐고 제안주셨어요. 사실 저는 탈색에 조금 회의적이였거든요. 머릿결이 정말 상하기도 하고, 아시잖아요. 그런데 적극적으로 밀어붙이셔서 오렌지 컬러로 염색을 했어요. 오렌지원..이 됐어요. (웃음)

 

그리고 이번에 세훈, Soyo 님과 놀러갈 겸, 그리고 프로필 촬영할 겸 같이 떠났었어요. 그때 공유 플레이리스트를 만들었었어요. 이번 앨범의 컨셉과 잘 어울릴 것 같은 비주얼과 음악을 큐레이팅해서 모아놓으니까 60곡으로 꽉꽉 채워진 3시간 짜리 플레이리스트를 같이 들으면서 결이 맞는 자연스러운 모습을 담으려고 했어요.

 

 

Q. 어떤 곡이 있었나요? 플레이리스트 제목이 따로 있었는지도 궁금해요.

 

엄청 재미있었어요. 공유 플레이리스트의 제목은 일단 ‘FOR 지원’이구요. 이치코 아오바 (Ichiko Aoba), 조나 야노 (Jonah Yano), 클레오 솔 (Cleo Sol), 오케이 카야 (Okka Kaya)와 같은 아티스트 분들의 음악이 있었어요.

 

처음에는 Soyo 님이 열 몇 곡 정도를 넣어서 만들어주셨던 플레이리스트였는데, 액세스 해달라고 부탁드려서 다같이 참여했어요. 각자 고르는 음악의 색이 은근 다르다보니 재미있었어요. 생각보다 자주 듣는 장르가 아니였어서 이참에 흡수하려고 많이 노력했죠.

 

 

Q. 그밖에도 재미있는 프로젝트는 없었나요?

 

일본 여행이 아무래도 컸어요. 사진을 찍기 위한 과정이 꽤 길었거든요. 스타일리스트를 따로 고용하지 않고, 세훈님이랑 같이 스타일링을 했어요. 평소 입는 옷이나 스타일리스트 옷을 빌려서 코디와 착장도 정하고. 촬영 로케이션도 직접 정하고. 그런 과정을 대충이 아니라 진심으로 해주셔서 너무 좋았어요.

 

이번에 세훈 님이 RM님이랑 작업하면서 만난 일본 메이크업 아티스트 분한테 메이크업을 받기도 했어요. 사실 우리나라랑 일본 화장법이 다르다보니까 약간 두려웠는데, 너무 잘해주셔서 감사했습니다.

 

 

 

 

Q. 평소 SNS에 올라오는 작업 사진들을 보면, 앨범 커버를 중시여기는 것 같아요. [Weather]의 앨범커버를 통해 보여주고 싶었던 이미지가 있나요?

 

우선 이번 앨범 커버도 “Have you ever”, “only u”를 같이 작업해주셨던 노송희 작가님께서 진행해주셨어요. 예전 송희 작가님의 작업물들을 보고 연락을 드렸었는데, 이번에도 같이 하면 좋겠더라고요.

 

컨셉 보드를 딱히 드리진 않았고, 그냥 자유롭게 해달라고 요청드렸어요. 처음에 받았던 무드보드에서는 공드리 <수면의 과학> 영화를 보여주시면서 스탑모션의 느낌을 내보면 귀여울 것 같다고 의견을 주셨어요. 그리고 주전자를 너의 방으로 생각해서 네가 방에서 혼자 끓고, 맺히고, 그러다 구름이 되고. 그게 날씨가 되는 과정에 대해 생각해주셨는데, 정말 귀여운 거예요. 클레이의 질감도 잘 만들어주셔서 정말 마음에 들었어요.

 

 

 

 

Q. 구체적인 트랙에 관해서도 이야기 나눠볼게요. 2번 트랙 “Jubilee” 가사에서 지난 날을 회고하는 듯해요. 해당 트랙을 만들던 당시의 상황이 궁금해요.

 

“Jubilee”라는 트랙은 제목이 먼저 나온 상태에서 가사를 썼어요. ‘Jubilee’가 25주년이 되는 축제라는 뜻을 가진 단어거든요. 마침 제가 스물 다섯 살이 되기도 했고요. ‘우리는 사랑만 있으면 모든지 다 할 수 있어’라는 메시지를 담아 모두가 축제한다는 마음으로 만든 트랙이에요.

 

같이 작업을 하던 프로듀서이자 존경하는 아티스트 ‘schpes4’라는 친구가 있어요. 그 친구랑 “Jubilee”, “past24”를 작업했는데, B파트의 리듬이 어렵다고 계속 얘기했었어요. 저는 지금 너무 좋은데? 라면서 엄청난 토론을 하기도 했고요. 싱어송라이터 김효린 씨, 김민성 씨도 이번에 코러스에 참여해주셨어요. 일부러 합창단같은 느낌을 내려고 다양한 톤으로 여러 사람을 흉내내가면서 녹음하는 과정 자체가 재미있었어요.

 

 

Q. 말씀주셨던 3번 트랙 “pasta24”에서는 실리카겔의 기타리스트이자 놀이도감의 ‘김춘추’ 님이 직접 믹싱에 참여하기도 했어요.

 

맞아요. 사실 놀이도감을 함께 하게 돼서 기회가 생기기도 했고, 평소에도 춘추 님이 믹싱에 참여한 트랙을 많이 들었었거든요. 빈티지한 무드도 잘 어울릴 것 같아 부탁을 드렸는데 흔쾌히 해주셨어요. 정말 감사했고, 역시나 특유의 바삭바삭하고 빈티지한 질감을 잘 만들어주셔서 좋았죠.

 

 

 

 

Q. 음원을 귀 기울여 듣다보면 마지막에 웃음소리가 들려요. 재미있는 에피소드는 없었나요?

 

프로듀싱 단계에서 데이터를 보낼 때, 원래 페이드아웃을 하는 게 저희의 계획이였어요. 점점 사라지다보니 최대한 오랫동안 격하게 연주하자고 요청을 드렸어요. 그래서 첼로를 맡아주신 찬영님이 정말 열심히 긁어주셨는데, 갑자기 웃긴 거예요. 저희가 생각해도 그 상황 자체가 너무 어이가 없고. (웃음) 그래서 진행하다가 웃었는데, 그 데이터를 다 보내고 페이드 아웃을 춘추님께 요청드렸어요.

 

근데 스트링 뒤에 있는 웃음 소리가 매력있다고 얘기해주셨어요. 나였으면 스트링만 살리고, 나머지 악기는 페이드아웃할 것 같다고 말씀주셨어요. 저도 내심 사실 웃음 소리가 귀여웠거든요. (웃음) 그 의견에 힘이 실려서 자연스럽게 진행됐어요.

 

 

Q. 지원님의 유튜브 채널에 들어가보면 짤막한 뮤직비디오도 함게 올리셨잖아요. 특히 “pasta24”는 2000년대 아날로그 감성이 느껴지면서 좋았어요.

 

그것도 즉석의 기획이었어요. 원래는 폰카메라로 찍으려고 했는데, 친구가 디지털 카메라를 들고 왔더라고요. 그래서 디지털 카메라로 바로 찍어버렸어요. 세훈 님께서 꼭 흰 셔츠에 넥타이를 종류 별로 매야한다고 얘기해주셔서 저희는 네 하고 했죠. (웃음) 코러스 친구들이 정말 귀엽게 나왔어요.

 

 

 

 

Q. 트랙과 앨범 자체가 ‘일상 속에서 낯선 감각을 찾기’를 주제로 하는 해요. 매일 매일의 삶이 새롭기란 쉽지 않을텐데, 낯선 감각을 계속해서 발견할 수 있는 비결은 뭘까요?

 

사실 그런 비결은 없구요. 작업실이자 집인 공간에서 많이 나가지도 않고, 새로운 사람을 자주 찾아다니거나 어떤 이벤트를 만드는 스타일도 아니거든요. 매일 매일 새롭게 살고 있지는 않지만, 가끔가다 그런 감각이 찾아올 때가 있어요. 자주는 아니지만요.

 

그럴 때마다 제3자의 눈으로 바라보면서 ‘왜 이런 느낌이 들었을까?’에 대해 많이 생각해요. 그 기분을 음악으로 매치하는 것 같아요. 이런 기분일 때 이런 음악을 들었었지하고 감각이 자주 생각나잖아요. 그러면 하나의 이미지처럼 감정이 아카이빙 되더라고요. 그런 걸 취향화하고, 어떤 게 좋았고 어떤 게 싫었는 지를 모아가는 과정 자체가 재미있는 것 같아요.

 

 

Q. 정말 이른 나이부터 엄청난 커리어를 쌓고 계시잖아요. 그런데 커리어가 늘어갈수록 삶의 방향이 정해지는 것에 대한 불안감은 없었나요?

 

정말 어릴 때에는 여러 종류의 음악을 할 수 있어서 마냥 좋았는데, 시간이 점점 지날수록 불안해지더라고요. 작업을 하면서 어떤걸 좋아야될까에 대한 고민이나 혼돈이 있었어요. 작업마다 원하는 기준이 모두 달랐고, 그걸 수행하기에 벅찰 때도 있었거든요. 진정 원하는 음악인의 삶이 무엇인지가 뚜렷하지 않고 희미해질 때도 많았어요.

 

그래도 이번 EP를 내고나서 그래도 답을 좀 얻은 것 같아요. 안그래도 발매하고 굉장히 후련했어요. 왜 이렇게 후련한지에 대해서 생각해보니, 정말 제가 하고 싶었던 걸 실현하는 기분 자체가 후련하고 좋더라고요. 너무 많은 기준에 저를 맞추기보단, 제가 진짜 할 수 있는 걸 하게 되니까 재미있더라고요. ‘오리지널이 되자’, ‘누구도 대체할 수 없는 사람이 되자’는 생각이 들었어요. 저만의 독자적인 개성을 보고 찾아와주시는 분들이랑 함께 하면 좀 더 즐거워질 것 같고요.

 

 

 

 

Q. 때로는 프로듀서로 활동하고, 때로는 세션 연주자로 참여하고. 그러면서도 싱어송라이터로 개인 작업물을 발매하는 등 다양한 형태로 활동하고 계시잖아요. 활동마다 다르게 포인트를 두는 지점이 있나요?

 

특별한 주안점은 없고, 그때 그때 음악에 따라 제일 어울릴 것 같은 모습으로 최선을 다하는 것 같아요. ‘지원이가 했기에 좋다’라는 감상을 남겨드리고 싶어서, 저만의 섬세함을 어딘가에 숨겨 놓는 작업을 하는 편이긴 해요. 어떤 장르에는 이렇게 하고, 어떤 상황에서는 저렇게 하면서 저만의 해석을 조금씩 풀어넣는 것 같아요.

 

Q. 작업량이 워낙 많고 스케쥴이 타이트해서 스트레스도 많을 것 같아요. 지치지않고 작업할 수 있는 원동력, 혹은 비결이 궁금합니다.

 

우선 스케줄도 잠을 못 잘 정도로 빠듯하게 잡지는 않아요. 번아웃이 오지 않도록 적절하게 분배해주는 게 중요한 것 같아요. 스스로를 계속 예의주시해야하고요.

 

최근에 게임을 시작했어요. 자기 전에 너무 피곤하지 않으면 1~2시간 정도 게임하고 자는게 스트레스 해소에 도움 되더라고요. 요즘 스위치로 <젤다의 전설: 왕국의 눈물>을 하는데, 완결을 한번 보고 두 번째로 시도 중이에요. 또 가족들이랑 저녁을 먹으면 안전지대에 온 것 같은 기분이 들어서 스트레스가 풀려요. 엄청 자주 하는 것도 아니고, 화목하게 대화를 많이 하고 그런 게 아니더라도 몸의 긴장 상태가 풀리는 느낌이에요.

 

 

 

 

Q. 개인 발매작으로는 첫 EP였는데, 앞으로도 앨범 단위의 작업물을 많이 보여주실 계획인가요?

 

앨범이나 싱글 중 어떤 포맷이 될 지는 잘 모르겠는데, 싱어송라이터로서 초점을 두고 활동을 하고 싶은 마음이 있어요. 기대 해주시면 감사드리겠습니다.

 

 

Q. 지금의 지원님은 어떤 아티스트, 혹은 씬에서 어떤 인물이 되길 바라는지 들으면서 인터뷰 마무리하겠습니다.

 

말씀드렸던 것처럼 대체 불가능한, 오리지널한 아티스트가 되는 게 목표예요. 방향이 어떨지는 정해놓은 건 없지만, 곡 하나하나를 쓸 때마다 내가 할 수 있는 것, 나만이 할 수 있는 걸하자는 마음가짐으로 임하다보면, 다양한 비주얼이 융합되면서 만들어지지 않을까 생각하고 있습니다. 게으르지 않게 꾸준히 하다보면 만들어져있을 거라고 생각해요.

 

 

 

 

Interview | 박현영

사진제공 | 강지원 (Kangziwon)

공허한 마음을 사랑으로 채우는 마법의 주문, 김유진 2.5집 발매 기념 인터뷰

Posted on by poclanos

 

공허한 마음을 사랑으로 채우는 마법의 주문, 김유진 2.5집 발매 기념 인터뷰

 

스스로를 재즈 싱어송라이터라고 정의하는 김유진은, 그 수식어처럼 우아하면서도 친근한 매력을 겸비한 아티스트다. 재즈 분과에서는 이례적으로 연이어 한국대중음악상을 수상하고, 재즈피플 라이징스타에 선정된 바 있는 김유진은 그야말로 재즈씬에 혜성처럼 등장한 존재다. 이에 그치지 않고 서울재즈페스티벌, 서울숲 재즈 페스티벌 등에 출연하며 활동 범위를 꾸준히 넓혀가는 그녀가 기존과는 또다른 팝 사운드로 돌아왔다. 단기간에 빠른 쾌거를 보여왔음에도 불구하고, 이번 2.5집에서 그녀는 내면의 결핍에 관한 이야기를 선보인다.

 

지난 10월에 발매된 2.5집 [dudndudndudn]는 다소 어두운 감정에서 출발했지만, 그럼에도 너무나도 사랑스러운 기운을 발산한다. 무엇이든 이룰 수 있다는 주문을 뜻하는 앨범의 타이틀처럼, 공허한 마음에 강력한 자기 확신을 불어넣는 앨범이다. 여기저기 들려오는 좋은 소식과 분주한 일상에도 불구하고 내면을 정직하게 직시하고, 음악적 확장과 인격적 성숙을 동시에 이뤄냈기 때문일까. [dudndudndudn]를 듣다 보면, 그림자를 품을 줄 아는 햇살의 힘을 체감할 수 있다. 어느 따사로운 오후, 재즈 싱어송라이터 김유진을 만나 결핍의 양면성과 재즈씬에 대한 생각까지 진솔한 대화를 나눴다.

 

 

 

 

Q. 간단하게 자기소개 부탁드립니다.

 

안녕하세요. 저는 재즈 싱어송라이터로 활동하고 있는 김유진이라고 합니다. 반갑습니다.

 

 

Q. 유진님은 이례적으로 한국대중음악상 재즈 부문을 연이어 수상하셨잖아요. ‘재즈 보컬리스트’가 아닌 ‘재즈 싱어송라이터’라는 점에서 더욱 감회가 남다를 것 같아요.

 

재즈에 기반을 두고 있지만, 자작곡으로 활동하고 있기 때문에 재즈 싱어송라이터라고 수식어를 붙였어요. 재즈는 여전히 어렵다는 인식이 있는 반면, 싱어송라이터는 친근하게 느껴지기도 하고요.

 

한국대중음악상을 동일 인물이 연달아 수상하는 게 재즈 분과에서 처음이라고 하더라고요. 자작곡으로 상을 받았다는 사실이 의미가 정말 컸던 것 같아요. 22년도에 데뷔 앨범 [한 조각 그리고 전체]로 처음 수상할 때도, 후보에 오르는 것조차 상상 못 했어요.

 

당시 코로나로 인해 한국대중음악상 시상식에 수상자만 참석해야 했어요. 그래서 한국대중음악상 사무국장 bluc (블럭)님이 미리 전화를 주셨는데, 제가 상을 받게 됐다는 거예요. 그래서 처음에 거짓말하는 거 아니냐고 물었어요. (웃음) 그래서 그런 걸로 자기가 왜 거짓말하냐고 막 말씀하셨던 기억이 나요.

 

 

 

 

 

 

Q. 너무 기쁜 일이면서도, 앞으로의 방향에 있어서 많이 고민됐을 듯해요.

 

정규 1집, 2집으로 수상했을 때부터는 확신이 들었어요. ‘음악적으로 그냥 내가 하고 싶은 걸 계속하라는 의미구나’로 받아들였어요. 그런데 활동에 있어서는 많이 고민됐어요. 소속사 없이 활동하니까 직접 결정하고 소통하는 과정이 모두 아티스트 몫이잖아요. 사람들이 나에게 무엇을 기대할지에 대해 혼자 고민해야 하고요.

 

유해한 메시지를 담은 음악이 아닌 이상, ‘하고 싶은 걸 하는 게 답이다’라고 생각하기도 해요. 계산하면서 작업했다면, 지금의 모습은 없었을 것 같아요. 오히려 사람들이 좋아하지 않았을 것 같아요.

 

 

 

 

 

 

Q. 본격적으로 2.5집 [dudndudndudn]에 관해 이야기해보려고 하는데, 그전에 질문이 하나 있어요. 이번 앨범은 어떻게 읽어야 할까요? 처음에는 ‘여우여우여우’를 영어로 그냥 기재한 건 줄 알았어요. (웃음)

 

많이들 궁금해하세요. (웃음) 실제로 어떤 분이 멜론 사이트에 ‘여우여우여우’라고 댓글을 다신 거예요. 처음엔 ‘왜 나보고 여우라 그러지?’ 싶었어요. 알고 봤더니 이번 타이틀을 한글 자판으로 타이핑해 보면 ‘여우여우여우’라고 나오더라고요. 아쉽게도 그런 뜻은 없었고요. (웃음) ‘뚜둔뚜둔뚜둔’으로 읽어주시면 돼요. 제가 만든, 무엇이든 이뤄지는 마법의 주문이에요.

 

 

Q. 여러모로 색다른 앨범이라 이것저것 하고 싶은 이야기가 많아요. 우선 어떤 의미를 갖고 있는 앨범이기에 2.5집이라고 명명했는지 여쭤보고 싶었어요.

말씀하신 것처럼 이번 앨범이 지난 앨범과는 다른 색깔을 갖고 있어요. 3집으로 넘어가기 전에, 스포일러같이 느껴졌으면 했어요. 새로운 도전이기도 하고, 저한테도 깊은 의미를 갖고 있는 앨범이에요. 다음으로 넘어가기 전에 ‘이런 모습도 있고, 이런 음악도 있어요’를 보여주고 싶었어요.

 

 

 

 

 

 

Q. 기존 정규 [Extraordinary]가 ‘재즈’를 뿌리로 두고 있다면, 이번 2.5집은 ‘팝’에 뿌리를 두고 있는 것 같아요. 이번 앨범에서는 팝적인 사운드를 추구한 까닭이 있나요?

 

개인적으로 재즈, 팝, 알앤비, 힙합은 절대 떼어놓을 수 없다고 생각해요. 실제로도 (재즈가) 뿌리라고 얘기하잖아요. 떼어낼 수 없다 보니 제 안에 있는 다른 모습이 여러 장르의 음악으로 자연스럽게 나왔다고 생각해 주시면 좋을 것 같아요.

 

[dudndudndudn]가 제작된 시점은 2집 작업이 거의 마무리되고 서류 작업만 남았을 때였어요. 정규 작업 과정에서 쌓인 긴장이나 부담을 해소하고 싶어서 작년 10월 즈음에 그리스로 여행을 다녀왔어요. 일상으로부터 멀리 떨어져 있으니 스스로에게 솔직해지더라고요. 그간 해결되지 않았던 감정이나 음악이 여행을 통해 자연스럽게 해소되는 과정에서 팝적인 사운드가 나온 것 같아요.

 

 

Q. 그러면 이번 2.5집은 작년 10월 그리스 여행에서부터 출발했다고 볼 수 있겠네요?

 

돌아오면서 쓴 곡도 있지만, 대부분의 곡은 그리스를 여행에서 시작됐어요. 여행하면서 15초 정도로 짧게, 혹은 2분 정도로 음성 메모를 녹음했다가, 코러스나 브릿지를 조각조각 붙여가면서 곡을 완성했어요.

 

그리고 1집과 2집에서는 보컬리스트로서 유의미한 메시지를 담고 싶었어요. 보컬은 아무래도 직접 말을 하잖아요. 어떤 악기보다도 전달하는 힘이 가장 크다고 생각하거든요. 1집 [한 조각 그리고 전체]는 한창 코로나가 극성이던 시기에 제작이 됐는데, ‘우리는 한 조각이지만 모이면 전체라는 하나를 만든다’는 메시지를 담고 있어요. 2집 [Extraordinary]는 ‘이미 하나뿐인 존재이기에 우리는 태어난 모습 그 자체로 특별하다’라는 긍정적인 의미를 전달하고 싶었고요. 반면에 이번 앨범은 사랑, 박탈감, 그리운 감정 등 조금 더 사적인 감정을 다루는 작품 같아요.

 

 

 

 

 

 

Q. 안 그래도 이번 앨범을 결핍을 인지하고 받아들이는 것에 관한 내용이라고 소개글에 기재하셨잖아요. 첫 트랙이자 서브 타이틀 ‘Blank’에서 더욱 직접적으로 결핍에 관해 이야기하고 있어요. 조심스럽지만 해당 트랙이 어떤 시기에 발매되었던 것일지 여쭤봐도 될까요?

 

사실 한국대중음악상 수상이 주는 기쁨도 있었지만, 상에 걸맞은 뮤지션이 되어야 한다는 책임감도 컸어요. 한국대중음악상이 한국에서 유일하게 대중성이 아닌 음악성만 고려하는 시상식이라고 명명하잖아요. 그 타이틀에 걸맞은 사람이 되어야할 것 같다는 부담감이 들었어요.

 

자기의 부족한 점은 자기가 제일 잘 알잖아요. 그래서 ‘다른 사람들이 내 부족함을 알게 되면 어떡하지’ 에 대한 두려움도 있었어요. 매번 사람들에게 좋은 에너지를 주려고 노력하지만, 저한테도 우울하고 작아지는 모습이 있다는 걸 알아챌까 봐 괜히 두려워지더라고요. 다들 그럴 수 있는 건데 계속 폄하하면서 스스로를 작게 만들었던 시기였어요. 그런 힘든 감정을 노래로 만들어야겠더라고요.

 

 

Q. 트랙을 만들어가던 도중에 내가 가진 결핍을 자연스럽게 감싸안는 변화가 생긴 거네요.

 

원래 앨범 자체가 진짜 우울했어요. 누가 몰라줘도 상관없고 그냥 저를 위로하려고 만든 앨범이었어요. “Blank”를 쓸 때도 ‘내가 부족했으니까 곡을 쓰고 있구나’라는 생각이 들더라고요. 그런데 부족하니까 더 노력하는 거고, 노력하니까 곡을 만들 수 있는 거잖아요. 힘들어봤기 때문에 다른 사람의 슬픔을 헤아릴 수 있는 힘이 생기는 거고요. 부족한 게 자랑이 될 수 있겠더라고요.

 

“Blank”도 초반부, 중반부의 무드나 멜로디가 사뭇 달라요. 처음엔 나에게 존재하는 빈 공간으로 인해 움츠러든 모습으로 시작해요. ‘내가 네 옆에 있는 게 싫다는 걸 알지만, 그래도 날 사랑해주면 안돼?’라는 가사도 나오고요. 그런데 앞서 말한 생각의 흐름 때문에 후반부의 분위기가 전환돼요. 나중에는 결핍이 나에게 해주는 이야기가 나와요. 결핍이라는 게 무한한 공간처럼 느껴졌어요. 그온 우주의 색깔들이 다 내 안에 있다는 뜻으로 ‘I can be anything’이라는 가사를 썼어요.

 

 

 

 

 

 

Q. 작업하는 과정 자체가 스스로 성장하는 순간처럼 느껴질 것 같아요.

 

가사를 적어 내려가다 보면 문득 머리를 빵 때리는 느낌이 들거든요. 2집 타이틀 “Extraordinary”도 원래 특별해지고 싶어서 만든 곡이었어요. 그런데 작업하다 보니 ‘그런데 세상에 김유진은 나 하나뿐인데, 그것만으로 특별한 거 아냐?’라는 생각이 들었거든요.

 

이번 앨범도 만들면서 생각이 많이 바뀌었어요. 저한테는 우울감을 극복한 앨범 같아요. 인간이 충분히 충족할 수 있는 삶을 살면 노력을 안 한다고 하잖아요. 그런데 제가 제일 두려워하는 게 안주하는 거거든요. 부족하다는 게 부끄러워할 일이 아니라, 그냥 우리의 자연스러운 특성같아요.

 

 

Q. 결핍을 받아들인다는 게 말처럼 쉬운 일은 아니잖아요. 자신의 모든 모습을 받아들이는 데에 가장 중요한 건 뭐라고 생각하세요?

 

그냥 인정하는 거요. 그게 제일 중요한 것 같아요. ‘계산을 잘 못해도 괜찮아. 어차피 계산기가 있고, 계산을 잘하는 사람이 도와줄 수 있는 거니까, 계산하는 건 내 역할이 아니야.’와 같은 식으로요.

 

‘맞아, 우울해. 그런데 이것도 내 모습의 일부야’라고 받아들이는 게 제일 어려운 거라고 하더라고요. 그런데 받아들이는 순간부터 그 문제가 해결되기도 하잖아요. 심리적인 문제로 봤을 때는 그냥 시인하는 행위가 가장 중요한 것 같아요.

 

 

 

 

 

 

Q. 다음 트랙들들도 이야기해 볼게요. “I love you”와 “You love me” 두 트랙이 바로 이어지는 것도 재미있는 포인트였어요. ‘나’와 ‘나’의 대담같이 느껴지기도 했고요.

 

원래는 “You love me”가 더 먼저 쓰였어요. “I love you”는 제작하던 상황이 분명히 기억나요. 보컬 레슨을 하려는데, 레슨생이 한 번 안 온 적이 있어요. 그때 혼자 피아노를 치다가 만든 곡이 “I love you”예요.

 

두 곡은 정말 사랑이라는 주제로 쓰인 곡이에요. 그리고 외로움에 관해 이야기하고 있어요. 그 당시에 나만 이렇게 외로움을 느끼는 건지, 아니면 모두가 힘든 건지 의문이 들었었거든요. 가사에서도 ‘널 이렇게 사랑하는데 정말 모르는 걸까? 너를 사랑한다고 몇 번이고 반복해서 외칠 수 있어’라 말하고 있어요.

 

 

Q. “You love me”의 뮤직비디오도 굉장히 키치해요. 재즈적 색이 가장 짙은 음악인데, 키치한 감성으로 MV를 제작한 점이 흥미로웠어요.

 

비워져 있는 공간을 사랑으로 채우고 싶었어요. “You love me”는 ‘너는 나를 사랑하게 될 거야’라는 주문에 가까워요. 그런데 코러스는 또 ‘I love you’로 시작하거든요. 사랑을 구애하는 내용에 가까운 곡이에요.

 

이 이야기를 듣고, 뮤직비디오 감독님이 아이디어를 주셨어요. 사랑해라는 글자를 스케치북에 적고 여기저기 돌아다니면 좋을 것 같다고 얘기해 주셨어요. 그래서 (뮤직비디오 감독) 윤희 님, 은지 님이랑 함께 서울, 인천, 제주도를 돌아다니면서 찍었어요.

 

 

 

 

 

 

Q. 공간에 관한 이야기도 나누고 싶어요. 이번 앨범 레코딩을 ‘리듬소망사랑’이 주관하는 RSS Studio에서 진행하셨더라고요. ‘재즈’가 주는 베뉴와는 느낌이 사뭇 달라요.

 

공간마다 갖고 있는 에너지가 다르잖아요. 이번 앨범은 전체적으로 무겁지 않은 분위기라 기존에 녹음하던 장소에서 진행하고 싶지 않았어요. RSS Studio는 소울 딜리버리가 운영하는 공간인데, 평소에 되게 좋아하는 팀이었어요. 그 팀이 갖고 있는 밝은 에너지가 되게 좋잖아요. 친구 같은 바이브라고 해야하나. 그 에너지가 이번 앨범에도 담기면 좋겠더라고요. 모던하고 깔끔한 분위기보다 친구들끼리 모여서 노는 자유로운 분위기가 구성되길 바랬어요.

 

실제로 가보니까 빈티지 악기들이 정말 많더라고요. 그리고 이삭님이 소울 딜리버리 드러머시잖아요. 거기 드럼이 진짜 좋아요. (웃음) 보통은 소장하기 어려운 레어한 악기도 많았고, 가상 악기로 사용하는 소리들을 리얼로 담고 싶었어요. 여러 방면으로 이번 앨범과 어울려서 그곳에서 사진이나 영상 촬영도 진행했어요.

 

 

 

 

 

 

Q. 마지막 트랙이자 “Saudade”의 어쿠스틱 버전은 Hayane의 공간에서 만들어졌어요. 어쿠스틱 버전을 추가한 이유도 궁금해요.

 

사실 저도 ‘Hayane’을 어떻게 발음하는지 몰라요. 그러고보니 어떻게 읽는 건지 안 물어봤네요. 혼자 ‘하야네’라고 부르면서 다녀요. (웃음) ‘Hayane’는 기타리스트 송준호 님의 활동명이에요. 이번 앨범은 저랑 준호님이 같이 프로듀싱을 맡았는데, 처음에는 기타랑 보컬만 사용해서 만드려했어서 오빠 집에서 곡들을 작업했어요.

 

이후에 스튜디오에서 작업하니까 데모곡, 홈레코딩의 느낌이 안나는거예요. 날것의 느낌이라고 해야 되나? 그때만 나올 수 있었던 바이브가 있더라고요. 데모를 실을지, 스튜디오를 실을지 마지막까지 고민하다가 그냥 둘 다 싣게 되었어요. 러프하고 덜 정돈된 감이 있지만, 그만큼 이 곡의 감정이 잘 담겨 있는 트랙이라고 생각했어요.

 

 

 

 

 

 

Q. 포르투갈, 그리스 뿐만 아니라 친근한 동료의 방처럼 여러 공간에서의 흔적이 곳곳에 묻어나는 앨범이에요. 장소가 영감을 주기도 하나요?

 

주로 일상, 사람에서 영감을 받는 편이기 때문에 더욱 공간을 중시여기는 것 같아요. 만나는 사람이 누구냐에 따라 나도 달라지고, 어떤 이야기가 펼쳐질 지 모르잖아요. 실제로도 어딘가 오래 머무는 걸 잘 못해요. 나쁘게 말하면 쉽게 질리는 편인데, 그만큼 변화를 추구하는 성향이에요. 완벽하게 새로운 건 있을 수 없겠지만, 좋은 소리나 음악을 만들 수 있다면 배워서라도 바꿔야한다고 생각해요.

 

해외를 가는 이유도 비슷해요. 각 나라마다 갖고 있는 문화에 따라서 생각도 사상도 다르잖아요. 아무래도 한국 문화에 익숙하다보니 다른 나라 사람들은 어떻게 생각하고 살아가는지 궁금하더라고요. 잠깐 다녀와서 그곳에서 잠깐이나마 일상을 경험해보는 게 저한텐 중요한 것 같아요.

 

“Saudade”도 제가 정말 좋아하는 곡인데, 이 단어가 한글로는 그리움이라고 번역돼요. 그런데 실제 포르투갈 현지인 분이 말씀해주시기를, 단순한 그리움이 아니라 다시 만날 거라는 믿음을 갖고 있는 단어라 하더라고요. 마냥 슬프게 그리운 감정이 아니라 소망을 품고 있는 거잖아요. 그 말이 너무 위로가 되더라고요.

 

 

Q. 이야기를 듣고나니 유진님이 왜 ‘삶을 여행하는’ 재즈 싱어송라이터인지 알 것 같아요.

 

여러 곳을 돌아다닐 때마다 그 장소에 제 일부를 다 두고 오는 기분이에요. 제가 거기 남아있으니까 계속 그리워하는거죠. 예전에는 다시 가지 못하고 다시 경험하지 못한다고 생각하면서 과거를 자꾸 그리워하는 게 힘들었어요. 현재에 머물지 못하는 것 같았어요. 그런데 나의 일부가 그 장소에 있다고 생각하니까 생각이 바뀌더라고요.

 

 

 

 

 

 

Q. 제목도 생소하고, 전반적인 비주얼 컨셉도 사뭇 다른 작품이에요. 기존의 이미지와 전혀 다른 발매작이 나오는 것에 대한 우려는 없었나요?

 

당연히 있었지만, 그것보다 제 귀에 좋게 들리는 게 우선이었어요. 다른 사람들이 어떻게 들을지 컨트롤할 수 없으니 내려놓았죠. 1집, 2집을 좋아하는 분들은 이번 앨범을 좋아하지 않을 수도 있겠다 싶었어요. 이런 고민은 주로 피아니스트 은지 님이랑 같이 나누는 편이예요. 은지님이 ‘그럼 팝을 좋아하는 다른 분들이 좋아하시겠지’라고 얘기해 주더라고요. 분명 1집, 2집의 사운드를 원하지 않는 사람도 있을 거고, 앞으로 어떤 앨범을 내더라도 취향이 맞지 않는 사람은 반드시 있을 거라 생각해요. 그래서 제가 좋은 게 가장 먼저인 것 같아요. 이후로는 그냥 (사람들에게) 맡겼던 것 같아요.

 

 

Q. 이번 2.5집은 ‘재즈 보컬리스트’보다는, ‘재즈팝 싱어송라이터’라는 표현이 와닿는 작품이였어요. 실제로 유진님은 스스로를 ‘재즈 싱어송라이터’라고 표현하잖아요. 어쩌면 ‘재즈 보컬리스트’라는 정체성이 음악 방식을 한정짓는 것처럼 느껴질 수도 있을 것 같아요.

 

실제로 그런 고민들을 음악적으로 표현했던 곡이 2집의 “Continuum”였어요. 리듬, 조, 박자, 그루브가 바뀌는 등 다양한 변화가 담긴 곡이지만, 첫 부분과 마지막 부분의 코드가 똑같거든요. 제가 가진 여러 모습을 담으면서도, 나라는 본질은 변하지 않는다는 걸 사운드적으로 표현하고 싶었어요.

 

그런 타이틀이 스스로를 국한시키는 것 같아서 혼란스럽기도 했어요. 1집을 내고 나서 음악적 정체성에 대한 고민이 많아지더라고요. ‘재즈도, 팝도, 힙합도 전부 좋고 시도해보고 싶다면, 재즈 뮤지션이 아닌건가?’ 생각도 들고.

 

그런데 현실적으로 생각한다면, 업계 분들은 어떻게든 저를 카테고리에 넣어야하지 않을까 싶기도 해요. 재즈가 가장 근접한 장르다보니까 재즈라는 타이틀에 속한거죠. 그렇게 생각하면 마음이 편하더라고요.

 

 

 

 

 

 

Q. 실제로 서울재즈페스티벌에 장르를 막론하고 각양각색의 아티스트가 나오다보니 이래저래 이야기가 오가기도 했잖아요. 이미 무대 경험이 많은 유진님이지만, 서울재즈페스티벌 무대를 선 경험은 꽤 의미있었을 것 같아요.

 

안그래도 다가오는 11월에 RSS(리듬소망사랑)에서 주관하는 RSS Festvial에 참가하는데, 개인적으로 저에게는 정말 의미가 깊었어요. 제 음악적인 범위가 조금씩 확장되고 있다는 느낌을 받았어요. 주변에서 어떤 뮤지션이 되고 싶냐고 물을 때마다, 경계 없는 뮤지션이 되고 싶다고 말하고 다니거든요. 다양한 음악을 소화할 수 있는 아티스트가 되고 싶어요. 이번 앨범도 마찬가지였구요.

 

서울재즈페스티벌의 경우, 우선 섭외 연락이 왔을 때 정말 좋았어요. 어려서부터 관람객의 입장에서 보러가는 무대지, 뮤지션의 입장으로 공연하는 무대라 생각한 적이 없었거든요. 좋아하는 뮤지션들이 나오던 곳에서 공연할 수 있다는 기쁨이 가장 컸어요. 서울재즈페스티벌도 요즘은 ‘서울 팝 재즈 페스티벌’, ‘서울 팝 페스티벌’ 아니냐 이런 얘기가 많았잖아요. 그만큼 대중적인 페스티벌이라고 생각해요.

 

최근에 진행했던 서울숲재즈페스티벌도 나름 팝적인 부분이 강하다고 생각해요. 김수영, SUMIN (수민)xSlom, 김윤아 등 다양한 아티스트 분들이 오셨더라고요. 재즈로 분류되지 않더라도 그런 무대에 함께한다는 것이 개인적으로 갖고 있는 방향과 정말 잘 맞아서 감사해요. 어딘가에 치우치지 않는, 경계 없는 뮤지션이 되어가고 있다는 생각이 들어서 좋았어요. 재즈 뮤지션 분들 외에 다른 분야에 계신 뮤지션분들이 차츰 차츰 저를 알아봐준다는 거 자체가 의미가 깊어요.

 

 

 

 

 

 

Q. 이번 작품 [dudndudndun]는 무엇이든 이뤄내는 주문과 같은 앨범이잖아요. 앞으로 유진님이 이루고 싶은 게 있다면 무엇일까요?

 

내년에 한달 정도 길게 다시 해외 여행을 다녀올 것 같아요. 우선 도착지, 출발지는 독일로 정해놨는데, 한 동네에 오래 머무를지는 고민 중이에요. 낯선 곳이 익숙해지는 과정에서 만들어지는 이야기가 있을 거고, 현지인들이랑도 친해질 수 있겠죠. 사진도 찍고, 영상이나 작업 과정도 찍고, 음악을 만들면서 로컬 뮤지션들이랑 함께 해볼 만한 것들을 구상해보고 싶어요. 내년에도 올 해처럼 좋은 시간들을 보내며 좋은 음악을 만드는게 목표입니다.

 

그리고 지난번 포크라노스에서 진행했던 재즈 세미나에서, 블럭님이 그런 얘기를 하셨잖아요. 재즈 뮤지션들이 뷰티풀민트라이프나 그랜드민트페스티벌에도 참여하면 좋을 것 같다고. 좀 더 다양한 페스티벌이나 더 많은 분들이 편하게 음악을 들을 수 있는 공간에서 공연하는게 내년의 목표라면 목표예요.

 

 

Q. 마지막으로 팬 분들께 한마디하면서 인터뷰 마무리해보겠습니다.

 

제 이야기를 궁금해하고 들어주시는 모든 분께 감사드리고 싶어요. 그 분들이 계시니까 지금도 이야기할 수 있는 거잖아요. 그래서 정말 감사하다고 말씀드리고 싶어요.

 

응원해주시는 분들이 지금껏 믿어주신 것처럼, 제가 하고 싶은 음악 하면서 의미있는 이야기 들어드리기 위해 노력할 거거든요. 앞으로 해나갈 새로운 도전들이 많아요. 그 여정도 함께 해주시면 좋겠습니다. 여기저기 공연장에서 만나뵈면 반갑게 인사나눠요!

 

 

 

 

 

Interview | 박현영

사진제공 | 김유진

충족된 기대와 전복된 예상, 재창조의 향연으로 가득한 O’KOYE 정규 1집 발매 기념 인터뷰

Posted on by poclanos

 

충족된 기대와 전복된 예상, 재창조의 향연으로 가득한 O’KOYE 정규 1집 발매 기념 인터뷰

 

세상에 없던 무언가를 만드는 것. 표현은 거창할지 몰라도 생각해 보면 그다지 어렵지 않은 일이다. 아무튼 생전 듣도 보도 못한 무언가를 마구잡이로 꺼내놓으면 장땡이니까. 그러나 그것이 단지 ‘새로움만을 위한 새로움’으로 그치지 않기 위해선 결국 그것을 받아들이는 사람의 공감과 인정이라는 지원군이 필요하기 마련이다. 그 기반이 단단하게 자리를 잡게 되는 순간, 어떠한 ‘새로움’은 기어코 그것의 ‘시작’을 알리는 선명한 총성으로 발아한다.

 

지난 7월 15일, 첫 번째 정규 앨범 [Whether The Weather Changes Or Not]을 선보인 듀오 O’KOYE(이하 ‘오코예’)의 음악은 말 그대로 새롭다. 그러나 그저 새롭기만 했다면 지금 이들이 음악 씬에 일으키고 있는 유의미한 파란을 설명할 수 없을 터. ‘힙합’과 ‘재즈’라는, 가깝고도 먼 두 가지 요소를 아이코닉한 방식으로 재조합, 재구성, 재창조해낸 오코예의 음악은 익숙한 조합에서 오는 기대를 충족하며 대중의 공감을 등에 업는 동시에, 그 익숙함에 꼬리표처럼 따라붙는 전형적인 예상을 보기 좋게 뒤엎는다. 2021년 말, 팀명도 없이 포크라노스를 찾아와 새 앨범을 준비 중이라 본인들을 소개했던 두 사람의 기나긴 노력이 대기만성의 빛을 발한 셈.

 

창작과 소비의 방식이 양극단으로 나날이 다채로워지는 이 시대에, 두 사람과의 대화는 그리하여 현시대의 양상을 있는 그대로 대변하고 있는 듯했다. 우리가 향유하는 최신 음악의 근간을 이루는 ‘전통’과 ‘규격’, 그리고 기존 없던 선택지를 제시하고자 하는 ‘자유’와 ‘혁신’을 양손에 쥐고 오코예가 취하고자 하는 균형 있는 태도는 혼란스러운 지금을 살아가는 우리에게 유연한 탈출구를 제시한다. 여름의 열기가 여전하던 9월 어느 날, 오코예의 멤버 IKYO와 The o2를 만나 음악과 작업, 장르와 시대를 넘나드는 흥미로운 이야기를 나누어보았다.

 

 

Q. 두 분 가볍게 자기소개 부탁드립니다.

 

IKYO: 안녕하세요, 저희는 팀 O’KOYE(이하 ‘오코예’)이고요. 저는 래퍼 IKYO(이하 ‘이쿄’)라고 합니다. 만나서 반갑습니다.

 

The o2: “X나게 바운스 타면 실패란 없다.” 안녕하십니까, 저는 바운스를 만드는 프로듀서이자 뮤지션 The o2(이하 ‘오투’)입니다. 반갑습니다.

 

 

Q. 지난 7월 15일에 발표된 첫 번째 정규 앨범 [Whether The Weather Changes Or Not]에 대한 반응이 여전히 뜨겁습니다. 발매 후 두 달 정도 지났는데 어떻게 지내고 계셨나요?

 

The o2: 일단 마음속에 큰 짐이 덜어진 느낌이라 기분이 되게 가벼워요. 준비하는 동안 제 안에 응축돼 있던 에너지를 전부 분출했는데 사람들 반응과 함께 다시 돌아오는 걸 보면서 신기했습니다. 영혼이 고양되는 것 같은 느낌을 받았고요. 근데 사실 발매하고 나서 이곳저곳 피칭도 하고 인터뷰도 하고 CD 디자인도 바로 시작하느라 피로가 누적돼 있었다는 느낌을 받긴 했어요. 그래도 요즘은 다시 회복하면서 잘 지내고 있습니다.

 

IKYO: 저도 오투랑 비슷해요. 우선 보내주시는 반응들은 너무 감사하고 CD도 이렇게 잘 나갈지 몰랐어요. 그리고 앨범 발매라는 큰 일을 하나 끝냈는데 그 뒤에 CD나 공연 같은 부가적인 일들이 계속 있다 보니까 마음 편히 쉰 날은 없는 것 같아요. 12월에 있을 공연까지 끝나야 다 했다는 기분이 들 것 같아요.

 

 

 

 

 

 

Q. 피지컬 CD나 공연에 대한 반응들도 인상적입니다. 이번 앨범을 준비하시면서 반응이 이 정도로 뜨거울 거라고 예상하셨나요?

 

IKYO: 오투도 마찬가지고 저도 만들면서 예상은 했어요. (웃음) “이거 쩐다, 되겠다, 되겠다.” 이러면서 작업했는데 또 한편으로는 그 기간이 너무 길어지니까 초반에 가졌던 그 ‘쩐다, 되겠다’ 했던 것들이 조금씩 깎여가면서 지치는 게 있었어요.

 

 

Q. 저도 오코예 유통 담당으로 22년 첫 데뷔 싱글부터 함께 했던 입장에서 처음 정규에 대한 계획을 들려주셨던 게 막 오코예로 데뷔하셨던 2년 전쯤이었던 것으로 기억합니다. 아무래도 준비 기간이 길어질수록 어쩔 수 없이 지치는 순간이 오셨을 것 같았어요.

 

IKYO: 실제로 육체적으로도, 정신적으로도 지치기도 했어요. 그러다가 결과적으로 막바지에 들어서는 눈앞에 뭐가 없더라도 이 앨범에 대한 가치에 대해서 우리 둘이 확신을 가지고 일단 내게 된 거죠. 그만큼 반응도 좋아서 너무 감사했습니다.

 

 

 

 

 

 

Q. 기다린 만큼 멋진 앨범이 나와서 길었던 준비 시간에 대한 보상이 되었을 것 같습니다. 이어서 오코예의 시작에 대한 이야기도 조금 나눠보고 싶은데요, 공식적으로 두 분이 처음 합을 맞추신 것이 화지님이 2019년에 기획하신 ‘이주민 프로젝트’더라고요. 이때 서로의 작업에 대한 첫인상은 어땠나요?

 

The o2: 신선한 질문이네요.

 

 

Q. 창작자와 창작물은 어느 정도 분리되는 부분이 있으니 작업자 대 작업자로 어떤 느낌을 받으셨는지 궁금하더라고요.

 

The o2: 저부터 말씀드리면, 이 형(이쿄)은 약간 맥밀러 같다는 느낌을 받았어요. 저는 이 송캠프 전까지 각 잡고 음악 하는 사람을 만날 기회가 없었는데 이 형은 라인도 탄탄하고 멜로디도 탄탄한데 랩도 탄탄하니까 ‘이 사람 음악 잘하네’ 하면서 지켜봤었죠. 기본기가 탄탄하다는 점이 가장 멋있었고, 제일 놀랐던 건 실제 말할 때 목소리랑 레코딩되는 목소리가 다르다는 거였죠.

 

 

 

 

Q. 맞아요. 저도 종종 통화할 일이 있을 때 음원으로 듣는 목소리랑 너무 다르셔서 같은 사람이 맞나 싶을 정도였어요.

 

IKYO: 실제로도 좀 많이 듣는 얘기가, 되게 왜소하고 멸치 같을 것 같고 안경 꼈을 것 같고 뭔가 음침한 느낌일 것 같았다고 그러더라고요. 여담이었습니다. (웃음)

 

The o2: 그게 또 목소리가 다채롭다는 뜻이라 여러 톤으로 피쳐링 비용 아낄 수 있겠다 싶었던 기억이 나요. (웃음)

 

IKYO: 저는 딱 생각나는 게, 처음 송캠프 시작할 때 각각 방을 배정해 주거든요. 오투 방에 다 같이 들어갔는데 설명을 잘해줬어요. 보통은 그냥 “들어보실래요?” 이러고 딱 듣고 마는데 이거는 어떤 느낌이고 어떤 식으로 작업을 한 거고 하면서 설명하는 거부터 좀 다르다고 생각했죠. 그리고 두 번째는 송캠프 끝나고 좀 뒤에 알게 된 거긴 한데 랩도 잘한다고 생각한 적이 있어요. 사클(사운드클라우드)로 들려줬던 랩이 진짜 좋은 거예요.

 

 

Q. 결국 프로듀서는 랩이라는 재료를 사용하는 역할이다 보니 랩을 할 줄 아는지, 모르는지 차이가 엄청 크다고 생각하거든요.

 

IKYO: 네 맞아요. 그래서 그걸 딱 들었을 때 프로듀서치고 랩 잘하는 게 아니라 그냥 이미 잘하는 영역에 있었기 때문에 전천후 같다고 생각했죠.

 

 

Q. 듣고 보니 두 분 다 서로에 대해서 전천후 같다는 느낌을 받으셨던 것 같아요.

 

The o2: 이쿄는 완전 걸어 다니는 무지개죠.

 

 

 

 

 

 

Q. 이후 Modern Arts Society에서 기획한 유튜브 컨텐츠 ‘P2P’에서도 이쿄님이 최종 선정되셨는데, 당시 선정곡 프로듀싱도 오투님이 해주셨더라고요. 본격적인 팀 활동을 시작하기로 결심하신 시기가 이때쯤일까요?

 

IKYO: 오코예라는 팀으로만 놓고 보면 사실 명확한데 그 이전부터라면 [23:59]라는 첫 EP를 낼 때부터 제대로 합을 맞추기 시작했던 것 같아요. 오코예 같은 경우는 신촌 할리스에서 둘이 만나서 앨범화 해보기로 결정했으니까 조금 더 명확한 느낌이 있죠. 당시 오투랑 커피 한잔하다가 [Jazztext]를 만들고 반응이 꽤 있었던 상태에서 이런 것들로 앨범을 꾸려보자고 이야기가 나왔어요. 재즈뿐만 아니라 국악이나 아프리카 음악 같은 것들도 프로젝트성으로 앨범화 해보는 게 어떻겠냐는 이야기도 나누다가 그날을 기점으로 쭉 달려온 거죠.

 

 

 

 

 

 

Q. 마침 [Jazztext] 이야기를 해주셨는데 지금의 오코예 음악과 사운드나 구성적으로 되게 비슷하다고 느껴져요. 개인적으로는 오코예의 전신이 되는 앨범이라고도 생각되는데 이런 식의 방향성을 처음 잡게 되신 계기가 있을까요?

 

The o2: 이게 선 빅픽쳐, 후 작업이 아니라 그냥 이렇게 됐다고 보는 게 사실은 더 맞아요. (웃음) [Jazztext]는 진짜 아무 계획 없이 만든 거라서요. 이쿄도 그 이전 작품이 아무래도 개인사와 관련된 네러티브 중심이었다 보니까 그걸 최대한 탈피해서 가볍게 쓰고 싶어 하기도 했고요. 평소에도 서로 음악 만들면 어떤 거든 상관없이 막 보내주는데 이쿄가 갑자기 해본다고 해서 만들어진 거예요.

 

하지만 음악적인 기조는, 아무래도 제가 전공이 신학인데 서양 지성사나 철학사 같은 것들을 보면 패러다임 시프트가 일어날 때마다 인류의 고전에 해당하는 철학이나 문학, 음악들이 시대성이 반영된 형태로 재해석되면서 발전하고 변화해 왔다고 생각하거든요. 그런데 지금이 인류사적으로 격동기고 그렇다면 그 격동기에 사는 한 사람으로서 고전이라고 불릴만한 것들을 가져다가 음악으로 만들고 싶었어요.

 

근데 마침 [Jazztext]를 통해서 한국분들이 한번 반응을 훅 주니까 이런 것들을 앨범으로 디벨롭하면 어떤 반응이 나올지 궁금한 것도 있었고, 앞서 말한 제 욕심을 재즈라는 카테고리가 (인류의 고전으로서) 충족시켜 준다고도 느꼈어요. 개인적으로 제 안에 있던 것들이 아다리가 딱딱 맞아서 그걸 이제 이 형(이쿄)한테 이야기하면서 시작하게 되었죠.

 

물론 그 과정에서는 ‘이렇게 되어야만 한다’라는 틀에 스스로를 가두는 함정에 빠지기도 했는데요. 아무래도 전통이나 클래식이라고 불릴 만한 것들이 굉장히 정형화돼 있잖아요. 그래서 스스로 ‘재즈스러워야 한다’ ‘힙합스러워야한다’ 하는 기준에 끙끙대는 시기가 길었어요. 그러다가 팔로알토 형님을 만나면서 그런 강박을 좀 내려놓을 수 있었어요. ‘모든 건 황금기가 따로 있는 건데 그 당시에 태어난 것도 아니지 않냐, 너무 연연하지 말고 그냥 지금 가장 하고 싶은 걸 해라, 그게 가장 너희다운 것을 할 수 있는 방법이다’라고 얘기 주셨거든요. 덕분에 그냥 저한테 좋은 것들을 만들려고 노력했습니다.

 

 

Q. 따지고 보면 지금 이 시대에 살고 있는 내가 가장 좋다고 생각하는 것이야말로 지금 이 시대를 가장 잘 대변하는 이야기인 셈이기도 하네요.

 

The o2: 그쵸, 이번 앨범이 바로 그런 결과물이에요.

 

 

 

 

 

 

Q. 오투님이 말씀해주신 이런 맥락에 대해서 이쿄님도 전부 동기화가 된 상태에서 작업을 시작하셨던 건가요?

 

IKYO: 사실 저도 저대로 한 거긴 한데요, 돌이켜 보면 오투랑 비슷하면서도 조금 다른 부분이 있어요. 저 같은 경우는 작업하면서 머릿속에 그려둔 그림들이 있었는데 그것들 대해서 레퍼런스로 삼을 만한 앨범이 없었거든요. 전통적인 재즈도 파보고 재즈 보컬을 참고해 보기도 했는데 결국 없으면 내가 만들어야겠더라고요. 내가 좋아하는 것, 내가 좋아하는 요소들을 잘 넣어가지고 요리를 하는 게 더 아름답게 들리겠다 싶었어요. 재즈도 파다가 자연스러운 느낌도 내보다가 중후반부엔 원래 자주 듣던 펑크도 많이 들어갔던 것 같아요.

 

 

Q. 이쿄님 보컬은 단순히 랩으로 분류하기 어려운 것이, 재지한 순간도 있고 펑키한 요소도 분명히 포함하고 있어요. 이런 것들이 결국은 이쿄님이 듣고 싶어 했던 소리였군요.

 

IKYO: 네 맞아요. 우다다다 랩만 나오는 것도 좋아하기는 하는데 다양하게 보컬도 나오고 랩도 나오는 것을 듣고 싶었거든요.

 

 

Q. 두 분이 지향하셨던 지점이 어느 정도 일맥상통한다고 느껴지는 것이, 결국 좋아하는 요소들을 자기 방식으로 재해석하고 하나로 모두 버무려낸 모습을 구현하고 싶으셨던 것 같다는 생각했습니다. 막간을 이용해서 이렇게 하나로 뭉치게 되신 팀 이름에 대해서 가볍게 여쭤보고 싶어요. 영화 <블랙팬서> 관련 질문은 이미 많이 들으셨겠죠? (웃음)

 

IKYO: <블랙팬서>라는 영화는 당연히 알고 있었는데 거기에 오코예라는 분이 있는지는 몰랐어요. “와칸다 포에버” 그분만 알고 있었지. 근데 생각보다 비중이 좀 있으시더라고요.

 

The o2: 팀 이름은 사실 ‘IKYO’랑 ‘The o2’ 철자를 섞은 거거든요. 진짜 절묘하게 이렇게 짓고 나서 저희는 이제 잘 지었다고 생각하고 지내고 있었는데 친구들이 자꾸 “(감히) 마블 캐릭터 이름으로 정했다니 정말 잘했다~” 라고 하는 거예요. 그래서 나중에 사실을 알고 나서 캐릭터 이름 보고 지은 것이 아니라고 했더니 아무도 안 믿어줬습니다.

 

 

 

 

 

 

Q. 그래도 이제 유튜브에 ‘오코예’라고 치면 첫 화면에 정규 앨범 영상이 뜨더라고요. 예전에 비해 많이 제쳤다고 생각합니다. (웃음) 아까 이야기하시면서도 팔로알토님 언급을 잠깐 해주셨는데요, 팔로알토님과의 인연도 굉장히 의미 있으실 것 같아요.

 

The o2: 뭐랄까 약간 힙합 커뮤니티에서 완전 환영받는 느낌을 받았어요. 왜냐하면 힙합 ‘씬(scene)’이라는 게 있다고 얘기는 하지만 그게 좀 뭔가 추상적인 개념이잖아요.

 

 

Q. 그렇죠. 사실 한국에서 씬에 대한 개념은 항상 논란의 여지가 있었잖아요.

 

The o2: 저는 데일리 루틴이 습관적으로 그냥 음악 만들고 내곤 했으니까 반응이 전무하다시피 했거든요. 그런데 팔로알토 형이 그냥 딱 이렇게 (샤라웃을) 해주시니까 뭔가 거대한 힙합 커뮤니티에서 “완전 환영합니다, 오투님 들어오세요, 이쿄님 들어오세요.”라고 해주는 것처럼 환영받는 느낌을 받았어요. 그래서 아무래도 팔로알토 형님이 저희한테 되게 상징적인 분이시죠. 예전부터 OG분들이 보여주셨던 무브먼트나 에너지들이 나한테도 오는구나 싶어서 뭔가 이 거대한 흐름의 하나가 되는 느낌이 들었어요. 나도 이렇게 멋진 사람이 되고 싶다는 생각이 자연스럽게 들더라고요.

 

IKYO: 저는 그냥 너무 감사하죠. 솔직히 그냥 감사한 마음밖에 없어요. 사실 P2P 당시에는 리액션을 막 크게 해주시지 않았었고 처음 전화주셨을 때나 데모 들려드렸을 때도 격한 액션은 없으셨거든요. 뭐랄까 음악인들 사이에서는 막 욕이 나와야 이게 좀 뭔가 됐구나, 하는 느낌이 팍 오는 게 있잖아요. 근데 알고 보니 처음부터 그렇게 반응하면 신빙성이 떨어지는 느낌이어서 일부러 하루 있다가 연락을 주셨다고 하더라고요. 그래서 ‘아 우리가 생각이 짧았구나’ 싶었죠. 솔직히 다 완성된 곡도 아니었고 가사가 없는 구간도 많은 가이드 수준이었는데 “각이 나오네, 500만 원 나 너 줄게, 그냥 투자할게.” 하신 거예요. 저는 돈이 진짜 많아도 못할 거 같거든요.

 

 

 

 

 

 

Q. 앞서 오투님이 말씀해 주셨던 선후배 간의 거대한 흐름이 위에서 아래로 흐르는 것 같은 느낌이네요. 팔로알토님도 분명 두 분이 나중에 더 높은 자리까지 올라갔을 때 다시 그 시점의 신예들에게 이 흐름을 계승하는 그림을 바라고 계시지 않을까 싶어요. 그러고 보면 이번에 래퍼분들뿐만 아니라 다양한 연주자분들과의 협업도 많았어요. 그중에서 특히 윤석철 님의 피쳐링이 눈에 띄는데요, 어떻게 처음 함께 하시게 된 건가요?

 

IKYO: 석철이 형님은 ‘The BLANK Shop’ 활동 준비하시던 당시에 래퍼가 필요하다고 SNS에 공개모집을 하셔서 연락을 드렸던 것이 시작이었어요. 그때 연이 되어서 오투랑도 같이 한번 뵙기도 했죠.

 

 

Q. 석철님은 말 그대로 재즈 뮤지션이시잖아요. 이번 오코예 앨범에 석철님의 반응은 어땠나요?

 

IKYO: 처음 스케치를 들려드렸을 때 반응은 “오… 이렇게 하는 분들이 있네요..”하는 반응이 제일 많으셨어요. 이 친구들 범상치 않구나, 하는 리액션을 해주셔서 좋았죠.

 

The o2: 작업하면서도 적재적소에 굉장히 첨예하게 피드백을 해주셔서 신기하기도 했고요. 여담이지만 저희 앨범 크레딧을 보면 석철 님께 ‘Swing Adviser’라는 크레딧을 드렸는데요, 스케치를 처음 딱 들려드렸을 때 진짜로 거짓말 조금 보태서 “이건 스윙이 아니야”라고 하시면서 그 자리에서 피아노는 이렇게 쳐야 하고 드럼은 이렇게 쳐야 하고 베이스는 이렇게 쳐야 한다고 하나하나 직접 누르시면서 한 시간 동안 다 가르쳐주셨어요. 거기서 이제 스윙 기초를 다 배우고 노래를 다시 재편곡했죠.

 

 

Q. 정말 단어 그대로 스윙 어드바이저이셨네요.

 

The o2: 네, 그런 일이 있었습니다. 베리 해리스의 유명한 영상 같은 딱 그 상황이었어요. “너희는 전혀 스윙하고 있지 않아”를 실제로 경험하고 왔습니다. (웃음)

 

 

 

 

 

 

Q. 음악에 대한 이야기를 조금 더 나눠볼게요. 이번 앨범의 주요한 사운드가 단순 샘플링도 아니고 100% 생 연주도 아니고 그것들이 다 버무려져있는 작업이잖아요. 물론 [Jazztext]는 큰 기획 없이 만드셨다고는 했지만 이런 식의 사운드가 처음 탄생하게 된 계기가 혹시 있을까요?

 

The o2: 이건 이번 앨범 초창기에 정리해 놓았던 생각인데요, 제가 느끼기에는 연주자분들이 만든 재즈 음악인데 힙합의 요소를 썼다고 하는 작품들은 힙합이 가지고 있는 말도 안 되는 구성이나 드럼 같은 요소들이 부족하다고 느꼈고, 반대로 비트 메이커나 힙합 음악을 하시는 분들이 재즈에 영향을 받아 만든 작품은 연주에 대한 이해도가 많이 생략된 형태로 편집돼서 나온다고 생각했어요. 그래서 그냥 심플하게 힙합적인 것도 빡세고 연주도 빡세게 들어가 있는 것을 만들면 없던 게 나올 수도 있지 않을까 하는 생각을 했죠. 여기서 ‘힙합적’인 것이라면 너무 광의적인 말이라 여러 의미가 있겠지만, 청각적인 측면에서 봤을 때 드럼의 강력함 같이 푹 찌르는 게 있어야 하고 그것만큼은 꼭 살리자는 제 나름의 성취 기준을 만들어놨습니다.

 

예를 들어 믹스, 마스터는 ‘술탄오브더디스코’ 기타리스트 홍기 님께 맡겼는데요, 아무래도 밴드 음악 베이스이시다 보니 제가 계속 “더 크게 해야 한다, 더 크게 해야 한다”라고 피드백을 많이 했었죠. 그러면서도 로우파이로 대표되는 음악들을 들어보면 그 연주라는 게 다층적이지 않다고 느꼈어요. 재즈 교본 같은 곳에 나올 정도의 무게감으로 퉁치려는 곡들도 있다고 느꼈는데 저는 조금 더 리스펙트풀하게, 제대로 하고 싶다고 생각했죠. 그리고 그렇게 하면 없던 게 나올 수 있겠다는 생각이 늘 있었고요.

 

 

Q. 아까 이쿄님도 재즈를 되게 파셨다고 했잖아요. 재즈를 기반으로 작업하시게 된 이유가 따로 있을까요?

 

IKYO: 저 또한 방금 오투가 얘기한 것처럼 소위 말하는 그런 짜치는 재즈 힙합이 싫었던 거죠. 결과적으로 저희가 낸 음악 중 하나가 ‘듣기 좋은 재즈 힙합 플레이리스트’ 같은 데에 들어갈 수도 있겠지만 베드룸 뮤직 같은 카테고리로 가고 싶은 것은 절대 아니었거든요. 그렇다면 재즈를 더 깊게 파보자 했던 거고요. 그런데 아까 이야기했던 것처럼 내가 듣고 싶은 방식으로 재즈와 힙합을 섞은 음악을 찾기 쉽지 않았기 때문에 짬뽕에 짬뽕을 더하면서 기존방식을 탈피해 보고자 했어요.

 

 

 

 

 

 

Q. 실제로 오코에 앨범 리뷰나 감상평 중에 ‘재즈 힙합’이라고 표현하는 글이 되게 많은 것이 사실인데요, 지금껏 없던 것이 나왔으니 이걸 묘사할 단어가 ‘재즈 힙합’ 말고는 없었던 것이 아닐까 하는 생각도 듭니다. 이어서 작법에 대한 과정에 대해서도 질문해 볼게요. 이번 앨범에서 이쿄님의 가사를 보면 넘치지도 않고 부족하지도 않도록 딱 맞게 설계되어서 악기들과 어우러지는 모습이 인상적인데요, 작사하는 과정에서 특별히 신경쓰셨던 부분이 있나요?

 

IKYO: 일단 좀 맛깔나게 들려야 하지만 너무 과하면 안 된다고 생각해서 수정을 되게 많이 했어요. 오투한테 보내고 피드백도 많이 주고받으면서 지금의 결과물이 된 건데 그 와중에 가장 많이 신경썼던 부분은 곡 자체가 물처럼 흘러가야 하는지, 아니면 내가 짱이라는 느낌으로 팡 튀어 올라야 하는지에 대한 고민이었어요. 물론 들어주시는 분들이 어떻게 느끼셨는지는 모르겠지만 후자의 방향으로 접근한 경우는 ‘Broken’이라는 트랙을 제외하고는 거의 없거든요.

 

사실 그 당시에는 이렇게 미리 계산하지 않고 딱딱 몸이 알아서 작업을 한 경우 많죠. 오투의 도움도 컸고요. 그리고 가사적으로도 그렇지만 악기처럼 들렸으면 좋겠다는 마음이 기저에 깔려있기도 했어요. 그러다 보니 마스터 음원을 들어보면 전체적으로 밸런스가 비슷한 느낌의 곡들이 꽤 있죠. 나랑 오투 두 명이 아니라 어떻게 하면 하나가 될 수 있을지에 대해서 초반에는 계속 의식하면서 작업했는데 중후반으로 넘어가면서부터는 자연스럽게 깔면서 갈 수 있었던 것 같아요.

 

 

Q. 말씀하신 것처럼 오코예 음악은 단순히 비트 위에 랩을 했다는 개념과는 거리가 있다고 생각해요. 이런 측면에서 ‘목소리’라는 재료에 대해서도 어떻게 바라보고 계신지 궁금합니다.

 

IKYO: 사실 이 주제에 대해서 평소에도 생각을 많이 했는데요, 저는 ‘목소리가 최고의 악기다’라는 말에 공감하면서도 공감하지 않아요. 왜냐하면 목소리가 최고의 악기일 수 있지만 사실 그럴 필요도 없다고 생각하거든요. 보통 힙합이 믹스할 때도 그렇고 목소리 위주인 경우가 많잖아요. 다른 장르에서도 사람들이 1차원적으로 꽂히는 게 목소리이기도 하고요. 그런데 지금 이 앨범에 국한해서 이야기 드리자면 거기에서 살짝 뒤로 빠져있는 느낌을 주고 싶었어요. ‘목소리가 들리는 건 알겠는데 일단 좋네?, 근데 알고 보니 이런 이야기도 하네?’ 같은 느낌으로요.

 

목소리를 다양하게 쓰고 싶어 하는 제 입장에서 이런 이야기를 하는 게 좀 아이러니하긴 한데요, (웃음) ‘지금 네가 이 앨범에 쓴 목소리가 몇 개고 몇 개의 레이어를 쌓았는데 그런 소리를 하니’라고 하시면 사실 할 말은 없지만 그 또한 의도한 겁니다. 목소리는 그냥 재료 중 하나이고, 듣다 보니까 재료가 괜찮네? 가사도 한번 볼까? 근데 가사도 되게 맛깔나네? 이런 식으로 봐주는 게 자연스럽다고 생각하고요, 솔직히 말하면 가사지도 안 봐도 된다고 생각해요.

 

 

Q. 재밌네요. 물론 이제는 그런 기조가 많이 사라지긴 했지만 그럼에도 힙합 안에서 특히 딜리버리를 신경 쓰는 경우가 적지 않잖아요.

 

IKYO: 물론 이번 앨범에 국한해서 이야기를 드린 거고요, 이후에 다른 인터뷰에서 제가 “근데 목소리가 짱입니다.”라고 할 수도 있어요. (웃음) 다만 이 앨범에서는 (목소리를 포함한) 각각의 악기들이 비슷한 밸런스로 들렸으면 했던 거죠.

 

 

 

 

 

 

Q. 목소리가 최고의 악기가 되는 앨범도 있겠지만 목소리가 최고의 악기라는 생각으로 만드시는 건 아닌 거군요. 프로듀싱하시는 오투님 생각도 들어볼 수 있을까요?

 

The o2: 저는 좀 더 전체적인 관접에서 접근하는 것 같아요. 특히나 랩 같은 경우에 랩의 비중이 높아지면 Eminem의 ‘Godzilla’ 아웃트로 같은 음악밖에 나올 수 없다 생각해요. 에미넴 자체가 워낙 스킬풀하고 탄탄하기 때문이지, 다른 사람이 똑같은 랩을 하고 있으면 들을 메리트가 떨어진다고 생각하거든요. 누가 말하느냐도 중요한 변수인데 이게 확실한 게 아니라면 가창만 너무 두드러지는 건 지루합니다. 물론 장르적으로 포크나 블루스 음악은 가사에 나오는 미학이 있기 때문에 상쇄가 되는데 인스트루멘테이션 관점에서만 본다면 목소리도 하나의 악기라고 생각했을 때 어떤 악기만 계속 나오는 노래를 들어야 한다면 되게 지루하단 말이에요. 다른 악기와도 주고받아야 흥미로운 음악이 나온다고 생각합니다.

 

그렇지만 이제 목소리가 위대한 점은 아까 말씀드렸듯이 그 사람이 누구인가, 그 아이덴티티에 따라서 우리한테 주는 호소력이 달라지고, 심상적인 측면에서 가장 직설적이라는 점 같아요. “나는 슬프다.”라고 하면 바로 내가 슬프다는 사실이 전달되잖아요. 내용에 언어가 포함되어 있으니까. 그런데 색소폰을 삐비빅 하고 분다고 이 감정을 바로 전달하긴 어려운 거죠.

 

 

Q. 맞아요. 불가능한 것은 아니지만 언어라는 요소가 제외된 상태에서 감정을 직관적으로 표현하기란 쉽지 않죠.

The o2: 그 점에서 목소리는 대체 불가능하기 때문에 굉장히 유용하고 멋진 거죠. 그런 점에서 오코예 음악을 만들면서 경험적인 측면에서 봤을 때 어떤 소리랑 어떤 감정이랑 잘 어울리는 부분이 있더라고요. 전체 악기랑 목소리가 일맥상통하면서 감정선이 빵 터질 때 파급력이 엄청났어요.

 

 

 

 

 

 

Q. 사실 오늘 대화 나누면서 어느 정도 파악은 되는데 실제로 어떤 과정을 거쳐서 곡이 완성되는지 궁금했거든요. 구체적인 설명은 어렵겠지만 완성까지의 대략적인 루틴 같은 것이 있나요?

 

IKYO: 우선 오투가 저한테 비트를 먼저 던져주는데 그 비트의 상태가 스케치인지, 아니면 거의 완성에 준하는 상태인지가 중요해요. 우선 ‘I Just Wanna Dance ‘ 같은 경우는 거의 완성에 가까운 상태였고 이미 오투가 훅을 맛깔나게 해놔서 저는 벌스만 적으면 됐었다 보니까 가이드 랩, 가이드 멜로디를 보내고 피드백을 주고받으면서 완성되는 심플한 과정이었죠.

 

그런데 이제 ‘서울 (Seoul)’ 같은 경우는 좀 반대에요. 이 곡은 비트를 받기 전에 ‘Miles Davis – Black Satin’이라는 곡에 해보고 싶었거든요. 연주곡이다 보니까 될까 싶어서 시도를 해봤더니 되게 재밌는 거예요. 그래서 오투가 이걸 기반으로 재편곡하는 느낌으로 작업해서 스케치 비트를 받았죠. 거기서 이제 비트를 재조립하고 스위칭도 해보고 하면서 좀 복잡한 과정을 거쳐서 완성된 곡이에요.

 

 

 

 

 

 

Q. 악기 같은 경우는 리얼 세션 레코딩을 받아서 추가하시는 건가요?

 

The o2: 그럴 때도 있고 가상 악기로 작업하는 경우도 있어요. 레코딩을 받는 경우는 아이디어가 확실하면 악보를 그려서 요청 사항을 다 정리한 후에 연주자분들께 부탁드리고, 도저히 아이디어가 없지만 아무튼 악기가 들어가야 한다는 방향성만 있을 때는 이제 “잘 부탁드립니다. 프리하게 해주세요.” 하는 거죠. (웃음)

 

 

Q. 앞에서도 ‘재즈 힙합’ 같은 키워드에 대해 이야기를 나누기도 했는데요, 사실 오코예는 얼터너티브 힙합이라고 분류하기에도 100% 부합하는 음악을 하는 팀은 아니라고 생각해요. ‘장르’라는 분류 기준 자체가 음악 산업이 커지면서 필수 불가결하게 자리 잡은 개념이다 보니 이 부분에 대해서도 두 분의 생각을 들어볼 수 있을까요?

 

The o2: 사실 말씀하신 것처럼 장르라는 것이 어쨌든 매대 위에 올리기 위한 카테고라이징을 최초의 기능으로 갖고 있다 보니까 뮤지션이 이 장르라는 것을 바라볼 때 본인의 아이덴티티와 엮어서 보게 된다면 사고가 나기 쉬운 구분법 같아요. 왜냐하면 장르 자체가 그 본질은 그냥 카테고라이징이지 아이덴티티는 아니거든요. 그 한계점을 알고 접근해야 건강하게 장르를 볼 수 있는 것 같아요. 그렇지만 지금은 포스트 장르 시대잖아요. 그런 점에서 장르가 어떤 분류법에만 그치는 게 아니라 ‘커뮤니티’의 다른 언어로 쓰이는 경우가 많은 것 같기도 해요. 장르 자체가 어떤 커뮤니티의 기능을 하고 있지 않나 하는 거죠.

 

예를 들어 영국의 ‘UK 드릴’이나 ‘그라임(Grime)’ 같은 장르도 결국 이주민 커뮤니티에서 함께 모여서 음악을 만들다가 그게 쌓이고 쌓여서 좀 더 자생적이고 자체적인 사회 움직임으로 빌드업된 거거든요. 이런 점에서 장르는 어떤 커뮤니티, 무브먼트의 대체어 기능도 하는 것 같아요. ‘트랩(Trap)’ 뮤직도 사실은 게토를 부르는 용어로도 쓰이거든요. 그래서 애틀랜타시의 래퍼들 인터뷰를 들어보면 “요새 트랩에서 이런 일이 일어나더라”라는 식으로 얘기하는데 그게 트랩 음악씬을 이야기하는 게 아니라 진짜 그 지역 세계를 이야기하는 표현이에요. ‘장르’ 안에 두 가지 레이어가 공존하고 있는 셈이죠.

 

결과적으로 오코예가 ‘재즈 힙합’으로 불린다면, 카테고라이징을 위해서 단어가 필요하다면 그렇게 갈 수도 있다는 생각이에요. 그렇지만 커뮤니티 관점에서 봤을 때 아직 우리가 속한 곳이 어떤 커뮤니티라는 아이덴티티는 나오지 않았다고도 생각해요. 저희가 새로운 장르를 주창하더라도 결국 여러 뮤지션이 모여서 함께 계속 작업물을 내는 무브먼트가 나와야 하는데 그런 충분조건이 좀 결여돼있는 상황이니까요. 그래서 (오코예 음악을) 어떤 장르로 부르기 애매한 측면은 있는 것 같아요. 음악의 다양성과 카테고라이징의 한계 지점이 만나서 생긴 회색 지대를 이번에 오코예가 점하게 됐는데 특정 장르명을 쓰지 못하는 것은 더 이상 뮤지션 자체의 문제가 아니거든요.

 

그래서 이제는 이름 붙이는 사람들이 이 스펙트럼 안에서 어느 위치에 있는지를 보여주는 지표라는 생각이 들어요. 예를 들어서 사실 ‘재즈 힙합’이라고 우리를 부르는 사람들은 힙합 커뮤니티에서 힙합이라는 키워드를 통해서 오코예를 소비하는 사람들이에요. 근데 반대로 이번에 저희 음악이 재즈 에비뉴에도 피칭이 되었는데 거기서는 ‘재즈 신보를 소개합니다.’라는 명제 아래에 오코예의 음악을 소개하기도 한단 말이죠. 결국 어떤 음악을 소개하고 그것에 대해 이야기하는 사람이 스스로가 누군지, 또는 스스로 스펙트럼상에서 어느 위치에 있는지를 드러내는 개념이 됐다고도 생각해요. 음악 아래에 장르가 있는 것 같지만 사실은 이제 리스너 아래 장르라는 개념이 있는 것 아닌가 싶어요.

 

 

Q. 흥미롭습니다. 이 자리에서 이렇게 다층적인 이야기를 나누게 될 줄 몰랐어요. 이어서 이쿄님의 생각도 궁금합니다.

 

IKYO: 저는 사실 음악 하는 사람 입장에서 마케팅을 위해서 스스로 명시하는 경우 말고는 미리 장르를 정해놓고 음악을 만드는 것은 아쉬운 행동이 아닌가 생각해요. 나머지는 듣는 사람들의 몫이기 때문에 오투만큼 깊게는 생각하지 않았고요. 왜냐하면, 솔직히 ‘프린스(Prince)’ 음악 장르는 지금까지도 뭔지 잘 모르겠거든요. 펑크라고 하지만 누구는 팝이라고 부르니까요. 너무 명확하게 한 우물만 파는 사람들도 가끔 여러 가지 시도를 할 때가 있는 거니까 (장르에) 적당하게 관심을 가지고 적당하게만 알고 그 이후로는 내버려두는 게 가장 아름다운 거 아닌가 하는 생각이 듭니다.

 

 

 

 

 

 

Q. 저도 유통사에서 일하면서 장르라는 개념의 한계에 대해 실감할 때가 많았는데 특히나 범 장르적인 음악을 하시는 두 분의 생각을 들어볼 좋은 기회였네요. 이제 거의 마지막 질문입니다. 제가 좋아하는 표현 중에 래퍼 ‘Ice-T’의 “힙합은 아무것도 창조하지 않았다. 단지, 모든 것을 재창조했을 뿐.”이라는 말이 있는데요, 오코예의 이번 앨범과 부합하는 지점이 굉장히 많다고 느꼈어요. 그런 의미에서 여쭤봅니다. 두 분에게 힙합이란?

 

The o2: 살면서 이 질문을 받게 될 줄은 몰랐네요. 이런 엄청난 질문을 받다니. (웃음)

 

IKYO: Ice-T 아저씨 말처럼 재창조의 문화이자 음악이고 또 미학이라고 생각해요. 저도 워낙 샘플링한 음악을 좋아하기도 하고 오래전부터 들으면서 자랐거든요. 힙합은 그냥 그 재창조의 영역에서 정점이 아닌가 하는 생각을 합니다. 음악의 관점으로 힙합에 대해 한 단어로 외워야 한다면 ‘재창조’.

 

 

Q. 오투님, 혹시 너무 어려운 질문이라면 넘어가셔도 괜찮습니다.

 

The o2: 뭔가 한마디 멋지게 딱 하고 싶은데. 저도 결국 재창조인 것 같아요. 왜냐하면 프로듀서 관점에서는 이 음악에 어떤 테이스트를 가져오느냐가 맛을 좌우한다고 생각하는데, 결국 이미 있던 것들 중에서 가지고 와서 더 좋은 것을 가리는 거거든요. 그런 점에서 자기 취향을 큐레이션 하는 과정에 재창조의 기능이 있지 않나 싶어요. 그리고 음악을 볼 때 그 바깥에 있는 사람과 관련된 것들을 같이 볼 대 어떤 관점이 더 명료해진다고 생각하거든요. 사람이 할 수 있는 것은 주어진 것, 그런 제약 아래서 창의적으로 역량을 발휘하는 것이니까요. 그런 점에서도 재창조를 이야기할 수 있지 않을까 하는 생각이 드네요.

 

 

 

 

 

 

Q. 오늘 아주 많은 이야기를 나누었습니다. 초반에 공연 이야기를 잠깐 해주셨는데 혹시 올해 말에 더 이어질 활동이나 계획이 있으실까요?

 

IKYO: 일단은 인터뷰 오픈일 기준으로 9월 말에 얀씨클럽에서 공연을 멋지게 마쳤고 이제 12월 단독 공연 준비를 하려 합니다. 디테일한 날짜는 아직 미정이고요. 10월 15일에 오코예 이름으로 EP가 하나 나올 예정입니다. 저희도 3년 동안 공백이 좀 많았으니까 오코예 음악을 기다리시는 분들이 재미있게 들어주실 수 있지 않을까 합니다. 연말 공연까지 마무리하면 우선은 각자 솔로 활동에 집중할 것 같네요.

 

 

Q. 여러모로 올해 남은 하반기가 앨범 활동의 연장선으로 구성된 느낌이네요. 공연 꼭 가겠습니다. 마지막으로 더 덧붙이고 싶으신 말씀 있으시면 한 마디 부탁드리면서 인터뷰 마치도록 하겠습니다.

 

The o2: 저는 ‘존바불패’

 

IKYO: 그거 할 줄 알았어. (웃음) 다음 오투 앨범도 그렇고 제 앨범도 그렇고 오코예가 아니더라도 진짜 재밌게 음악 잘하니까 많이 들어주셨으면 좋겠습니다. 감사합니다.

 

 

 

 

Interview | 월로비

사진제공 | O’KOYE

결국 다시 만날 거란 믿음, jeebanoff (지바노프) 여섯 번째 EP 발매 기념 인터뷰

Posted on by poclanos

 

결국 다시 만날 거란 믿음, jeebanoff (지바노프) 여섯 번째 EP 발매 기념 인터뷰

 

오랜 공백기 끝에 알앤비 싱어송라이터 jeebanoff (지바노프)가 반가운 소식으로 돌아왔다. 작년에 한차례 싱글 [There, there]를 발매하긴 했으나, 작품 단위의 작업물을 중시하는 jeebanoff에게 있어 지난 7월 발매한 EP [We Will Meet Again]는, 정규 이후로 약 3~4년 간 그를 기다려온 팬들에게 본격적으로 건네는 인사라고 볼 수 있겠다.

 

이번 앨범 키워드 ‘재회’로 선정한 만큼, 현 상황의 jeebanoff에게는 수많은 재회의 순간들이 겹쳐있었다. lackjoe와 함께 프로듀싱을 처음으로 함께했던 초창기 크루 멤버 ‘house on mars’의 TAEK과 오래간만에 만나 합을 맞췄고, 다시금 인디펜던트로 돌아온 직후의 순간을 맞닥뜨리며 팬들 뿐만 아니라 지난 날의 자신과 다시 만나기도 했다.

 

훌쩍 성장해버린 음악가로서 다시 자기 자신과 조우한다는 것은 어쩌면 새로울 지 모른다. 뾰족하던 시절과 다르게 훨씬 포용적인 면모를 지니게 되는 자연스러운 과정을 거쳐오기도 하고, 나날이 늘어가는 팬들을 위해 끊임없이 나아가는 노력을 멈추지 않아야 할 것이다. 그럼에도 jeebnoff는 자기 자신을 한결같이 ‘음악하고 노래한다’고 소개한다. 기대에 충족하는 작품이 나오지 않을 때에는, 다음 번에 다른 앨범을 들고나올테니 잠시 기다려달라 대답한다. 이번 앨범의 제목처럼 결국 다시 만날 거라는 믿음을 언제나 기저에 두고 있기에 잠시 떨어져 있을지라도 팬들의 마음이 지치지 않게 만드는  그를 만나 이번 앨범을 작업하게 된 배경부터 미래에 관한 고민까지 다양한 이야기를 나눴다.

 

 

 

Q. 간단하게 아티스트 jeebanoff (이하 ‘지바노프’)의 자기소개를 부탁드립니다.

 

활동 초반부터 노래하고 곡을 만드는 지바노프라고 소개했어요. 공연 때마다 그렇게 설명했는데, 여전히 달라진 건 없는 것 같아요. 그냥 여전히 곡 쓰고 노래하는 게 제일 재미있는 지바노프입니다.

 

 

Q. 발매 이후로는 잘 지내고 계시나요?

 

완전 잘 쉬고 있죠. 미니 앨범 준비하면서 정말 힘들었거든요.

 

 

 

 

 

Q. 전역 이후 발매한 더블 싱글 <There, there>부터 천천히 얘기해보고 싶습니다. 초창기 아트워크를 함께 한 바퀴주 님과의 오랜만의 협업이 돋보였는데요, 초심을 기억하기 위한 작업일까 싶었어요.

 

전혀 그런 건 없구요. 살면서 크게 의미를 담는 편이 아니라서 별다른 큰 이유는 없었어요.

 

딱히 퀴주랑 얘기하면서 ‘오랜만에 초심으로 돌아가자’라는 얘기는 없었고, 생각나서 연락했던 것 같아요. <There, there>랑 어울리는 아트워크가 없었고, 그렇다고 사진으로 작업하고 싶지 않았어요. 퀴주가 또 도트 아트, 픽셀 아트로 많이 알려져 있거든요. 다양하면서도 바퀴주스러운 개성이 담긴, 담백한 스타일의 아트워크를 해보고 싶더라고요. 최대한 덜어내고 덜어내서 깔끔한 그림으로 가게 됐어요.

 

Q. 곧바로 <There, there>를 발매하겠다고 결심한 까닭이 있었나요?

 

예전부터 프로젝트성으로 준비하고 있던 싱글이 있었어요. 입대 전인 20년도에 만들어놨던 곡인데, 피처링을 찾는 과정이 길어졌어요. 제 문제가 아니라 피처링을 구하지 못해서 발매하지 못하는 상황이 너무 아이러니해서, 급하게 발매하지 말고 기존에 갖고 있던 곡 중에서 발매해야겠다고 결심했어요. 그 곡이 <There, there>의 ‘Care for you’였어요. 지난 시점에서 보니까 힘없이 툭 던진 싱글이 되어버린 듯해서 아쉬운 마음이 있죠.

 

 

 

 

 

 

Q. 여러모로 새로운 마음가짐으로 발매했을 여섯 번째 EP <We Will Meet Again>을 간단하게 소개 부탁드립니다.

 

만들게 된 동기 자체는 간단했는데, 과정은 지금까지 작업했던 것 중에 가장 어려운 앨범입니다. 그 이유는 (프로듀싱으로 참여한) TAEK 형이 진짜 변태기 때문이거든요. 변태스러울 정도로 꼼꼼해요. 여하튼 TAEK이랑 lackjoe 두 사람이 프로듀서 팀으로 같이 하고 있어서 이번 기회에 lackjoe 형을 처음 만났는데, TAEK 형 못지않은 변태더라고요. 다른 분야의 변태였던거죠.

 

그래서 하나하나 잡다 보니 한 곡을 완성하는 데에 정말 많은 시간이 걸렸어요. 그렇게 5곡이 세상 밖으로 겨우 나왔죠. 어쨌든 동기에 비해서는 정말 힘들게 만든 앨범이고, 반년 동안 세 사람이 밤낮없이 만든 앨범입니다.

 

 

 

 

Q. 안 그래도 크레딧에 반가운 이름 ‘TAEK’이 보여서 여쭙고 싶었어요. 과거 크루 ‘house on mars’를 함께 했던 TAEK 님이 프로듀싱에 본격 참여하게 된 배경이 궁금합니다. 

 

이번 앨범이 나오기 전부터 정규 작업 2개를 병행하고 있었어요. 그러다 전역 후에 TAEK 형한테 거의 3~4년 만에 연락이 와서 만나게 됐어요. 형의 음악을 정말 좋아하는데, 도통 발매를 안 하니 도대체 뭐 하고 사는 건지 (웃음) 궁금해서 만나서 근황을 물어봤어요. 그런데 TAEK 형이 자기 앨범도 앨범이지만, 프로듀싱 자체에 재미가 붙었다고 하더라고요. 만들어뒀던 비트를 들려줬는데, 그 비트가 최근에 발매된 ‘Night & Day’였어요.

 

같이 작업할 생각으로 만난 게 아니라, 비트를 듣고 좋다고만 생각하는데 형이 ‘주변 알앤비하는 사람들한테 보내봐줄 수 있냐’ 여쭤봐서 며칠 정도 갖고 있었어요. 계속 비트를 들어보는데 너무 좋더라고요. 실제로 형이 언급했던 아티스트들이 몇몇 있는데, 그 사람들이 부르는 상상을 하니까 너무 질투 나는 거예요. 얼마나 잘하는지 알고 있으니까. 그래서 ‘형, 그냥 내가 쓰면 안 될까’ 물어봤고, 형도 제가 하면 더 좋다고 얘기해주더라고요.

 

드라이브하면서 가이드 파일을 듣다가 또 너무 좋아서 ‘형 나 이거 너무 좋다, 살을 붙여서 몇 곡 더 해보자’ 말하고 추가로 만들었던 곡은 ‘여름 끝 겨울’이었어요. 한 곡 한 곡 살을 붙이니까, 이럴 거면 싱글 말고 EP를 제작하자고 얘기가 나왔어요. 그래서 미리 준비 중이던 정규는 잠시 보류해두고, 이 앨범부터 구체화했어요.

 

 

Q. 앨범의 키워드인 ‘재회’에 더욱 힘을 실어주는 상황이네요.

 

‘Night & Day’에서 출발한 앨범이다 보니까 제목을 정하지 않고 계속 작업했어요. 마무리 단계에서 제목을 지어야 하는 상황이 되었을 때, 되게 장난스러운 분위기에서 TAEK 형이 ‘재회로 정하면 어때’라고 그냥 가볍게 던졌거든요. 형이 제 앨범에 피처링한 이후로 6년 만에 같이 작업했다는 이유에서요. 처음엔 그냥 웃었는데, ‘재회’를 영어로 풀어내면 정말 예쁠 것 같더라고요. 문장으로 ‘We Will Meet Again’을 적어서 보여주니까 형이 되게 좋아했어요.

 

 

Q. 3년 만의 반가운 앨범인 만큼, ‘재회’라는 단어가 갖고 있는 의미가 지바노프에게 제법 와닿는 상황이었을 것 같기도 하구요.

 

단순하게 앨범의 서사를 대표하는 제목이 될 수도 있지만, 저한테는 그 문장이 많은 부분을 내포하고 있던 것 같아요.

 

장난스럽게 시작했지만, 저한테도 많은 의미가 있었거든요. 재회라는 키워드를 듣자마자 연상되는 포인트가 여러 가지였어요. 형이랑 6~7년 동안 같이 있으면서, 밤낮 바뀌어가며 붙어있던 적도 없었거든요. 동시에 goodtomeetyou를 나오면서 마냥 시원한 감정을 느끼지는 않고 있었어요. 레이블 이름도 제가 만든 이름이었고, 어감도 비슷하게 느껴지더라고요. 또 인디펜던트가 되면서 다시 청자 분들이랑 가까워졌다는 느낌을 주고 싶었어요. 팬들에게 하는 말도 맞죠. 과몰입해서 보면, 팬 분들이 맨날 공연해달라고 한단 말이에요. ‘그 공연도 곧 볼 수 있을 거예요’와 같은 느낌으로 해석할 수도 있겠네요.

 

 

 

 

 

Q. TAEK과 lackjoe 듀오와 제대로 작업해 본 건 이번이 처음인데, 합은 잘 맞으셨나요?

 

그 둘이 팀을 결성하고 처음으로 작업한 게 [We Will Meet Again]여서, 저랑 두 사람의 합보다는 그 두사람의 합이 더 중요했을걸요? (웃음) 작업실 가면, 부부싸움한 것처럼 냉전이 흐를 때도 있었고. 워낙 서로 꼼꼼하게 작업하다 보니 세 명이 서로를 이해하지 못하는 부분도 있었어요.

 

그래도 작업하면서 합은 맞춰진 것 같아요. 이번에 TAEK의 삶을 살아보기를 간접 체험했는데, 앨범이 안나왔던 이유를 알겠더라거요. 유통사에 음원 파일을 전달해야 하는 날짜가 정해져있는데, 일주일 정도 시간이 남은 상황이었어요. 바로 전달할 수도 있지만 뭔가 더 해보고 싶어서 이것저것 작업해 본 것 같아요. 이미 끝난 작업인데도 건드리니까 할 게 나오더라구요. 그때 ‘우리에게 한달이 주어져도 작업은 절대 안 멈추겠다’를 느꼈어요. 그래서 그냥 마스터링을 핑계로 작업을 끝냈어요.

 

 

Q. 창작이라는 게 마감이 없으면 영원히 끝나지 않잖아요.

 

그래도 재미있었고, 20대 초반에 음악 하던 기분이긴 했어요. 정말 남자 셋이서 레고 만들듯이 작업했어요. 레고도 답이 없고, 만들기 나름이잖아요. 셋 다 재미있어서 발 동동 굴러가면서 작업하고, lackjoe 형도 신나서 뒤에서 막 일어난 채로 작업하고. 그렇게 음악 했던 게 언제인가 싶어서 재미있게 작업했어요.

 

 

 

 

 

Q. 트랙 구성에서도 ‘만남 ㅡ 이별 ㅡ 다시 만남’이라는 재회의 과정을 담아낸 것 같아요. 앨범의 전체적인 구성에 대해서도 궁금해요.

 

앨범을 구성할 때 보통 장르적인 연결과 가사, 분위기적인 서사를 늘 고민해요. 이번 앨범 순서를 정할 때도 키 포인트가 되는 부분이었어요. 가사를 쓰는 사람이고, 지금까지도 가사를 중심으로 트랙리스트를 구성하고 장르적인 부분을 이후에 고려하는 편이에요. 장르적으로 트랙리스트를 짜게 된다면 기승전결이 생길지언정 재미있는 한 방이 부족할 수 있기 때문에 억지로라도 뒤죽박죽 넣는 편이거든요. 앨범 단위로 발매하다 보니까 가사를 연결 짓는 행위에 스스로 재미를 느끼는 편이기도 하고요.

 

그런데 프로듀서는 장르적인 부분을 신경쓰게 되잖아요. 그래서 결과적으로 TAEK, lackjoe의 의견을 따라 순서를 정했어요. 형들이 정말 변태같은 게, 편곡 과정에서 음악을 절대 안 들려주거든요. 제 앨범인데. (웃음) 마지막 트랙 ‘내 말은’도 원래 chill 하고 특이한 트랙이었어요. 가사를 쓸 때까지만 해도 밴드 편곡으로 진행되는지 몰랐어요. 1월 즈음에 초안을 들은 건데, 3월 말까지도 아예 못 들어봤어요. 그런데 3개월 만에 들어보니까 록이 되어 있더라고요.

 

 

Q. 초반 트랙리스트는 어떻게 구성되어 있었나요?

 

지금이랑은 많이 달라졌어요. 원래는 ‘내 말은’으로 시작해서 ‘약속의 장소’, ‘Night & Day’, ‘여름 끝 겨울’, 그리고 ‘속삭임’으로 끝나요. 써놓았던 가사의 흐름은  연인이 만나는 과정으로 시작해서 헤어지는 순서에요.

 

어쨌든 jeebanoff가 오랜만에 미니 앨범으로 돌아왔는데 록이 나오면 의아할 수 있겠다 싶었어요. 트랙 넘버적인 부분에서는 가사적 흐름을 포기하고, 형들 의견을 따라서 지금의 트랙리스트를 구성하게 됐어요.

 

 

Q. 사실은 ‘재회’가 아니라 헤어짐으로 끝맺는 앨범이었던 거네요.

 

제가 생각하는 이번 앨범의 얼굴은 ‘Night & Day’거든요. 앨범을 시작하게 된 이유이기도 하고, 가사도 그냥 저를 옮겨다 놨어요. 제가 T거든요. (웃음) 나쁜 말을 하는 건 아니지만 예쁜 말을 잘 못해주고, 상대방 기분에 맞게 말하는 데에 서툴러서 실수하지 않으려고 되게 노력해요. 그래봤자 기분 나쁘지 않을 정도로 공감하려는 거지, 진짜 공감하는 것과는 다르잖아요. 가사처럼, 어떤 상황에 맞게 공감하지 못한다고 해서 미워하는 게 아니다. 돌아오지 못하는 곳에 가더라도 따라갈 수 있는 사람이다. 그런 내용을 담았어요. 초반부에 연애적인 서사를 많이 담았다면, 후반부에서는 결과적으로 이런 이유 때문에 헤어지는 상황을 그리면서 가사를 쓰긴 했어요.

 

 

 

 

Q. 가사를 중점적으로 트랙리스트를 구성하시는 만큼, 실제 겪었던 감정을 위주로 가사를 쓰게 될 것 같은데요. <We Will Meet Again> 속 시간에 따른 감정의 흐름은 공백기에 관한 감정이 담겨있지 않을까 싶기도 했어요.

 

공백기에 관한 내용은 ‘속삭임’에 꽤 많이 포함됐어요. 대중적으로 접근하기 위해 ‘너’라는 존재를 등장시키면서 대상한테 얘기하듯 만들었지만, 정말 스스로에게 쓰는 편지 같은 느낌에요.

 

<There, there>를 만들고 발매할 즈음에 되게 그랬거든요. 예전에는 제가 어떻게 보이고, 남들에게 어떻게 거론될지에 대해 무던하게 반응했어요. 그런데 오랜만에 싱글을 던져서 그런지 ‘조금 잊혀졌나’라는 생각이 들더라고요. 그런 생각에 조금 깊게 빠져있던 적이 있어서, 그런 상황을 겪고 작년 여름에 메모장에 길게 편지를 쓴 적이 있어요. 이번에 작업하면서 “속삭임”이라는 곡의 비트를 듣자마자 메모장에 적어둔 게 떠오르더라고요. 메모장에 적어둔 벌스를 토씨 하나 안 틀리고 그대로 옮겨놓은 곡이에요. 훅만 조금 더 만들고. 작년의 저를 대변했던 곡이라고 할 수도 있겠네요.

 

 

Q. 다시 만나게 된 지바노프가 팬들에게 들려주는 말처럼 다가와서 그런지, <Talking Book> (2020)을 사랑했던 사람들이라면 사뭇 반가울 법한 부드럽고 리드미컬한 곡으로 구성되어 있습니다. 사운드적으로 추구한 바는 무엇일까요?

 

감성적인 라인이 비슷한 것 같기는 해요. 저를 이렇게 유해질 수 있게 만들어준 앨범이 <Talking Book>이거든요. 그런 감성을 꺼낼 수 있게 된 상태에서 만들다 보니 연관성이 있는 것 같은 느낌도 들지만, 만드는 입장에서 파고 들어가면 성향이 많이 다르긴 해요.

 

‘약속의 장소’도 원래 보사노바로 시작했어요. ‘따- 따따 따 따따’ 부르는 멜로디 라인도보사노바 기타에 맞춰서 불러놨었고요. 그런데 형들이 보사노바 리듬을 빼고 드럼 연주 없이 멜로우한 연주로 만들어놨었는데, 들어보니 조금 느끼하더라고요. 안 그래도 달달한 가사인데 너무 부담스러워질 것 같아서 보사노바 버전 때 느낀 근본적인 기분 좋음으로 가자고 얘기했어요. 느끼한 지점은 드럼으로 잡고, 조금 더 편안한 분위기가 됐죠. 두근거리는 감정을 잘 담아내서 <Talking Book>이랑 비슷하게 느껴지는 부분이 있죠.

 

 

 

 

Q. 아까 말씀하셨듯 6~7년 만에 인디펜던트로 돌아와 처음으로 발매하는 작품이잖아요. 동일한 인디펜던트 시절이라고 하더라도, 데뷔작 <so fed up>을 발매하던 당시와 지금은 아주 많이 달라요. 그런 의미에서 <We Will Meet Again>을 발매한 소회가 궁금합니다.

 

일단 인디펜던트라는 상황을 제외하고 앨범과 앨범으로 보면서 했던 생각은, ‘정말 나이를 많이 먹긴 했구나’ 였어요. 사람들이 나이를 먹으면 유해진다고들 하잖아요. 성격도 마찬가지고, 장르적으로도 많이 포용하게 된 부분이 신기해요.

 

올해 초 우연히 1집 <so fed up>을 들었는데, ‘스물여섯 살의 이재민은 정말 힙합이었구나’ 싶었어요. 실제로 정말 힙합을 좋아했고, 웬만한 곡의 샘플링이나 믹스, 가사적 아이디어를 전부 힙합에서 얻던 시절이었어요. 당시의 이재민에게 ‘너 33살에 이런 앨범을 만들게 될 거야’라고 하면 바로 욕했을 것 같더라고요. (웃음) 당시에는 음악을 들을 때도 전자음악적 소스가 나오지 않으면 아예 안 들었어요. Oasis나 Green Day 같은 밴드 연주곡도 절대 안 들었어요. 물론 요즘에는 밴드 음악을 좋아하지만. 당시의 제가 지금의 저를 본다면 현실을 부정할 것 같은 수준으로 변한 것 같아요.

 

 

Q. 매년 꾸준히 작업물을 선보인만큼, 3년이라는 공백기 동안 불안했던 마음이 크진 않았나요?

 

불안한 마음은 원래 없었거든요. 데뷔 앨범을 낼 때도 크게 다르지 않았어요. <so fed up>이 장르적으로 대중적이진 않다 보니, 크루 형들이랑 ‘세상에 공개하면 10년이 지나든 20년이 지나든 누군가는 발굴하지 않겠냐, 그냥 천천히 기다리자’ 얘기했었어요. 생각보다는 빨리 주목을 받았지만.

 

이번에도 비슷했어요. 음악을 하다 말 것도 아니라 급하진 않아요. 그런데 이번 앨범을 내면서 조금은 생각하게 되더라고요. 공백기에 대한 불안 보다는 ‘앞으로 어떻게 해야할 지’에 대해 계속 생각해요.

 

 

Q. 앞으로 어떤 아티스트가 되고 싶은지에 대한 고민이겠네요.

 

앨범을 발매하는 건 예전처럼 계속 꾸준히 발매할 것 같은데, 외적인 활동을 사실상 하지 않잖아요. 어떤 형태를 띠는 아티스트가 되어야 할지에 대해 많이 고민 중이에요.

 

온전한 욕심으로는, 앨범을 만들고 발매하면 또다시 앨범을 만들고 발매하는 형태거든요. 저에겐 그게 제일 자연스러운데, 다른 모습의 아티스트가 되려면 어떤 부분이 추가되어야 플로우를 망가뜨리지 않으면서 듣는 이들도 재미있게 만들 수 있을까 싶어요.

 

 

 

 

 

Q. 힘찬 재회를 다짐하는 앨범인 만큼, 다음 만남에 대해서도 이야기해 보려 합니다. 전반적인 활동 계획이나 목표가 있나요?

 

미뤄두었던 정규 작업을 다시 하고 있는데, 어떻게 활동할 지보다는 뭐부터 내야 할지에 대한 생각이 커요. 작년에 만들어둔 앨범이라 후작업을 들어가야 하는데, 어떤 순서로 내야 사람들이 바라왔던 순서를 만족시킬 수 있을까 싶어요. 제가 느끼기에 <We Will Meet Again>은 여러 사람들이 좋아할 수는 있어도, 제 코어 팬분들한테는 장르적으로 재미없는 앨범일 것 같거든요. <Talking Book>처럼 미니멀하게 서사에만 집중하는 앨범을 낼지, 정규 앨범 <VOID.>처럼 재미있는 음악적 시도를 해야할지가 고민돼요.

 

 

Q. 마지막으로 인터뷰를 보고 계실 분들께 하고 싶은 말씀이 있다면요.

 

여러 가지 앨범을 만들고 있어요. 그중에서도 비틀즈 음악을 연구하는 과정에서 시작된 작업을 진행하고 있어서, 11월 즈음에 발매하면서 인사드리게 되지 않을까 싶습니다.

 

그리고 예전부터 해 온 이야기지만, 어떤 앨범이 나오든 간에 취향이 아니라면 잠깐 기다려주세요. 또 다음번에 들고나올 테니까요. 어쨌든 하나의 앨범만으로 흘러가는 흐름을 파악해 주시지만 않는다면 좋을 것 같습니다.

 

 

 

 

 

Interview | 박현영

사진제공 | jeebanoff(지바노프)

BORN TO BE ROCKSTAR, 최원빈 첫 정규앨범 [ACTING ROCKSTAR] 발매 기념 인터뷰

Posted on by poclanos

 

BORN TO BE ROCKSTAR, 최원빈 첫 정규앨범 [ACTING ROCKSTAR] 발매 기념 인터뷰

확실한 인기를 끌거나, 두터운 매니아층을 자랑하는 장르 음악을 열렬히 사랑하다 보면 ‘록스타’라는 단어를 종종 마주칠 수 있을 것이다. 빈번히 등장하는 단어임에도 록스타를 정의하는 일은 의외로 쉽지 않다. 스타의 스타, 화려한 삶의 주인공, 최전성기 시절 스타의 생활상이 반영된 단어 등 여러가지 이미지가 떠오른다. 어쨌거나 음악에 한평생 몸 바친 이들이라면, 한 번쯤은 꿈꿔봤을 법한 키워드임은 틀림없다.

 

전혀 다른 분위기의 두 밴드에서 프론트퍼슨으로 활동하고 있는 아티스트 최원빈은 록스타에 대해 어떻게 정의하고 있을까. 2016년, 밴드 웨터 (wetter)의 리더로 데뷔하며 국내뿐만 아니라 영국 투어를 다녀오며 예사롭지 않은 음악 생활을 시작하고, 현재는 이디오테잎의 DR과 프로듀서 Frants와 의기투합하여 결성한 3인 밴드 스네이크치킨수프의 프론트퍼슨으로 각종 국내 페스티벌 무대를 섭렵 중인 최원빈. 데뷔한 지 8년 만에 정규 1집 [ACTING ROCKSTAR]를 발매한 최원빈은 “이제는 그저 오래 음악 하는 것이 최종 목표”라 담담하게 말한다. 모든 사람의 주목을 받는 무대에서 화려한 순간도 경험하고, 주변의 사람들이 곁에서 떠나가는 실패의 순간을 모두 겪고 나아가는 과정에서 스스로 터득한 해답이다.

 

지난 20대의 성장 과정 속에서 나름의 결론을 내리고 드디어 자신 있게 선보이게 된 정규 1집 [ACTING ROCKSTAR]은 그런 그의 담담한 답변을 너무도 잘 대변하는 작품이다. 다채로운 피처링진 각각의 개성과 저항 정신이 가득 담긴 펑크록 사운드가 신선하고 명쾌한 해방감을 선사하면서도, 세상을 향한 단순하고 직설적인 가사는 삶에서 얻은 경험을 기반으로 쌓아 올린 뚝심이 드러나기도 한다. 록스타들에게 가장 바쁜 계절인 여름, 아티스트 최원빈을 만나 앨범 작업기부터 지난 20대의 삶에 대한 대화를 나눴다.

 

 

 

 

Q. 간단하게 아티스트 최원빈의 자기소개를 부탁드립니다.

 

첫 밴드로 데뷔한 지 8년 만에 드디어 정규 앨범을 완성하게 된 최원빈이라고 합니다. 반갑습니다.

 

 

Q. 최근에는 Snake Chicken Soup (이하 ‘스네이크치킨수프’) 밴드 활동을 겸업하고 계신데요. 웨터 (wetter) (이하 ‘웨터’) 이후의 또 다른 밴드인 스테이크치킨수프 활동은 어떤가요?

 

스네이크치킨수프는 드럼의 DR, 기타의 최석 (FRANTS) 형과 함께 하고 있어요. 두 분은 원래 각자 다른 음악 활동을 하고 있지만, 어릴 적부터 펑크를 해오면서 생긴 음악적 갈증으로 밴드를 구상하고 계셨어요. 그러다 셋이 진행해 보는 그림이 좋을 것 같다며, 주변인에게 소개 받게 됐어요. 당시에 DR 형님이 제가 웨터인줄 모르고 인스타그램을 봤는데, 웨터 따라 하는 애 같다고 별로라고 하셨다 하더라고요. (웃음) 제가 진짜 웨터 멤버인 것도 알려드리고, ‘그러면 만나보면 좋겠다’고 얘기 나오면서 성사됐죠.

 

두 분과 밴드를 하는 일이 정말 멋진 일이라 생각했지만, 당시에는 고민이 되긴 했어요. 다른 밴드를 다시 시작하는 것이기도 하고, 솔로 프로젝트를 준비하고 있기도 했거든요. 그래도 “밴드를 결정하려면 합주는 한번 해봐야 하지 않을까?”라는 마음으로 형들을 만났는데, 합주를 시작한 지 10초 만에 결론이 나왔어요. 합주하는 시간 자체가 너무 신나고, 형들도 진심으로 즐거워 하시는 것 같았어요. 저에게 두 분은 리빙 레전드 같은 존재라 함께 하는 게 정말 영광이거든요. 형님들은 매번 말로만 그런다고 하지만, 배운다는 태도로 즐겁게 활동하고 있어요.

 

 

Q. 스네이크치킨수프와 웨터는 성격이 정말 다른 밴드잖아요. 웨터부터 스네이크치킨수프의 프론트퍼슨까지, 각 활동 때마다 어떻게 달라지나요?

 

웨터로 활동하던 당시에는 프론트맨이기만 할 수는 없었어요. 리더이기도 하고 어리고 경험도 부족하고, 잘하고픈 마음이 너무 앞서서 온전하게 무대에 집중하는 데 시간이 오래 걸렸어요. 누가 뭐라고 하진 않았지만 압박감도 심하고, 스트레스도 많이 받아서 히스테리도 많이 부린 것 같아요.

 

스네이크치킨수프는 우선 웨터에 비해서 사운드가 직관적이거든요. 가끔 석이 형이 “원빈아, 너 지금 너무 열심히 해, 너무 진지해.”라고 말해주시거든요. 덕분에 음악을 즐겁고 흘러가는대로 대하는 태도를 연습하는 것 같아요. 경험이 많은 분들과 함께하는 무대여서 그런지 잡생각이 사라지고 지금 이 순간에 완전히 몰입돼요. 형들의 거칠지만 안정적인 연주 위에 원숭이가 뛰어노는 느낌?

 

 

 

 

Q. 무대에 몰입한 채로 DMZ피스트레인 스네이크치킨수프무대에서 ‘오른쪽, 왼쪽’ 외치면서 자체 슬램존을 만드는 모습이 인상 깊기도 했어요.

 

합주할 때 DR형이 “해볼래?”하셔서 나름 비장하게 “와, 너무 해보고 싶었어요 “라고 했어요. DMZ피스트레인 스테이지에서는 아예 생각이 사라진 상태로 몰입하느라 사실 가운데에 펜스가 있는지도 모르고 그런 말을 했어요.

 

그리고 한 곡을 더 준비했었어요. 그런데 갑자기 형들이 나가는 거예요. 무대 앞에 시간을 확인할 수 있는 전광판이 있는데, 시간이 끝났는데 그것조차 못 보고 (몰입하고) 있었거든요. 처음엔 형들이 앵콜을 받으려고 연출하는 줄 알았어요. 마지막에 너무 흥분한 상태로 “더 할래요! 왜 나가요!”라고 하는 걸 영상 보고 알았어요.

 

 

Q. 스네이크치킨수프 활동을 병행하면서 개인 정규 작업을 준비했는데, 어렵지는 않았나요?

 

너무 힘들었죠. (웃음) 이번 앨범을 준비하면서 저에 대해 되게 많이 알게 됐는데요. 제 장점은 무얼 하기로 마음먹으면 무조건 하는 추진력이 있고, 일을 확장하면서 숲을 바라볼 줄 안다는 점 같아요. 다만 벌여놓는 일이 많아지다 보니 수습해 줄 사람도 필요한데, 일을 진행하면서 디테일적인 부분을 놓치고 실수가 잦아지고, 단번에 결정해야 할것들을 결정을 못하는 순간들이 많았어요.

 

같이 작업하는 아티스트들도 활동 시간대가 전부 다르니, off하는 시간 없이 24시간 동안 작업에 신경 쓰면서 결정해야 하는 순간들이 많았어요. 음악적인 부분은 신중하게 고민하고, 다른 상황에서 들어보면서 판단해야 하는데, 빠르게 결정해야 하는 상황들이 발생해서 100% 만족하지 못한 채로 지나간 부분들도 있긴 해요.

 

 

 

 

 

Q. 작업에 대한 소회를 여쭌 김에 본격적으로 정규 앨범 <ACTING ROCKSTAR>를 소개 부탁드릴게요.

 

‘ACTING ROCKSTAR’라는 단어를 생각하게 된 배경을 먼저 말씀드릴게요. 넷플릭스 시리즈 <빈스 스테이플스 쇼>라는 작품을 보면, 시리즈 시작 전에 ‘어느 정도는 가짜고, 어느 정도는 사실을 기반으로 함’라는 문구가 나와요. 그 문구가 창작의 제한을 없애버리더라고요. 피식쇼도 보면 “글로벌 팬들에게 한마디 하세요”라고 말하면서 능청맞게 답변하고 모든 것을 가능케하잖아요. 제한 없이 아무 표현을 할 수 있겠다 싶어서 소개글을 그렇게 정했어요.

 

앨범을 다 들어봤을 때 느낀 점은 ‘강아지 같은 20대가 잘 자연스럽게 담긴 앨범’이라고 할 수 있는 것 같아요. 저한테는 찌질한 최원빈도 있고, 김동률을 좋아하는 최원빈도 있지만, <ACTING ROCKSTAR>에서는 사람들이 망설이는 금기를 깰 수 있는 록스타적인 면모만 뾰족하게 만들어내려고 했어요.

 

 

Q. 22년도 중순부터 (선공개 트랙이기도 한) <Hi>를 발매하면서 개인 프로젝트가 시작됐는데요. 당시부터 정규 작업을 계획 중이었던 건가요?

 

전혀 아니었어요. 당시엔 그냥 그 노래를 빨리 내고 싶었어요. 철저한 계획까지는 없었고, 그런 게 안 되는 사람이기도 하고요. (웃음) 사실 작년 가을에 우울하고 힘든 일이 많아서 발라드 앨범을 준비했어요. 그 앨범을 준비하는 과정에서 감정을 다 쏟고 나니 갑자기 정신이 멀쩡해지더라고요. 그리고 앨범을 만드려면 친구들의 도움을 받아야 하는데, 동성 친구들이랑 그런 슬프고 우울한 곡들을 듣고 있으니까 살짝 민망하더라구요. 컨디션이 좋아지니까 슬픈 가사도 완성하기가 어렵고. (웃음)

 

다만 앨범을 만들기로 마음을 먹은 상황이었다 보니 새로운 앨범을 제작해야지 싶었어요. 그래서 몇 년 동안의 작업물을 모아 6개월 가량 다듬었어요. 그러면서 자연스럽게 ACTING ROCKSTAR 분위기가 나는 곡들 위주로 발매하게 됐어요.

 

 

 

 

Q. 개별 트랙에 대해서도 이야기해 볼게요. “락스타로 행동하는 건 복잡하다”를 의미하는 초반 1,2번 트랙은 1분도 되지 않게 채 짧아요. 앨범의 도입부에서 의도하고자 한 바는 무엇인가요?

 

원래 첫 곡과 두 번째 곡은 보통 상상할 수 있는 1절과 2절로 구성된 한 음악이었어요. 그런데  정규다 보니 1번부터 15번 트랙까지 단편 모음집 보다는 장편 소설처럼 의도하고 싶었어요. 저는 보통 음악을 앨범 단위로 1 번 트랙부터 듣거든요. 그래서 인트로 트랙으로 하이라이트 파트만 넣어서 타이틀 트랙인 3번까지 넘어갈 수 있게 의도했죠. 제법 T적인 판단이였지만, 모든 사람들이 저랑 같은 방식으로 들을 거라고 착각한 부분도 있었던 것 같아요. (웃음)

 

 

Q. 타이틀 트랙 ‘FUXK2’에서 그렇고, 전체적으로 사회에 관한 반항심을 내비치는 앨범처럼 느껴지기도 했어요. 어떤 이야기를 담고 싶었을까요.

 

모든 음악의 장르를 좋아하지만, 여전히 록이라는 장르를 정말 사랑하거든요. “10대 때부터 지금까지 왜 그렇게 좋아했을까?”를 돌이켜보니, 그 어떤 장르보다 록만큼 해방감과 해소를 전하는 장르는 없었던 것 같아요. 답답하거나 화가 날 때 항상 찾아 듣게 되기도 하고요.

 

고등학교때 한국말로 된 록 음악을 들으면서 한 가지 아쉬웠던 건, 그렇게까지 직접적이고 직설적인 반항적인 가사가 많이 없다는 점이었어요. 오히려 이센스나 빈지노 같은 힙합 뮤지션의 가사를 들으면서 해방감을 느낀 것 같아요. 좋아하는 한국 밴드가 정말 많지만, 해방감을 보여주는 음악을 표현하고 싶었어요.

 

 

 

 

Q. 각 트랙을 함께한 아티스트 라인업 또한 흥미로웠어요. 7번 트랙 ‘YE!’의 경우, ‘삐삐밴드’의 이윤정 님이 참여하셨던 점이 눈에 띄었는데요. 섭외까지의 과정이나 에피소드가 궁금해요.

 

이 곡을 쓴 날은 다른 매체에서 인터뷰를 하다가 “밴드의 시대가 도래한 것에 대해 어떻게 생각하세요?”라는 질문을 받았던 날이에요. 실제로 인스타그램을 둘러보기만 해도 밴드가 정말 많이 나오잖아요. 컨디션이 좋은 날에는 ‘이런 기류에 탑승해야지’ 싶다가도, 안 좋은 날에는 정말 솔직하게 ‘왜 내가 없지?’라는 생각이 들더라고요.

 

웨터로 활동하던 당시 이미지적으로 음악성을 갖고 가는 아티스트로 보이고 싶은 욕심이 정말 컸어요. 그럼에도 ‘비주얼 밴드 같다’라는 반응이 없지 않았고요. 그렇다고 케이팝적인 성향을 갖고 있는 밴드도 아니고. 그래서 정체성에 있어서 어디에도 속하지 못한다는 생각을 늘 갖고 있었어요. 그런 부분에 있어서 매미 님이나 윤정 님 또한 제 마음을 잘 이해하실꺼 같고 셋이 협업하면 미운 오리 새끼 삼인방 느낌이 나지 않을까 해서 두분에게 부탁드렸습니다.

 

윤정 님한테 이 곡을 보내게 된 이유부터 섭외를 요청드리게 된 계기 등을 정리해서 메일로 보내드렸어요. 그런데 “무슨 록커가 이렇게 세심해?”라고 답변이 왔어요. (웃음) 오히려 제가 당황해서 “그냥 해주세요”라고 말씀드렸어요.최종파일도 아이폰 음성메모로 보내주셨는데 그 파일로 마스터링까지 다 했어요., 정말 멋지다 싶었고 오히려 마음이 놓였어요. 나중에 “밥이나 먹어요”라고 말씀 주셔서 정말 감사했어요. 또 배웠어요 이게 어른이구나!

 

 

Q. 매미 (MEMI) 님은 5번 트랙뿐만 아니라 타이틀 트랙의 뮤직비디오에도 출연했어요. 매미 님과의 협업은 어땠나요?

 

매미 님이 기타리스트인 건 알고 있었는데, 정확히 어떤 활동을 하고 계신지는 구체적으로 알지 못하고 있었어요. 그러다 릴스 중에 밴드 Korn의 커버 영상을 보고, 그다음 Jimi Hendrix 커버 영상까지 두 개를 보고 나니 팔로우를 누를 수밖에 없더라고요.

 

매미님이 막 솔로로 연주하는 모습이 상상이 돼서, 비주얼을 이번 앨범에서 녹여내고 싶어 조심스럽게 부탁을 드렸어요. 제일 좋아하는 과일이 ‘망고’인데요. 작업이 끝나고, 좋은 경험을 했다면서 망고를 보내주시더라고요. 작업하는 내내 정말 호의적이시고, 편하게 제안을 들어주시는 모습을 보면서, ‘이 사람은 그냥 천사다’ 생각했죠.

 

 

 

 

Q. 다양한 참여진이 힘을 보탠 앨범입니다. 전부 각자의 개성이 뚜렷한 아티스트들인데, 피처링 아티스트를 선정할 때 가장 중시 여긴 포인트는 무엇이었나요?

 

당연히 음악과 잘 어울릴지가 가장 우선이 되긴 하지만, 그와 별개로 제 음악에 호의가 있는지가 첫 번째였어요. 두 번째로는 현실적으로 연락이 닿을 수 있는지예요.

 

제가 어필할 수 있었던 건 오로지 재미 밖에 없었어요. 현실적인 다른 부분으로 만족할 만한 상황에서 제안을 드리는 게 아니다 보니까, 같이 작업함에 있어서 재밌는 시간을 보내는게 아니라면 그분들이 할 이유가 없으니까요. 즐겁게 했으면 좋겠다는 마음이 무엇보다 컸어요.

 

 

Q. 개인적으로 가장 작업이 즐거웠던 아티스트가 있다면 누구였을까요?

 

모든 아티스트와의 작업이 재미있고 즐거웠어요. oygli (이하 ‘오이글리’)랑 짱유랑 작업할 때가 가장 최근이라 그런지 기억에 잘 남는 것 같아요. 공통적으로 흥미로운 점은 셋 다 술을 즐기는 편이 아니에요. 겉모습은 완전 그렇잖아요. (웃음) 래퍼들이니까 “술이나 다른 필요한 건 없어?”라고 물어보니까 안 마신대요. 그래서 커피를 물어보니까, 밤늦은 시간이라 또 괜찮다고 하더라고요. 그래서 그냥 “아이스초코?”라고 하니까 너무 좋다고 말해서 같이 초코 먹으면서 작업하고 그랬네요.

 

오이글리는 제가 록을 사랑하는 만큼 힙합을 순수하게 사랑하는 친구더라고요. 저는 크게보면 힙합이 ‘우리가 제일 위험하고 섹시해’와 같이 어필하는 뜨거운 장르고 록은 ‘네가 어떻던 간에 아무 관심 없어’라고 무심하게 반응하는 차가운 장르라고 생각하는데, 그런 차이점이 극명하게 보여서 흥미로웠어요.

 

짱유와의 작업은 가사, 멜로디, 녹음까지 정말 3시간 밖에 안 걸렸어요. 작업실에 오셨을 때 “오늘 저는 원빈 씨의 악기로 온 거니까 별로면 바로 말해주세요”라고 말씀하는 모습에서 또 배운 것 같아요. 정말 깔끔한 사람이란 생각이 들었어요. 퍼포먼스적으로도 일상과의 스위치가 확실하다는 점이 거울을 보는 것 같을 때가 있어서, 언젠가 무대에 같이 서 보고 싶어요. HYPNOSIS THERAPY 공연을 너무 재미있게 봤거든요.

 

 

 

 

Q. 원빈 님의 첫 정규작이 웨터도, 스네이크치킨수프도 아닌 ‘최원빈’으로 발매된 거잖아요. 약 7년간의 시간 동안 다양한 활동을 해오신 만큼, 이번 정규에 대한 의미가 각별할 것 같습니다. 정규로 발매하게 된 결정적 계기가 있었나요?

 

처음 이 질문을 받고 멋있게 대답하고 싶어서 일찍 와서 준비하기도 했거든요. 그런데 아무리 생각해도 멋진 대답이 생각 안 나요.

 

정말 솔직하게 말하자면, 이제는 정규 앨범을 완성할 수 있을 것 같아서였어요. 만족스럽지 않고 부족하기 때문에 그간 완성하지 못한 거잖아요. 지금은 발매를 도와줄 인프라가 생겼고, 스스로 행할 수 있는 몸과 정신이 만들어지면서 용기가 생겼어요. 정말 할 수 있게 된 것 같아서 만들었어요. 33년 걸린 것 같은데요, 33년은 너무 많으니까 만 나이로 31년으로 정정하겠습니다. (웃음)

 

 

Q. 드디어 완성된 정규 앨범인데, 만족스러우신가요?

 

함께 작업한 사람들에게서 정말 많이 배우기도 했고, 저 역시 기술적으로든 감성적으로든 많이 성장한것 같아서 앨범의 수익이 0원이어도 상관없을 만큼 만족스러워요. 부모님이 이 말을 듣고 한숨 쉬시긴 했지만요. (웃음) 크레딧을 작성하면서 80~100명 정도를 핸들링한 걸 알게 됐어요. 소통하는 과정에서 당연히 서운한 일도 있었겠지만, 연이 끊길 만큼 충돌한 사람은 없었어요. 저한테는 그게 너무 중요한 일이거든요. 그래도 이 앨범으로써 빚진 금액과 다음 앨범을 낼 수 있는 수익만 발생하면 좋겠네요. (웃음)

 

그리고 오랫동안 음악 활동을 해왔다 보니 일반적인 직장을 다니는 친구들은 독서모임에서만 유일하게 만나거든요. 그 친구들은 전 재산을 다 써가며 작업하는 행위를 다소 위험하게 여기더라고요. 그런데 오히려 이 돈을 앨범 작업이 아니면 어디다 써야 할지 저는 잘 모르겠어요. 제 인생에 남는 기록이잖아요. ‘31살 때에 최원빈이 이런 앨범을 만들었다’는 기록인데, 할 수 있는 만큼 최선을 다해서 완성도 있게 발매하는 게, 저에겐 더 사업적이고 더 현실적인 것 같았어요.

 

 

 

 

Q. 웨터와 스네이크치킨수프의 프론트퍼슨이 아닌, 아티스트 최원빈은 어떤 음악가인지도 궁금합니다.

 

정규 작업을 마무리한 단계에서 웨터나 스네이크치킨수프의 음악을 되돌아보면서 들어본다면요, 웨터는 멤버들과 함께 정말 좋아하던 영국 밴드들의 문화를 계승하고, 한국말로 전하고 해석하는 부분에서 의미가 있는 밴드고, 스네이크치킨수프는 90년대 미국 록적인 음악을 하는 밴드에요. 형들이 정말 좋아하고, 그로 인해 저도 영향을 받아 좋아하게 된 장르 음악에 가까운 것 같아요.

 

그리고 제 솔로 앨범에서는, 존경하는 밴드들이나 히어로라고 여기는 인물들도 표현하지 못하는, 이젠 정말 나만할 수 있는 걸 해야겠다는 목적이  분명했던 것 같아요.

 

 

Q. <ACTING ROCKSTAR>는 지금까지 음악 활동을 쉬지 않고 이어온 원빈 님의 삶이 잘 담긴 앨범이 아닐까 싶어요. 20대부터 지금까지 오랜 시간 음악을 한다는 건 어떤 의미가 있나요?

 

중고등학생 때 영국 드라마 <스킨스>나 David Bowie (데이비드 보위)의 음악을 들으면서 록 밴드에 대한 꿈을 키웠는데, 웨터로 활동하고 영국 투어도 해보고 하면서 어찌 보면 꿈을 이룬 거잖아요. 당시에는 순간순간이 너무 즐거워서 ‘오늘은 어제만큼 재미있을 수 없다’라는 감각 때문에 보통의 일상에서 공허하고 지루하다는 느낌을 받았어요. 그런 감정이 계속 오갔어요.

 

최근에 아리스토텔레스의 <니코마코스의 윤리학>에서, ‘행복하려면 어떻게 해야 하는가’에 관한 내용의 책을 읽었어요, 그 책은 행복이란 인간적인 기본 욕구가 덜하지도 않고 과하지도 않은 삶이라고 말하거든요. 저한테는 20대가 어떻게 해야 나한테 과하고 모자란지, 극단을 달려보면서 중간 지점에서 안정적으로 파도를 탈 수 있는 방식을 터득할 수 있었던 기간 같아요.

 

 

Q. 그렇다면 지금 정말 원하는 목표는요?

 

20대 때에는 빨리 성공하고 싶어서 조급했어요. 조금이라도 어릴 때 성공 하고 싶고, 존경하는 아티스트들이랑 협업도 하고 싶다는 욕심에 성급했던 것 같아요. 그런 욕망은 남들이 멋있다고 하는 욕망에 불과한 것 같더라고요.아주 살짝 맛봤을 때, 행복하지 않다는 사실을 경험하기도 했고요. 음악을 오랫동안 하면서 단시간에 성공한 친구들이랑 어울리기도 하고, 그런 삶을 지켜보면서 내가 진짜 원하는 게 뭔지 생각해 보는 시간을 가졌던 것 같아요.

 

그래서 정말 원하는 건, 그냥 음악을 오래 하는 거예요. 예전처럼 모든 활동 하나하나에 100프로를 쏟아부으면, 탈진 상태가 돼서 다음 스텝을 밟을 힘이 남지 않더라고요.

 

 

 

 

Q. 진정으로 행복이라 여기는 가치는 언제부터 깨닫게 된 거예요?

 

좋게 표현하면 매력적인 20대의 시간을 보내면서부터요. 처음엔 ‘록스타 라이프’를 잘못 해석해서 쾌락과 도파민에만 충실한 삶이 락앤롤이라고 여겼어요. 자유롭게 살았다고 생각했지만, 오히려 그보다 어제보다  더한 자극에만 행복을 느낄 수 있는 사람이 돼버린 거죠.

 

순간적 재미에 현혹되어 나를 돌아볼 여유가 없는 시기를 보내면서, 오랜 시간 함께하고 열정을 쏟아 온 사람들을 잃었어요. 사람들을 떠나보내고 실망시키는 자신을 절대로 사랑하지 못할 것 같더라고요. 의도치않게 누군가에게 실수하고 상처 주게 되는 게 힘들어서 ‘내가 왜 그랬을까’에 대해 고민해 볼 수밖에 없었어요.

 

 

Q. 이번 앨범은 반항심이나 해방감 같은 것도 느껴지지만, 말씀하신 것처럼 결국 나를 비롯한 모든 이들에게 사랑받고픈 마음이 담긴 앨범 같기도 해요. ‘최원빈’이라는 이름으로 정규를 발매한 지금 자신을 사랑한다고 볼 수 있을까요?

 

네. 그런 것 같아요. 당연히 누구는 좋고, 누구는 아쉽다고 하겠죠. 그렇지만 이번 앨범을 발매하고 난 후에 제가 느낀 건, 정말 저만 만들 수 있는 앨범을 만들어낸 것 같아요. 되게 저 다운 앨범인 것 같아서 그 자체로 만족스러운 것 같아요.

 

 

 

 

Q. 락스타에게 필요한 자질은 무엇일까요? 그간의 행보를 미루어 보건대, 원빈 님은 음악성뿐만 아니라 아이코닉한 스타성도 중시하는 것 같아요. 아티스트가 자신만의 아이덴티티를 유지하는 데에 가장 중요한 태도는 무엇인가요?

 

제일 중요하면서도 어려운 건데, 자기 자신의 선택을 믿는 거예요. 저는 창작할 때 가장 힘든 순간이 조롱 받을 것 같다는 감정이 느껴질때 거든요. 컨셉충이나 예술병이라고 느껴지거나 그렇게 불릴 수도 있고, 기술적으로나 표현하는것에 있어서 부족해보였던게 여실히 드러난다거나 작업하다가 내면 깊숙이 파고드는 과정에서, ‘이런 포인트가 남들이 말하는 그런 예술병인 건가?, 이런게 그 친구가 말한 촌스러운건가?’ 고민하고 망설이게 되면 상상력이 제한되거든요. 제가 여전히 휩쓸린다는 뜻이기도 하고.자기 자신의 선택을 신뢰할 수 있는 사람이 되려면 스스로가 스스로에게 당당할 수 있을만큼 자기 자신을 통제 할 수 있고 한계 또한 겸허히 받아들이는 사람이 되는 게 중요한 것 같아요.

 

그리고 혼자 내린 결정에 확신과 믿음을 갖는 데에는 한계가 있어요. 그래서 주변 사람들이 중요해요. 내가 바라보는 꿈을 믿어주고, 지지해 주는 사람들이 있어야 하고, 그들을 내가 예술적으로 신뢰할 수 있는 사람들 이어야 하구요. 피드백이 없으면 계속해서 의심하게 되거나 아니면 아예 의심을 안하게 되니까요.

 

 

Q. 과거 인터뷰를 통해 인간 최원빈은 “계속해서 자기 자신을 알아보려고 하는 사람”이라고 설명한 바 있습니다. <ACTING ROCKSTAR>를 발매한 최원빈은 어떤 사람일까요?

 

그냥 지금은 정규 앨범을 발매한 사람이라고 말하고 싶어요. 정규 앨범을 만들면 조금은 명확해질 줄 알았지만 여전히 잘 모르겠는 사람. (웃음)

 

 

Q. 마지막으로 올해의 계획을 들어보면서 인터뷰 마무리하도록 하겠습니다.

 

앨범 발매 후에는 쇼케이스나 공연을 기획해서 실행해보고 싶어요. 공연으로 벌어지는 일들에 최선을 다하고 싶고요. 조만간 스네이크치킨수프의 앨범 또한 발매될 예정이고, 공연들도 많이 있으니 많은 관심 가져주시면 좋을 것 같습니다.

 

 

 

 

 

 

Interview | 박현영

사진제공 | 최원빈

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